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29.8.20

“CHANTAJE SOBRE BROADWAY” Sweet Smell of Success Director: Alexander Mackendrick






Hoy un gran clásico que no da respiro!

Burt Lancaster y Tony Curtis en un filme extraordinario, imperdible!!!



“CHANTAJE SOBRE BROADWAY”

Sweet Smell of Success

Director: Alexander Mackendrick


https://zoowoman.website/wp/movies/chantaje-en-broadway/


Sweet Smell of Success (Alexander Mackendrick, 1957)



Burt Lancaster y Tony Curtis se adentran en el misterioso mundo de la fauna nocturna que puebla el centro de Manhattan, en un juego siniestro de poder y en un universo de supervivencia. Con uno de los diálogos más corrosivos del cine de todos los tiempos esta película es uno de los títulos más grandes que Hollywood ha creado. Burt Lancaster, encarna a un poderoso, famoso y ambicioso columnista que domina toda una ciudad a través de la información que habitualmente consumen sus más de 60 millones de lectores. Pero como todo el mundo tiene un punto débil: su hermana pequeña. Todo cambiará cuando ésta se enamora apasionadamente de un guitarrista de jazz y los instintos más básicos del periodista salgan a relucir. 






Dirección

Alexander Mackendrick

Reparto

Burt Lancaster

Tony Curtis

Susan Harrison

Martin Milner

Sam Levene

Barbara Nichols

Emile Meyer

Año / País:

1957 / 


 Estados Unidos

Título original:

Sweet Smell of Success

Duración

96 min.

Guion

Ernest Lehman, Clifford Odets

Música

Elmer Bernstein

Fotografía

James Wong Howe (B&W)


"Excelente historia, dirigida con muchísima calidad y con unas interpretaciones realmente maravillosas de Lancaster y Curtis. La banda sonora es otro de los alicientes de esta conseguida historia. No se la pierdan!


“MILAGRO EN MILÁN”. Vittorio DeSica CINE EN CUARENTENA


Cinema Italiano


Y le toca al gran Vittorio De Sica y el neorrealismo (fantástico)...

Una joya para volver a ver. Para los que se la perdieron en el ciclo Italiano en el teatro El Chasqui.


“MILAGRO EN MILÁN”

Director: Vittorio De Sica


https://zoowoman.website/wp/movies/milagro-en-milan/



Sinopsis

Érase una vez una anciana que descubre un bebé en su campo de coles, niño al que adopta. Cuando la anciana muere, el niño, Toto, entra en un orfanato. Años más tarde, Toto deja el orfanato como un hombre joven y feliz, y busca trabajo en el Milán de la post-guerra. Termina ayudando a personas sin hogar y los organiza para construir un barrio de chabolas en un terreno baldío. Los ocupantes descubren petróleo en el terreno y el Toto tiene una visión de la anciana que le da una paloma mágica que le concederá cualquier cosa que desee.



Dirección

Vittorio De Sica

Reparto

Francesco Golisano

Emma Gramatica

Paolo Stoppa

Guglielmo Barnabò

Flora Cambi

  Ver reparto completo

Año / País:

1951 / 


 Italia

Título original:

Miracolo a Milano

Duración

92 min.

Guion

Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi D'Amico, Mario Chiari, Adolfo Franci

Música

Alessandro Cicognini

Fotografía

G. R. Aldo

CINE EN CUARENTENA. ¨LA INFANCIA DE IVAN´. ANDREI TARKOVSKY

CINE EN CUARENTENA




ANDREI TARKOVSKY


Uno de los grandes genios en la historia del cine mundial, cuya estrecha filmografía son obras maestras…

Aqui su maravillosa ópera prima ganadora del Leòn de oro en Venecia en 1962.


 ¨LA INFANCIA DE IVAN´


Link para verla

https://zoowoman.website/wp/movies/la-infancia-de-ivan/



Sinopsis

Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. Iván, un niño ruso de 12 años, cuyos padres murieron durante la invasión nazi, trabaja espiando a los alemanes.



