25.11.05
Ciclo Hitchcock en Blanco y Negro
Ciclo Hitchcock en blanco y negro
"SABOTAJE" (Saboteur, 1942)
"OCHO A LA DERIVA " (Náufragos ,Lifeboat, 1944)
" TUYO ES MI CORAZON" (Notorius, 1946)
"EXTRAÑOS EN UN TREN" ( (Strangers on a train, 1951)
Hitchcock en blanco y negro Concluida su etapa británica -que abarcó veinticinco títulos, la década del 40 representó para Alfred Hitchcock un período de búsqueda de un estilo propio en el Hollywood clásico. Desde el primer y sensacional éxito de Rebeca (1940), que obtuvo el Oscar a la mejor película del año, su carrera como realizador estuvo en gran medida determinada por los caprichos del productor David O. Selznick, a quien lo unía un tiránico contrato. Diametralmente opuestas desde el punto de vista estético, ambas personalidades chocaron continuamente, y el fruto de su unión comprende solo cuatro películas (Rebeca, Cuéntame tu vida, Tuyo es mi corazón y El Proceso Paradine). Pero ya fuera “prestándolo” a otros estudios o confiándole sus propios proyectos, Selznick le dio a Hitchcock la oportunidad de trabajar con figuras y argumentos a la altura de su talento, añadió un toque norteamericano a sus films, contribuyó a la internacionalización de su nombre y le enseñó una regla de oro del cine: para tener completo dominio sobre las películas hay que ser el productor de las mismas. Tres de las cuatro obras que presentamos en Metrocinearte corresponden a esta primera etapa norteamericana: Sabotaje (Saboteur, 1942), Náufragos (Lifeboat, 1944) y Tuyo es mi corazón (Notorius, 1946), todas contagiadas del clima bélico que sacudía al mundo. Extraños en un tren (Strangers on a train, 1951) es ya una producción propia, con el que da comienzo el período más creativo de su vida. Todas comparten la misma preocupación del director por los desafíos técnicos; inteligentes recursos visuales; sutiles comentarios eróticos y la habitual galería de falsos culpables, villanos encantadores, féminas dominantes y rubias en peligro pero dispuestas a enfrentarlo. En las ediciones que presentamos queda subrayada la fotografía en blanco y negro.
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ALFRED HITCHCOCK
Sabotaje (Saboteur, 1942)
Un hombre inocente, acusado de provocar el terrible incendio de una planta aeronáutica en la que muere su mejor amigo, persigue al verdadero saboteador desde Los Angeles hasta Nueva York. El crescendo de la narración va en aumento hasta llegar a un intenso final que encuentra a los protagonistas trepados a la cabeza de la Estatua de la Libertad. Sabotaje es una de las obras más infravaloradas de Hitchcock, que antecede en dieciséis años a Intriga Internacional (North by Northwest, 1959), a la que casi podría considerarse su remake.
Director: Alfred Hitchcock.
Guión original: Peter Viertel, Joan Harrison y Dorothy Parker.
Edición: Otto Ludwig y Edward Curtiss.
Fotografía: Joseph Valentine.
Música: Frank Skinner.
Reparto: Priscilla Lane, Robert Cummings, Otto Kruger y .... Alfred Hitchcock.
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ALFRED HITCHCOCK
Náufragos (Lifeboat, 1944)
Un naufragio. Una balsa. Una femme fatale en ella. Siete personajes más se unirán, incluyendo al enemigo. Éste es el prometedor punto de partida de una de las obras más crudas, angustiosas y despiadadas del denominado "mago del suspense". Los acontecimientos trágicos se precipitarán conforme se desarrolle la historia, dominados por una crueldad que no puede sino causar sorpresa teniendo en cuenta detalles tan escabrosos o macabros como muertes, suicidios, asesinatos, engaños y amputaciones que se celebran a lo largo y ancho del ajustado metraje de esta pequeña obra maestra. Manel Lledó Bertomeu (Alicante. España).
