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21.7.15

HOMENAJES (Nota publicada en Radar hace unos años)
John Cassavetes
REALMENTE amor
El 3 de febrero se cumplieron quince años de la muerte de John Cassavetes. Pionero absoluto de una nueva concepción del cine –la de un film como exploración personal–; obsesionado por el amor como única forma de felicidad plena; idolatrado por la generación de Coppola, Scorsese y Spielberg; merecedor por sobre cualquiera de ser llamado un cineasta independiente, filmó en su propia casa, con su familia y sus amigos, mientras luchaba por conseguir presupuestos magros y salas donde exhibir. A manera de homenaje, Radar reproduce fragmentos de la biografía inédita en castellano Cassavetes por Cassavetes de Ray Carney.
Por John Cassavetes
LO QUE SÉ ¡Amo mis films! Son todo lo que hay en mis niños; son todo lo que es mi familia, son todo lo que soy yo, son todo lo que es mi mujer, todo lo que son mis amigos. Sí, amo las películas. Y son películas honestas. Si son buenas o malas es otra cosa. Pero al menos son películas que dicen lo que yo sé. Y si yo no sé nada, ¡entonces sí estamos en problemas! ¡Entonces quizás no te gusten las películas! Pero son expresiones. Ojo, no las comparo con la elegancia de una película política, porque las odio; y no las puedo comparar con las películas artísticas, porque yo detesto las películas artísticas. Son películas simples; películas simples que tratan temas desconocidos. Sin embargo, hay preguntas que, creo, la gente se hace todo el tiempo.
TORRENTES DE AMOR Yo había advertido que la gente que era amada o que se sentía amada parecía llevar vidas más plenas y felices. Toda mi propia obra en el teatro y en el cine se ha ocupado de temas que varían en torno de este amor. A Woman of Mystery se refiere a un segmento inexplorado de nuestra sociedad, el referido a los sin techo, a las vagabundas que tienen todo en una sola bolsa, a los borrachos, a los linyeras –etiquetas que niegan al individuo y que al público le resultan fáciles de usar–. Nuestra heroína no sólo carece de hogar (si es que esto significa que le falta todo aquello que hace reconfortante al amor) sino que no tiene siquiera un nombre, con todos los beneficios prácticos de la seguridad social u otra identidad. Sola, carga sus pertenencias por las calles. Se introduce en una serie de encuentros que desafían su aislamiento, su incapacidad para comunicarse. Pero, al final, resulta que es muy difícil retornar a los sentimientos normales del afecto. La mujer parece permanentemente discapacitada debido a la larga interrupción de sentimientos de amor.
NO SABEN LO QUE DICEN Todo el mundo dice que quiere trabajar del modo en que yo lo hago, o trabajar conmigo; pero en realidad no quieren hacerlo. No quieren hacer todo lo que implica trabajar de ese modo. En definitiva, quieren protegerse a sí mismos. Tienen miedo. No quieren realmente una oportunidad.
EL MEJOR Sean Penn es el mejor actor de su generación. Lo vi en Fast Times at Ridgemont High y en The Falcon and The Snowman. Se preocupa por su arte. No soy aficionado a las drogas, en realidad soy antidrogas, pero puedo apreciar el hecho de que incluso él haya tomado drogas que lo ayudaran. El quiere llegar a algún lado. Y es capaz de hacer lo que sea para conseguirlo.
LA VIDA Y NADA MAS Gena y yo somos unos freaks. Estamos absolutamente idiotizados con querer convencer a alguien de que, para nosotros, es muy difícil expresarnos en nuestras vidas. Cavar en la profundidad de cómo son las cosas, a través de la gente, es lo que me gusta y lo que también le gusta a la gente que trabaja conmigo. Descubrir el delicado equilibrio entre vivir y morir. Quiero decir, pienso que éste es el único tema que hay. 
HAY QUE SER COMO LOS BEATLES Los directores de cine deben darse cuenta de que tienen que convertirse en algo así como Los Beatles: deben escribir sus propios materiales. Es realmente increíble que los directores puedan permitirle a otra persona que escriba sus guiones. Puedo entender que eso ocurra cuando uno está empezando, supongo, pero hacerse una carrera dirigiendo la obra de otros está realmente mal. Un director debería crear sus propios films.
BIENVENIDOS AL TREN La gente está loca, ¿saben? Realmente. Porque creen que está bien hacer un film que no les gusta siempre y cuando les dé dinero. Es mucho más interesante descubrir si uno va a vivir o morir. Si uno va a pasarla bien o no. Si los niños van a estar contentos con sus vidas –no contentos sino con sus vidas, ¿entienden?–. Que no sientan que tienen que ser como todos los demás. Si uno encuentra algo que le gusta hacer, piensa que es hermoso. A mí me gusta actuar en films. Me gusta filmarlos. Dirigirlos. Me gusta andar por ahí cuando hay films. Me gusta lo que se siente, y es algo que respeto. Mucho. No importa si es un film de mierda o uno bueno. A cualquiera que puede hacer un film, yo inmediatamente lo amo –pero me dan pena si no piensan lo que hacen–. Porque se perdieron el tren.