(…) La infancia de Iván' es muchas cosas dentro del cine ruso y soviético de la época, y muchas cosas más dentro del cine europeo de los años sesenta, a pesar de lo reducido de su producción y de que no estamos ante una película gigantesca como sí lo será 'Andrei Rublev' ('Andrey Rublyov', 1966). Y lo es por su fortísima singularidad narrativa, que la sitúa muy por delante de su época (Bergman declararía lo mucho que significó en su obra el visionado de esta película), y por representar el nacimiento de una mirada y un estilo muy personales, que aquí todavía se hallan en un estado embrionario, casi rudimentario, si tenemos en cuenta la marcada evolución de Tarkovski en sus siguientes largometrajes. Pero en sí misma, su visionado es un inolvidable puñetazo en el estómago, un viaje por la locura y el horror de la guerra, aunque los combates estén en off o fuera de campo. Un poderoso debut que se erige en toda una demostración de talento, vigor y sensibilidad cinematográfica.



No es difícil imaginar el impacto que hubo de provocar 'La infancia de Iván' en el Festival de Venecia de 1962, en la que se alzó con el antes muy codiciado y prestigioso León de Oro, ex-aqueo con 'Cronaca familiare', de Valerio Zurlini. Realmente, el bélico nunca había encontrado formas tan líricas ni tan abstractas. En este complejo género, en el que la creación de espacios y ritmos, así como de atmósferas, son cuestiones capitales, Tarkovski dejó su huella como en el histórico, en la sci-fi, o en la tragedia, a pesar de que, en realidad, los géneros no le interesaban lo más mínimo. Para él, no eran más que etiquetas comerciales, y, por lo tanto, reduccionistas y ajenas al arte. Y si en futuras películas, los elementos más puros de los géneros son ignorados por el cineasta ruso, esta no es una excepción, y no veremos un solo combate ni maniobra militar. Es cierto que el pequeño presupuesto del filme no daba para más, pero es muy expresiva la elección de Tarkovski de filmar un bélico mucho más preocupado por el mundo interior de los personajes.


Título original

Ivanovo detstvo (Ivan's Childhood)

Año

1962

Duración

95 min.

País


 Unión Soviética (URSS)

Dirección

Andrei Tarkovsky

Guion

Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava

Música

Vyacheslav Ovchinnikov

Fotografía

Vadim Yusov

Reparto

Nikolay Burlyaev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina

Productora

Mosfilm


Critica:

https://www.espinof.com/criticas/andrei-tarkovski-la-infancia-de-ivan





7.2.18

Cine Italiano Ettore Scola "Un Día Muy Particular"


Una Giornata Particolare de Ettore Scola
En un día muy particular hay un hombre y una mujer. Los dos están solos por diferentes motivos. Los dos se necesitan pero, a la vez, no pueden estar juntos. Cada uno tiene su vida y sus circunstancias y son esclavos de su mundo. La película tiene todas las claves para que el amor triunfe pero no están enamorados, simplemente, necesitan escapar de la realidad que los rodea. 
Este extraño encuentro personal sucede en el día que Hitler visita Roma, el 6 de mayo de 1938. Antonieta, una mujer casada con un hombre tosco y vulgar, madre de seis hijos y de condición muy modesta, vive en una casa grande de un bloque de pisos pobres vigilados por una portera fascista e intransigente. Todos en el lugar donde ella vive, incluidos su marido y sus hijos van a ver el desfile que Mussolini ha organizado para recibir a Hitler. Ella representa el cansancio de una madre y esposa ignorada, marchita y que ha perdido la ilusión por vivir. Pero un episodio imprevisto la pone en contacto con un vecino que vive enfrente, al otro lado del patio interior. Un hombre melancólico al que han expulsado de la radio en la que trabajaba por disidente político y algo más. 