“Quisimos mostrar que en aquel momento estaban presentes en el mundo dos fuerzas, las democracias y el nazismo. Las democracias estaban en completo desorden, mientras que los alemanes sabían todos adonde querían ir. Se trataba pues de decir a los demócratas que les era absolutamente necesario tomar la decisión de unirse y agruparse, de olvidar sus diferencias y divergencias para concentrarse sobre un solo enemigo, particularmente poderoso por su espíritu de unidad y de decisión” (Hitchcock a Truffaut)
Con los principales actores masculinos enrolados en el ejército, Hitchcock tuvo que arreglárselas con un elenco casi desconocido al momento de llevar a la pantalla el relato político de John Steinbeck. Los sobrevivientes de un buque bombardeado por un submarino se amontonan en un bote y emprenden un viaje sin brújula.
Inglés, b/n, 96 min.
Dirección: Alfred Hitchcock.
Guión: Jo Swerling, según una historia original de John Steinbeck.
Edición: Dorothy Spencer.
Fotografía: Glen MacWilliams.
Efectos especiales: Fred Sersen.
Música: Hugo Friedhofer.
Reparto: Talullah Bankhead, John Hodiak, William Bendix, Hume Cronyn, Heather Angel y … Alfred Hitchcock.
Compañía productora: 20th Century Fox.
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ALFRED HITCHCOCK
"NOTORIUS" (Tuyo es mi Corazón)
Atrapado entre el demencial rodaje de "Duelo al Sol" (Duel in the sun, King Vidor) y una profunda crisis que pondría fin a su matrimonio, David O. Selznick se desentendió de "Tuyo es mi corazón", la producción en la que venía trabajando desde hacía varios meses, y la vendió a la RKO con los servicios de Hitchcock incluidos.
La supervisión del nuevo estudio sobre el director fue mínima, y por primera vez Hitch dirigió y produjo una película que, en la práctica, se convirtió en su primer obra maestra.
A fines de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de nazis trama en Brasil como se orquestará la vuelta al poder. Un espía norteamericano obliga a la mujer que lo ama a que se infiltre en el grupo de exiliados y hasta se case con el lider de la banda, con tal de mantenerse informado de sus movimientos. Gradualmente, ellá ira transformándose en la víctima inocente de un poder mucho más destructor que el de los alemanes: los celos de su suegra.
El elegante y ambiguo triángulo amoroso estaba compuesto por Cary Grant, Ingrid Bergman (ambos por primera vez juntos en la pantalla) y Claude Rains (el mítico jefe de policía de "Casablanca"). Sus interpretaciones fueron legendarias, especialmente Bergman, una actriz completamente alejada del estereotipo hollywoodense cuando contaba con una buena dirección. Y Hitchcock y su cámara sabían hacer el amor con una rubia. A Rains le tocó componer el primero de los "nenes de mamá", toda una tipología masculina dentro del universo hitchcockiano (Extraños en un tren, Intriga Internacional, Psicosis, Los Pájaros, etc.).
En esta historia sobre una mente calculadora -que sucedía a su exitosa película sobre una mente enferma ("Cuéntame tu vida" (Spellbound, 1945), Hitchcock introdujo algunas de las marcas de fábrica que serían una constante a partir de entonces, como el MacGuffin, un pretexto cualquiera para poner en marcha la acción sobre la que gira toda la película. O un montaje que intercalaba primeros planos de objetos o rostros en medio del lógico encadenamiento de imágenes, para crear una tensión psicológica y romper la monotonía del plano/contraplano.
Por último, no podemos dejar de mencionar el plano secuencia que registra el beso entre Grant y Bergman, el más largo que se había visto hasta entonces en el cine. Hitchcock burló al código Hays, que imponía una duración máxima de 5 segundos para el beso en la boca, haciendo que sus amantes se besaran y se separaran apasionadamente durante el tiempo que se le dio la gana. "Tuyo es mi corazón" fue nominada a seis premios de la Academía (más que ninguna otra película de Hitchcock) pero no obtuvo ninguno.
Ricardo Watson
Dirección: Alfred Hitchcock.
País: USA.
Año: 1946.
Duración: 101 min.
Interpretación: Cary Grant (Devlin), Ingrid Bergman (Alicia Huberman),Claude Rains (Alexander Sebastian), Louis Calhern (Paul Precott),Madame Konstantin (Sra. Sebastian).
Guión: Ben Hecht.
Música: Roy Webb.
Fotografía: Ted Tetzlaff.
Montaje: Theron Warth.
Dirección artística: Albert S. D'Agostino y Carroll Clark.
Vestuario: Edith Head.