ESAS PERSONAS EN LAS BUTACAS Lo que a la gente le gusta es distinto de lo que quiere. Ven insinceridad y la odian –pero no dicen lo que realmente sienten. ¿Por qué la gente echa por la borda toda su manera de ver el mundo, todo lo que realmente siente, en nombre de una promesa –falsa– que les hizo la sociedad sobre cómo se supone que todos tienen que vivir? Hay algo que se percibe en una audiencia cuando realmente entienden la película. Quiero decir, puede no gustarles, pero la entienden. No quiero hacer una película que sea como una comida que se evapora rápidamente. Pero siempre es difícil encontrar un lenguaje cuando la gente no quiere oír lo que uno está diciendo. Es lo que se llama un público duro. Pero una vez que uno penetra ahí, se lo ganó.
LA FILOSOFIA DEL POBRE Como artista siento que debemos intentar cosas diferentes –pero sobre todo tenemos que atrevernos a fracasar. En los films uno puede fracasar porque no tiene talento, o porque es demasiado humilde o porque le falta ferocidad. ¡Yo soy un gangster! Si quiero algo, lo agarro. Pienso que probablemente tengo la filosofía del pobre. Ya saben, como que le robaría los centavos a un muerto. Los que consiguen hacer algo no son los que se paran a un costado y piden permiso sino los que se sumergen en las cosas. Lo único que puede hacer un joven cineasta es conseguir dinero y filmar. Sea como sea. 
LA GENTE ALREDEDOR Más adelante en mi vida me volví más exitoso con otra gente porque me importaba un carajo la ambición personal. A mi edad, es estéril. No busco el reconocimiento. El reconocimiento es un grano en el culo. Pero pasarla bien no es estéril. O pasarla mal no es estéril. Lo que yo quiero es hacer algo indeleble. Algo concreto. No hay reglas. Sólo encontrarme con gente buena, decente, artística y valorarlos –porque ellos son los únicos que te van a ayudar. 
HELP Yo perdí mi vida. No sé nada sobre la vida. Si hago una película, ni siquiera entiendo por qué estoy haciendo la película. Solamente sé que ahí hay algo. Después llegamos a saber de qué se trata gracias a las opiniones de los otros. Si uno hace un film, el film puede ser importante o un disparate. Uno no puede apostar por diez centavos y esperar una ganancia como si uno hubiera apostado un millón. Uno se tiene que jugar el todo por el todo. Fracasemos o no, tenemos que jugarnos por lo que nos va a hacer mejores cuando hayamos terminado. Me gusta trabajar con amigos y para amigos en algo que puede ayudar a alguien. Algo con humor, tristeza; cosas simples.
LA LOCURA DEL ARTE El artista es realmente una figura mágica a la que todos querríamos parecernos, pero que no tenemos el coraje de ser, porque no tenemos la fuerza de ser obsesivos. El cine es un arte, un arte hermoso. Es una locura que se apodera de todos nosotros. Estamos enamorados de él. El dinero en realidad no nos importa tanto. Podemos trabajar 36 o 48 horas sin parar, y sentirnos eufóricos al final. Pienso que el cine es mágico. Con las herramientas que tenemos a mano, intentamos transformar la vida. La idea de hacer un film consiste en encapsular una vida de emociones e ideas en dos horas, dos horas durante las cuales algunas imágenes centellean sobre la pantalla y en esas dos horas la esperanza es que el público se va a olvidar de todo y el celuloide va a cambiar vidas. Claro que esto es loco, que es una presunción ridículamente jactanciosa, y sin embargo ésa es la esperanza.
NEGOCIOS SUCIOS Son realmente los jóvenes los que tienen que hacer películas. La única razón por la que no las hacen es que hay una estructura económica, ni siquiera una estructura política, que les prohíbe este hobby que es muy fascinante e importante. Es el respeto equivocado y el culto equivocado que se rinde a los negocios antes que a un arte. 
NO, NO, NO ¿Creen que yo quiero ser popular? ¿Creen que quiero mis películas en video? ¿Que quiero que millones de personas vean mis películas? ¿Por qué querría eso? 
EL SECRETO DE MI ÉXITO Es estar en un territorio muy peligroso si uno puede hacer films sólo si los ingresos brutos de uno reflejan que uno tiene verdaderos ingresos. Hice películas durante veinticinco años y ninguna de ellas me hizo ganar mucho dinero. Pero no hay nadie en el mundo que pueda explicar por qué no fueron exitosas. Y ése es el sentimiento más fuerte que siempre sentí en mi vida. 
HOGAR, DULCE HOGAR Cuando compré esta casa, debía 50 mil dólares. Ahora, después de 30 años, sigo debiendo 50 mil dólares. ¿Qué les dice esto sobre mi carrera?
IN MEMORIAM Creo que seré recordado como actor. No como director. Aunque creo que mi obra influenció un par de comerciales en tevé. 
P.D. Lo importante es darse cuenta de que hay distintas maneras de hacer películas y distintos métodos de hacerlas de acuerdo con lo que uno es. Es decir, ¡no quiero que nadie me imite!