En estos términos, Scola confrontó la historia de dos seres a la deriva con la de cientos de miles de personas en un día, un punto de la ciudad, un momento y un espacio particular en el incontenible y previsible devenir de la historia.
Es sin duda su filme más intimista, en la medida en que la mayor parte del metraje transcurre con la sola presencia en pantalla del dúo protagonista. Dos seres se descubren y se encuentran en la intimidad, en un rincón de la ciudad, mientras buena parte de los habitantes de la misma delira en una manifestación masiva. Esto sirve para que el cineasta cifre en esa intimidad la fuerza dramática del encierro: la relación entre ambos personajes se da a puertas cerradas, pero la ciudad y el frenesí de esta jornada tan particular sigue presente a través de la radio. La historia está enfocada en la soledad de los grandes bloques de viviendas comunitarios edificados por el régimen,
en los que viven docenas de familias que han sido convocadas para presenciar el gran evento político. Estos bloques son oscuros, grises, lúgubres y una decoración realista y austera que simboliza la prisión en la que viven.


Se trata de una película inolvidable, por el acierto de presentar una historia personalísima, melancólica, sobre el fondo de la vida pública, de la radio que suena constantemente con himnos, discursos y arengas. Sophia Loren y Marcello Mastroianni coincidieron 12 veces delante de la cámara y fueron una de las parejas míticas del cine. En este título compusieron unos personajes en un registro totalmente nuevo respecto a sus carreras cinematográficas. Loren, muy lejos de su arquetipo de burguesa sensual y glamorosa, está magnífica. Y Mastroianni encarnó a un hombre tímido, sincero, con una enorme fortaleza interior, un tipo humano sobre el que volvería durante las siguientes dos décadas. La película cosechó un gran éxito a nivel internacional y obtuvo el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera en 1978. Además, estuvo nominada al Oscar en esta misma categoría y Marcello Mastroianni fue candidato al Oscar el Mejor Actor por su interpretación. 



Un Dia Muy Particular
Título original Una giornata particolare
Año 1977
Duración 105 min.
País Italia
Dirección Ettore Scola
Guión Ruggero Maccari, Ettore Scola
Música Armando Trovajoli
Fotografía Pasqualino De Santis










Reparto
Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd.


Premios
1977: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Mastroianni) y película extranjera
1977: Globos de oro: Mejor película extranjera. Nom. actor - Drama (Mastroianni)
1977: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1977: Premios David di Donatello: Mejor director y actriz (Sophia Loren)
1977: Premios César: Mejor Película extranjera









Presentan el ciclo Netcinearte, Teatro El Chasqui, Cultura Chivilcoy y Sociedad operaria Italiana.
Curaduría Jorge Russo - Ricardo Watson Netcinearte
Colabora Manuel Pallero.



Entrada Libre y gratuita.
Teatro El Chasqui
Gral Rodriguez 70
Chivilcoy

Cine Italiano Federico Fellini "Amarcord"




Amarcord de Federico Fellini
Amarcord es una expresión dialectal propia del pueblo natal de Fellini, que quiere decir “yo recuerdo”. En el filme, el recuerdo de Fellini se ubica en el periodo de su adolescencia. Aunque la mirada es nostálgica, aprovecha para ironizar las relaciones socio-culturales que fueron tejiendo su vida temprana. Rimini, bien podría ser un pueblo cualquiera de la provincia italiana, donde la moral estaba delineada por los principios católicos y protegida por el unilateralismo fascista.



En el carácter de los personajes hay mucho de ternura, quizás, de ingenuidad, y un fondo evidente de frustración. El padre, la madre, el hermano “desequilibrado”, en fin, todos los que rodean al protagonista, evidencian sus bloqueos psicológicos como algo determinante que no puede conducirlos sino a la tragedia. El mismo protagonista, junto a los demás habitantes del pueblo, no encuentran como encausar su libido desbocada hacia procesos liberadores. La presencia constante y envolvente de la mujer ninfómana, así lo demuestra.