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“EXTRAÑOS EN UN TREN” ( Pacto Siniestro) (1951)
Obra maestra del extraordinario Alfred Hitchcock en la cual el genial director aborda dos de sus frecuentes temas: el estudio de la parte maligna del ciudadano modelo y la figura del posible falso culpable. Un joven y guapo tenista de éxito, Guy Haines, es abordado por un admirador, Bruno Anthony, en el trascurso de un viaje en tren con destino a Long Island. Después de una conversación que pone al descubierto que en la vida de ambos hay una persona de la que no les importaría prescindir, Bruno le propone un maquiavélico plan: un intercambio de crímenes. Después de los fracasos de sus dos películas anteriores, Hitchcock se encontraba en un delicado momento de su carrera en el que no encontraba ninguna historia que fuera de su agrado. Un buen día llegó a sus manos una novela de Patricia Highsmith que parecía estar escrita para él. Existe alguna duda respecto a por qué hitchcock quiso adaptar la novela? “Extraños en un tren”, primera novela de Highsmith , contiene todos los elementos de las películas de Hitchcock: fascinación por el asesinato, enredos, y una apenas disimulada tendencia homosexual. Resulta innecesario decir que el director no tardó en conseguir los derechos y ponerse manos a la obra, y gracias a un guión de Raymond Chandler – con un ligero toque de Ben Hecht, entre otros- la película acabó siendo una de las más efectivas de toda la producción de Hitchcock. Hitchcock construye con su habitual precisión narrativa una verdadera joya del cine, un tenso, elaborado y estremecedor thriller a través del cual logró penetrar en el lado oscuro del ser humano. Con un espectacular trabajo de dirección del maestro con su habitual énfasis de los pequeños detalles que atrapen e ilustren al espectador en la intriga contemplada, escenas inolvidables como el primer montaje que muestra el avance de los pies de los dos protagonistas hasta el encuentro dentro del tren, el magistral plano del estrangulamiento visto a través del reflejo en las gafas de la víctima, la curiosa toma de un partido de tenis en el que todo el mundo sigue el vaivén de la pelota mientras Robert Walker (interpretando magníficamente a un complejo personaje ) que se halla entre el público, clava fijamente su mirada en un aturdido Farley Granger, por no hablar de la pelea final de los protagonistas encima de un descontrolado tiovivo. Con su majestuosa capacidad para conseguir un inquietante climax de suspense y un estupendo trabajo fotográfico de Robert Burks, Hitch, que reservó para su hija Patricia un importante papel secundario (la cual por cierto no lo hace nada mal), logra con este título una de sus mejores y menos conocidas obras, una obra perfecta.
Con la que concluímos el Ciclo “HITCHCOCK EN BLANCO Y NEGRO”.
(Reseña basada en el libro de Steven J Schneider “1001 filmes”y en el analisis del filme de "El Criticon") .
Directed by Alfred Hitchcock
Writing credits Patricia Highsmith (novel)
Raymond Chandler (screenplay) and Czenzi Ormonde (screenplay) Ben Hecht uncredited
Cinematography by Robert Burks
Film Editing by William H. Ziegler
Original Music by Dimitri Tiomkin
Cast Farley Granger .... Guy Haines
Ruth Roman .... Anne Morton
Robert Walker .... Bruno Anthony
Leo G. Carroll .... Sen. Morton
Patricia Hitchcock .... Barbara Morton
Runtime: 101 min Country: USA
25.10.05
Ciclo: "Primeras Obras"
Ciclo: "PRIMERAS OBRAS"
Septiembre/Octubre 2005
“RETO A MUERTE” (DUEL) 1971
Este primer largometraje de Spielberg puede considerarse hoy una de sus mejores películas, pues en ella el niño prodigio demostraba ya que además de ser uno de los talentos comerciales más prometedores entonces en la industria de Hollywood, era sin duda y sobre todo un gran creador, responsable de una estética inteligente y perfecta.
Rodada en Soledad Canyon (California) en un tiempo récord de 16 días y con un presupuesto final que no superó el medio millón de dólares, RETO A MUERTE fue el primer largometraje de un joven Steven Spielberg de apenas 24 años, tras una corta experiencia en series de televisión y después de haber realizado su primer cortometraje serio Amblin (1968) Estrenado como telefilme en la televisión americana, Duel fue llevado tras su enorme éxito a las pantallas de cine europeo con un montaje que ampliaba el metraje de sus 74 minutos iniciales hasta casi 90.
RETO A MUERTE es uno de los mejores ejemplos de un género que, como el western, es típicamente americano y que con los años ha ido ganando en consistencia y reconocimiento por parte de la crítica. Las Road Movies, o películas de carretera son filmes en los cuales el viaje en coche se erige no sólo como desplazamiento físico, sino también, y muy particularmente, como viaje emocional.
La historia narra la persecución que sufre David Mann, un hombre de negocios que viaja por California para visitar a un cliente, por parte de un camión cisterna que la toma con él sin motivo aparente. El conductor del camión, a quien no se le ve en ningún momento el rostro, actúa como un psicópata obsesionado por liquidar al pobre David, el cual trata desesperadamente de huir.
Al igual que en muchos de sus films, Spielberg trata aquí uno de sus temas más recurrentes: un ciudadano corriente es asaltado por la inesperada irrupción en su vida de un hecho extraordinario, el cual sacudirá su rutina diaria para hacerle vivir una aventura no necesariamente agradable.
Este tema es sin duda una de las influencias más destacadas que en Spielberg ha dejado el genio admirado de Hitchcock. Al igual que en las películas del maestro, lo cotidiano pasa a convertirse en pesadilla para unos seres poco preparados para actuar de héroes ante la adversidad.Al igual que en Los pájaros (The Birds, Alfred Hitchcock, 1963), el ataque del camión no responde a ningún tipo de lógica y su violencia hacia el protagonista es brutal y desmesurada.
Spielberg consiguió en este film una puesta en escena que roza la perfección. La dificultad de hacer atractiva una historia sólo centrada en una persecución entre dos personajes / vehículos, con pocas escenas que interrumpiesen esta irracional lucha, fue solucionada con la extraordinaria utilización de un montaje alternado, obra de Frank Morriss, paradigma perfecto de lo que ha de ser la planificación de una buena persecución. (de www.miradas .net)
RETO A MUERTE ,surgió cuando Spielberg leyó un relato publicado en una revista americana muy conocida. El autor de este relato era Richard Matherson y se titulaba "Duel" . Cuando se emitió en la famosa cadena Norteamericana ABC allá por el año 1971 tubo tanto éxito que la Universal decidió comercializarla en Europa através de las salas de cine.Con muy buena respuesta entre el público y la crítica, finalmente premiada en 1973 en el festival Francés de Avoriaz.
DUEL (RETO A MUERTE) 1971.
Dirección: Steven Spielberg
Productores: George Eckstein.
Guión: Richard Matheson.
Fotografía: Jack A. Marta, en Technicolor.
Música: Billy Goldenberg.
Dirección artística: Robert S. Smith.
Montaje: Frank Morriss.
Intérpretes: Dennis Weaver (David Mann), Jacqueline Scott (Sra. Mann), Eddie Firestone, Lou Frizzell, Gene Dynarski, Lucille Benson, Tim Herbert, Charles Seel, Shirley O'Hara.
Septiembre/Octubre 2005
(Poster Ezequiel Garcia)
"ERASERHEAD" David Lynch
"BADLANDS" Terrence Malick
"EL BESO DEL ASESINO" Stanley Kubrick
"SIMPLEMENTE SANGRE" Hnos. Coen
"AS TEARS GO BY" Wong Kar Wai
"DAYS OF BEING WILD” (Días Salvajes) Wong Kar Wai
"DUEL" (Reto A Muerte) Steven Spielberg
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DAVID LYNCH x2
Corto"THE GRANDMOTHER" (1970)
Richard White, Dorothy McGinnis ,Virginia Maitland,Robert Chadwick
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DAVID LYNCH
"ERASERHEAD" (1977)
"Para mí, 'Eraserhead' es sensación, no pensamiento."
"El único artista que tengo la sensación de que podría ser mi hermanoes Franz Kafka."