La realidad vista desde la óptica exagerada de la adolescencia, sirve para traslucir una época, un país, un pueblo, una familia y un individuo que, a pesar de sentir cómo todo conspiraba en contra de una vida dedicada a la creación artística, logró apostarle lo mejor a esta posibilidad y salió triunfante. La mirada al pasado tiene la intención de desentrañar las claves que le dieron existencia a su vida-obra. 


















1974: Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1975: 2 nominaciones al Oscar: Mejor director, guión original
1973: Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo) y mejor director
1974: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y Mejor director
1974: Globos de Oro: Nominada Mejor película extranjera

http://www.federicofellini.it/es/node/2786

Título original
Amarcord
Año
1973
Duración
127 min.
País
Italia Italia
Dirección
Federico Fellini
Guion
Tonino Guerra, Federico Fellini
Música
Nino Rota
Fotografía
Giuseppe Rotunno
Reparto
Bruno Zanin, Pupella Maggio, Armando Brescia, Ciccio Ingrassia, Josiane Tanzilli, Magali Noël, Alvaro Vitali, Nando Orfei, Luigi Rossi, Antonino Faà di Bruno, Maria Antonietta Beluzzi, Gianfilippo Carcano, Aristide Caporale, Giuseppe Ianigro
Productora
Coproducción Italia-Francia; FC Producioni / PECF
Género
Comedia. Drama | Años 30. Vida rural. Comedia dramática







Sinopsis
Italia, años 30. Crónica de la vida cotidiana en un pueblo del norte de Italia durante el fascismo. (FILMAFFINITY)
Premios
1974: Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1975: 2 nominaciones al Oscar: Mejor director, guión original
1973: Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo) y mejor director
1974: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y Mejor director
1974: Globos de Oro: Nominada Mejor película extranjera




Críticas
"Fellini recuerda su propia infancia en esta maravillosa historia en el que destaca su espléndida dirección y la banda sonora, además de algunas escenas realmente antológicas"
Fernando Morales: Diario El País
La película favorita de Antonio Banderas: "Amarcord, de Fellini. Porque reúne las condiciones extraordinarias: relata la vida humana reducida a las relaciones humanas que ocurren en un pueblo."
Diario El País
"'Amarcord' probablemente sea el film más maravilloso de Federico Fellini... extravagantemente divertido (...) Un film de estimulante belleza."
Vincent Canby: The New York Times
"Amarcord es la más bella película que Fellini ha hecho nunca, y un hito en la historia del cine. Es una amplia, hilarante y conmovedora evocación de la vida."
Paul Zimmerman: Newsweek
"Si ha habido una película hecha totalmente de nostalgia y alegría, por un cineasta en el punto álgido de sus poderes, esa película es 'Amarcord' de Federico Fellini (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Es un poco como escuchar las historias de un abuelo (...) [Hay] unas pocas escenas memorables, pero en general, ha envejecido bastante mal, algo a lo que está destinada cualquier obra nostálgica."
Steve Rose: The Guardian
"Esto va de lo sincero a lo satírico, de lo mordaz a lo adorable, de lo divertido a lo melancólico - en resumen, es todo lo que el gran cine debe ser (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
David Parkinson: Empire 




http://www.federicofellini.it/es/node/2786

18.4.17

Seis Destinos (Tales from Manhattan)




Seis Destinos (Tales from Manhattan, 1942)
de Julien Duvivier
Basada en la novela mexicana Historia de un frac, Seis destinos fue la primera película para Hollywood del realizador Julien Duvivier, que había escapado de la Francia ocupada por los nazis. Para la Columbia fue la oportunidad de reunir en un mismo título a algunas de sus más grandes estrellas, en un film compuesto por cinco episodios. El único hilo conductor de todas ellas es un frac maldecido por el sastre que lo confeccionó, que va pasando de mano en mano a medida que avanza el metraje (originalmente las historias eran seis, pero una fue completamente eliminada del montaje final). Antes que el retrato de la vida neoyorquina que podría presuponer su título en inglés, el conjunto de historias se erigen como pequeños cuentos morales en torno al eterno debate entre la sinceridad y cualquier tipo de representación o fingimiento. Escrito con indudable sentido del entretenimiento, la acción del film fluctúa entre el drama y la comedia, con toques de suspenso y hasta algún juego perverso.