David Lynch
Aunque en el fondo su tratamiento es totalmente lineal, es imposible(...) contar "Eraserhead".(...) Enfrentado [a las tesis sobre el significado de algunos pasajesde la película], David Lynch responde diciendo: "No quiero hablar sobre ese tema" o "Mire, no voy a contestarle esa pregunta". El enfadodel que en ocasiones ha dado muestras Lynch con quienes divulgan lossecretos técnicos y artísticos del cine evidencia que, para él, mirar entre bastidores y hacer una interpretación unidimensional supone undesencantamiento de la obra de arte total que es el cine, unaincursión violenta en un sistema hermético de significaciones,referencias y asociaciones que es muy frágil y que debe protegerse de influencias ajenas. Según sus propias palabras, "independientemente delo extraña que sea una historia, en cuanto se entra en este mundo seadvierte que el mismo tiene unas reglas que hay que respetar." El joven director invirtió más de cuatro años con un pequeño equipo decolaboradores en una película de la que en una ocasión Stanley Kubrickdijo que era su favorita. A punto de llegar a la ruina económica enmuchos casos, Lynch trabajó minuciosamente cada escena hasta en losmenores detalles y, a pesar de las numerosas indicaciones de sufamilia y de sus amigos, no abandonó su proyecto, como si sólo pudieraliberarse del mundo claustrofóbico de Henry (el personaje principal) dando el último retoque a la película.(...) El público está invitado a ver y no precisamente a tratar decomprender a toda costa.
(Steffen Haubner en "Cine de los 70", Taschen, 2003.)
Director : David Lynch
Screenwriter : David Lynch
Producer :David Lynch
Editor: David Lynch
Cinematographer: Herbert Cardwell/ Frederick Elmes
Art Director :David Lynch
Original Music: Peter Ivers / David Lynch
Non Original Music :Fats Waller
CASTJack Nance,
http://www.davidlynch.de/head.html
(Poster Ezequiel Garcia)
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TERRENCE MALICK
“BADLANDS” (Mundos Bajos)
Ambientada en los años 50, "Badlands" cuenta un momento en las vidas de Kit (Martin Sheen) y su novia Holly (Sissy Spacek). Ella devora revistas de cine en los aburridos campos del centro de Norteamérica. El parece salido de una de esas revistas que ella lee (la mímesis con el James Dean de "Gigante" es asombrosa). Irresponsables por naturaleza, de pronto se ven inmersos en una locura de crímenes y castigos. Es justamente a partir de esta película que el personaje cinematográfico del "serial killer" vivirá su momento culminante en el cine de Hollywood.La narración, concisa y seca, de un altísimo refinamiento visual, sigue a Kit y Holly en su escapada a través del sur de Dakota y Montana. Un caso real, ocurrido en 1958 y que dejó once personas muertas, sirve de inspiración a Malick para enhebrar el relato.Desbordante a la hora de registrar el paisaje rural, se vuelve lacónico cuando se ocupa de sus personajes, y evita cualquier análisis psicológico sobre su comportamiento. Traza en cambio un relato fatalista e inquietante sobre la soledad y los sueños rotos de unos Estados Unidos que supuestamente están viviendo un período dorado."Badlands" es la opera prima de un director que apenas ha realizado tres películas en treinta años, a pesar de la influencia que su obra ha tenido en el cine de su país. Absolutamente indiferente a las convenciones y el comercialismo de la industria americana, tras rodar "Días del cielo" (1979) se recluyó diecinueve años antes de volver a la realización con "La delgada línea roja" (1998).
Director, productor y guíón: Terrence Malick.
Música: Gunild Keetman, James Taylor, George Aliceson Tipton.
Fotografía: Tak Fujimoto, Stevan Larner, Brian Probyn, en color.
Intérpretes:
Martin Sheen (Kit Carruthers),
Sissi Spacek (HollySargis),
Warren Oates (Padre de Holly),
Ramon Bieri (Cato),
Alan Vint(Deputy),
Gary Littlejohn (Sheriff).
(Poster Ezequiel Garcia)
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STANLEY KUBRICK
KILLER’S KISS“EL BESO DEL ASESINO”
El segundo largometraje de Stanley Kubrick: “El Beso del Asesino”, hizo que el mundo se fijara en él. El joven realizador fue aclamado por esta deslumbrante película de cine negro sobre un esforzado boxeador neoyorquino (Jamie Smith) cuya vida corre peligro por proteger a una vedette de club nocturno (Irene Kane) del rufián de su jefe (Frank Silvera). Usando su cámara como un puñado de papel de lija, Kubrick desnudó los mundos del boxeo profesional y de lossalones de baile de su brillante barniz. “El Beso del Asesino” no sólo provee de una considerable visión de lo que serían los futuros clásicos de Kubrick, tales como “Casta de Malditos” y “La Naranja Mecánica”, sino que es una película notable en si misma: el combate de boxeopuede catalogarse como el más perverso a este lado de “Toro Salvaje”, y la afamada batalla final sigue siendo una demostración de genialidad.Un ambicioso fotógrafo... reta al mundo cinematográfico en esta obra magistral.
TITULO ORIGINAL Killer's Kiss AÑO 1955 DIRECTOR Stanley Kubrick GUIÓN Stanley Kubrick MUSICA Gerald Fried FOTOGRAFÍA Stanley Kubrick (B&W) REPARTO Frank Silvera, Irene Kane, Jamie Smith, Ruth Sobotka, Jerry Jarret, Mike Dana, Felice Orlandi, Ralph Roberts, Phil StevensonJulius Adelman
(Poster Ezequiel Garcia)
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Hnos COEN
"SIMPLEMENTE SANGRE" (Blood Simple)
"Había llegado el momento de demostrar cuán difícil, penoso y largo resulta matar a un hombre".
Estas palabras, que Alfred Hitchcock dijera a Truffaut a propósito de "Cortina Rasgada" (Torn Curtain, 1966), fue tomada prestada por los Hermanos Cohen para promocionar "Simplemente Sangre", su opera prima. Pero del "mago del suspense" tomaron también su estilo: "Simplemente sangre" debía conseguir ante todo impactar al espectador, cautivarlo, dejarlo atornillado a su butaca comiéndose las uñas. El Hitchcock de "Psicosis" (Psycho, 1960) fue el modelo a seguir. Un espectador voyeur al que se le suministra una información privilegiada de la trama que los personajes ignoran. En palabras de Hitch, ese recurso creaba "la diferencia entre suspenso y sorpresa", y los Cohen demostraron tener una habilidad única paradotar de una nueva dimensión a mecanismos conocidos.
La historia no puede ser más trillada: una joven mujer, casada con el propietario de un bar tejano y cansada de sus malos tratos, mantiene una relación sentimental con uno de los empleados de su marido. Cuando éste descubre su infidelidad, contrata a un detective barato para que los asesine. Pero nada saldrá de acuerdo con los planes del marido engañado ni los del inescrupuloso detective.
"La película es también un retrato moral de Texas, lugar en que la soledad, la incomunicación, la falta de valores y las profundas disfunciones psicológicas que caracterizan a sus habitantes son origen y final para todo tipo de sórdidas tragedias. Los seres que pueblan (amueblan) "Simplemente sangre" son representantes arquetípicos de este concepto que denominamos "Weird Americana", estilo de vida vocacionalmente freak lejanamente emparentado con el "American way of life". ("El Cine siamés", Fernando de Felipe)
"He aquí el legendario debut de los hermanos Coen. Un trabajo visual, a la par preciosista y espeso, que reinventa los códigos del cine negro en un relato con pasiones desatadas, traiciones y mentiras, personajes deseperados y un ineludible destino que los alcanzará a todos (...) En un más difícil todavía, los Coen crean una trampa emponzoñada, que se desliza incluso hacia el terror, aderezada sorprendentes insertos de humor negro. Un desbordante ejercicio de imaginación" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Blood Simple (1984)
Dirección Joel Coen
Intérpretes John Getz (Ray), Frances McDormand (Abby), Dan Hedaya (Julian Marty), M. Emmet Walsh (Detective)Guión Joel y Ethan Coen.
Fotografía Barry Sonnenfeld.
Música Carter Burwell.
Edición Roderick Jaynes/ Don Wiegmann.