Los interpretes son un capítulo aparte: desde los siempre sólidos Edward G. Robinson, Henry Fonda, George Sanders o Charles Laughton a las presencias fulgurantes de Rita Hayworth Ginger Rogers y Charles Boyer. Sin dejar de mencionar a Paul Robeson, singular actor afroamericano cuyo progresismo político lo condenó pronto al olvido.





Título original Tales of Manhattan
Año 1942
Duración 118 min.
País Estados Unidos
Director Julien Duvivier
Guion Ben Hecht, Lamar Trotti, Donald Ogden Stewart, Samuel Hoffenstein, Alan Campbell, Edmund Beloin, Henry Blankfort, Ladislas Fodor
Música Sol Kaplan
Fotografía Joseph Walker (B&W)
Reparto
Charles Boyer, Rita Hayworth, Thomas Mitchell, Ginger Rogers, Henry Fonda, Charles Laughton, Edward G. Robinson, W.C. Fields, aul Robeson, Ethel Waters, Eddie 'Rochester' Anderson, Cesar Romero, Gail Patrick, Roland Young, Eugene Pallette, Elsa Lanchester, George Sanders, James Gleason, Harry Davenport, Sig Arno, Mae Marsh
Productora
20th Century Fox

















El Cantor De Jazz











La primera película sonora de la historia del cine!

El cantor de jazz (The jazz Singer, 1927)




En 1926, al borde de la quiebra, el estudio Warner Bros. arriesgó todo su futuro apostando al sistema de sonido. El cantor de jazz pasó a la historia como la “primera película sonora” pero en realidad es un film mudo lleno de intertítulos, que como única novedad incorpora unos veinte minutos de canciones, acompañamientos orquestales y una breve secuencia de diálogo. El público de la época se puso histérico al “verlo” cantar a Al Jolson en la pantalla. El éxito fenomenal de la idea asestó un golpe mortal al cine silente, una manera irrepetible de entender y practicar un arte que por entonces se encontraba en la cumbre de su perfección.

En su mezcla de vodevil y melodrama, el argumento de El cantor de jazz es exageradamente sentimental, y lo menos que se puede decirse de Jolson es que era un actor inadecuado. Pero en ese momento era la estrella máxima de Broadway, un auténtico showman. La historia de la película se parecía demasiado a la suya. Nacido en Lituania como Asa Yoelson, desde joven se opuso a los deseos de su padre -un rabino ortodozo judío- e hizo carrera en el mundo del espectáculo. Rebautizado Al Jolson, un astuto recurso lo convirtió en estrella popularísima: como su estilo musical bebía de la tradición musical afroamericana, en sus apariciones en vivo se pintaba la cara como un negro.


Hito en la historia del cine, la película también ha sido vista como un ejemplo clásico de la transformación judía en la sociedad norteamericana: su asimilación racial como “blancos”; su conversión religiosa a un dogma liberal, y su integración a la industria cinematográfica de la era del sonoro en calidad de popes corporativos.


Título original The Jazz Singer
Año 1927
Duración 89 min.
País
 Estados Unidos
Director Alan Crosland
Guion Alfred A. Cohn
Música Louis Silvers
Fotografía Hal Mohr (B&W)
Reparto Al Jolson, May McAvoy, Warner Oland, Eugenie Besserer, Otto Lederer, Bobby Gordon
Productora Warner Bros. Pictures

Premios
1927: Nominada al Oscar: Mejor guión adaptado
1927: Premio honorario a esta producción pionera por revolucionar la industria del cine