(Poster Ezequiel Garcia)
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WONG KAR WAI
"AS TEARS GO BY"
El título de la opera prima de Wong Kar-Wai cita explícitamente unacanción de los Rolling Stones y, al mismo tiempo, evoca elsuperclásico leitmotiv musical de la banda sonora de "Casablanca" (Michael Curtiz, 1942). Ambas referencias comparten un mismo tema:los amores imposibles, un asunto recurrente en la posteriorfilmografía de este cineasta que hoy ocupa una posición canónica entrelos grandes creadores del arte cinematográfico. Un poco afortunado gangster barrial, inmerso en una compleja red delealtades y rivalidades fuera de la ley, se enamora de una joven deapariencia ingenua pero muy diestra en el universo de lastransacciones sentimentales. Ambos están asediados por las situaciones que provoca un joven protegido, cuya máxima ambición es la de seralguien de quien se ocupen las noticias, aunque tan sólo sea por undía que se olvidará pasados tres. Genéricamente, la película oscilaentre el policial a la manera del cine industrial de Hong Kong mezclado, para la ocasión, con muchos tópicos tomados de Mean Streets(Martin Scorsese, 1973), donde el barrio aparece como un microcosmoscerrado en el que brota la tragedia, y el melodrama que se apresta adisparar cuando boy meets girl pero ambos descubren que la relacióndifícilmente tenga futuro por razones que escapan a su control. "Es verdad que mis personajes están terriblemente solos, pero quierendejar de estarlo. Buscan desesperadamente algo, lo malo es que lo que buscan ya pasó. Ahí surge la nostalgia, la culpa y el dolor". Despuésde obtener un título universitario como diseñador gráfico, de pasarunos pocos meses dedicados a la fotografía, dos años como asistente de producción en series para una cadena de televisión e ingresar aldepartamento de guiones de una productora, Wong Kar-Wai comenzó acontribuir con ideas y gags para terminar escribiéndolos y finalmente filmarlos. "As Tears go By" (1988) es un gran film de acciòn y a la vez una tierna historia de amor, en la que apareceMaggie Cheung, completamente transformada para su primera colaboracióncon WKW ("El me enseñó a actuar", confesaría más tarde). "As Tears go By" no fue estrenada en salas cinematográficas ni editada en video en Argentina. As Tears Go byHong Kong, 1988. Cantonés, color, 102m. Dirección y guión: Wong Kar-wai. Intérpretes: Andy Lau (Wah), Maggie Cheung (Ngor), Jacky Cheung (Fly),Kau Lam (Kung), Alex Man (Tony) y Ronald Wong.\r\nFotografía: Wai Keung Lau.Montaje: Pi Tak Cheon.Música original: Ting Yat Chung.Premios en Hong Kong: mejor dirección artística, mejor actorsecundario (Jacky Cheung). Participó de la Semana de la Crítica en Cannes '88
(Poster Ezequiel Garcia)
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Wong Kar Wai
"Days of being wild”
(Días Salvajes)
Considerada como la primera parte que completa la trilogía formada por este título, "In the mood for love" y "2046", una serie simplemente imprescindible. "Days of being wild" es la segunda película rodada por Wong Kar Wai, el más importante realizador oriental de los últimos tiempos. Realizada en 1990, filme nostálgico sobre la amistad y sus decepciones, con el trasfondo de los años sesenta, le sirvió para reunir a seis de las mejores estrellas jóvenes del cine asiático, y recibir los 5 premios más importantes del Festival de Cine de Hong Kong de 1991. La película ha estado inédita en Argentina hasta ahora, injusto castigo para uno de los más poéticos films de los últimos años dirigido una vez más con maestría y sensualidad por un joven Wong Kar Wai, completando una obra de gran belleza visual y dramática, en la que cuenta la historia de media docena de personajes en su búsqueda individual de conectar con el resto, centrada en el personaje interpretado por Andy Lau, cuya madre lo entrego a una prostituta que, ahora, se niega a develar el nombre de la madre biológica.
El desarraigo emocional que supone este echo le lleva a una muy personal concepción del amor, disfrutando más de la lucha entablada entre dos mujeres para conseguir su amor que en la búsqueda del amor necesario, camino que irremediablemente le dirige de nuevo al abandono y la soledad. Partiendo de un guión estupendo escrito por el propio realizador, dirigida con maestría y convicción, encuadrada con belleza por su habitual director de fotografía Christopher Doyle, la cinta cierra un conjunto perfecto, ayudado también por una excelente selección musical (Perfidia como título principal).
"Days of Being Wild" presenta una fisonomía descentralizada, en la que la narración no gira entorno a un único hilo conductor, sino que va saltando de una personaje a otro, bifurcándose, adoptando distintos puntos de vista (con varias voces en off), configurando una obra en la que el todo narrativo y formal apuntan a una idea abstracta de la soledad, del poder de lo efímero, de la brevedad del deseo y de la eternidad del recuerdo. Director: Wong Kar-WaiCinematography:Christopher Doyle Screenplay: Wong Kar-waiFilm Editing :Kit-Wai Kai/Patrick Tam
Cast: Leslie Cheung, Andy Lau, Maggie Cheung, Carina LauDuración: 95 minutosHong Kong 1991
Site:
http://www.kino.com/daysofbeingwild/
Trailer:
http://www.apple.com/trailers/independent/daysofbeingwild.html
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“RETO A MUERTE” (DUEL) 1971
Este primer largometraje de Spielberg puede considerarse hoy una de sus mejores películas, pues en ella el niño prodigio demostraba ya que además de ser uno de los talentos comerciales más prometedores entonces en la industria de Hollywood, era sin duda y sobre todo un gran creador, responsable de una estética inteligente y perfecta.
Rodada en Soledad Canyon (California) en un tiempo récord de 16 días y con un presupuesto final que no superó el medio millón de dólares, RETO A MUERTE fue el primer largometraje de un joven Steven Spielberg de apenas 24 años, tras una corta experiencia en series de televisión y después de haber realizado su primer cortometraje serio Amblin (1968) Estrenado como telefilme en la televisión americana, Duel fue llevado tras su enorme éxito a las pantallas de cine europeo con un montaje que ampliaba el metraje de sus 74 minutos iniciales hasta casi 90.
RETO A MUERTE es uno de los mejores ejemplos de un género que, como el western, es típicamente americano y que con los años ha ido ganando en consistencia y reconocimiento por parte de la crítica. Las Road Movies, o películas de carretera son filmes en los cuales el viaje en coche se erige no sólo como desplazamiento físico, sino también, y muy particularmente, como viaje emocional.
La historia narra la persecución que sufre David Mann, un hombre de negocios que viaja por California para visitar a un cliente, por parte de un camión cisterna que la toma con él sin motivo aparente. El conductor del camión, a quien no se le ve en ningún momento el rostro, actúa como un psicópata obsesionado por liquidar al pobre David, el cual trata desesperadamente de huir.
Al igual que en muchos de sus films, Spielberg trata aquí uno de sus temas más recurrentes: un ciudadano corriente es asaltado por la inesperada irrupción en su vida de un hecho extraordinario, el cual sacudirá su rutina diaria para hacerle vivir una aventura no necesariamente agradable.
Este tema es sin duda una de las influencias más destacadas que en Spielberg ha dejado el genio admirado de Hitchcock. Al igual que en las películas del maestro, lo cotidiano pasa a convertirse en pesadilla para unos seres poco preparados para actuar de héroes ante la adversidad.Al igual que en Los pájaros (The Birds, Alfred Hitchcock, 1963), el ataque del camión no responde a ningún tipo de lógica y su violencia hacia el protagonista es brutal y desmesurada.
Spielberg consiguió en este film una puesta en escena que roza la perfección. La dificultad de hacer atractiva una historia sólo centrada en una persecución entre dos personajes / vehículos, con pocas escenas que interrumpiesen esta irracional lucha, fue solucionada con la extraordinaria utilización de un montaje alternado, obra de Frank Morriss, paradigma perfecto de lo que ha de ser la planificación de una buena persecución. (de www.miradas .net)
RETO A MUERTE ,surgió cuando Spielberg leyó un relato publicado en una revista americana muy conocida. El autor de este relato era Richard Matherson y se titulaba "Duel" . Cuando se emitió en la famosa cadena Norteamericana ABC allá por el año 1971 tubo tanto éxito que la Universal decidió comercializarla en Europa através de las salas de cine.Con muy buena respuesta entre el público y la crítica, finalmente premiada en 1973 en el festival Francés de Avoriaz.
DUEL (RETO A MUERTE) 1971.
Dirección: Steven Spielberg
Productores: George Eckstein.
Guión: Richard Matheson.
Fotografía: Jack A. Marta, en Technicolor.
Música: Billy Goldenberg.
Dirección artística: Robert S. Smith.
Montaje: Frank Morriss.
Intérpretes: Dennis Weaver (David Mann), Jacqueline Scott (Sra. Mann), Eddie Firestone, Lou Frizzell, Gene Dynarski, Lucille Benson, Tim Herbert, Charles Seel, Shirley O'Hara.
30.3.05
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