Traducción: Sergio Di Nucci

7.7.15

Ciclo
ENCUENTRO CON JOHN CASSAVETES



“A todos -y por supuesto me incluyo- nos resulta muy difícil decir lo que uno quiere decir, cuando lo que uno quiere decir es doloroso. La cosa más difícil del mundo es revelarse uno mismo, expresar lo que uno debe expresar. . . Como artista, siento que debemos intentar muchas cosas, pero sobre todo debemos atrevernos a fallar. Uno debe tener el valor de ser malo, estar dispuesto a arriesgar todo para realmente expresarlo todo” John Cassavetes



John Cassavetes fue un director comprometido con el séptimo arte. Sus films son sinónimo de cine independiente.

Cassavetes, además de director, fue actor, guionista y productor. Sus películas se caracterizaron por estar llenas de una intensa carga emocional y por unas actuaciones con una naturalidad deslumbrante. Para Cassavetes lo importante eran las personas y el descubrimiento de las mismas. Le gustaba explorar cada emoción espontánea que se producía en filmación, ir a lo más profundo del ser para conocer a las personas. Sus filmes comprenden rupturas, miedos, confusiones y equivocaciones. Otro elemento importante y que imprime un ritmo intelectual a sus películas es la música, el jazz y el blues.



“Shadows”, su opera prima fue el film que habría de merecerle reconocimiento en Europa, ganador del premio de la crítica en el festival de Venecia. Gracias a este reconocimiento Hollywood pone los ojos en el. La Paramaunt financió su segundo largometraje “Too Late Blues” y United Artist “A Child is Waiting”. De esta último film fue despedido en la postproducción porque quería centrarse más en los niños que en los propios protagonistas de la película. “Cassavetes entendió que estos niños, con retrasos mentales, tenían un lugar en la vida y no se podía encerrarlos en un edificio, y así hacer de cuenta que no existían”. Esta experiencia con los estudios resultó frustrante y solo ayudo a reforzar sus ideales. La financiación  para la mayoría de sus siguientes películas la hizo por medio de actuaciones para el cine y la televisión.




Durante el proceso creativo de cada film Cassavetes contaba la historia múltiples veces. Se la contaba a cualquiera que tuviera un minuto. Le gustaba ver la reacción de las personas y escuchar su historia, ver como iba mutando cada vez que la contaba. Después, cuando venía el momento del casting y le proponían los actores Cassavetes escogía a su eléctrico, su madre, el hermano de su esposa, sus hijos, sus amigos, etc. Al final, la mayoría del elenco y técnicos que trabajaban con el eran sus amigos.



Se cree que las películas de Cassavetes eran todas improvisadas pero la verdad es que eran muy preparadas. Primero se sentaba con los actores y leían el guión, lo leían tres o cuatro veces, sin actuar. Después de tener el casting fijo ensayaba de tres a cuatro semanas antes de filmar. Si los actores tenían algún problema con el dialogo lo hacía de la forma que ellos lo harían. Se reescribía lo que fuera necesario. Esta reescritura continuaba a lo largo de las 4 semanas de ensayos. Por esta razón podemos decir que sus películas eran unas improvisaciones preparadas. “Al final, los actores eran los personajes o mejor dicho los personajes eran los actores”.

Cassavetes se convirtió en el icono del cine independiente americano y unos de los directores más interesantes en la historia del cine.















26.9.11

Ciclo 70's La Década Salvaje Octubre 2011

















Directed by
Peter Bogdanovich

Novela:
Larry McMurtry

Guión:
Larry McMurtry

Peter Bogdanovich

Fotografía:
Robert Surtees

Finalizamos esta segunda parte del ciclo con uno de los filmes que causó sensación en 1971. El brillante escritor, crítico de cine y realizador Peter Bogdanovich, dio a conocer su segundo largometraje, que destacó por un

estilo opuesto a los filmes que hacían furor en aquel momento, en una especie de homenaje a los clásicos dramas de posguerra.


Ha permanecido como una de las obras maestras del cine norteamericano de los 70, y sin duda es la mejor obra realizada hasta hoy por Bogdanovich. Espléndido melodrama rural ambientado en un lejano pueblo tejano, fresco dramático de la América profunda de los años 50 que trataba temas como, el paso del tiempo, la necesidad (y dificultad) de amar, el "descubrimiento" del sexo, el peso de una vida sujeta a un entorno inexorable... Filme coral, con un reparto excelente de debutantes y novatos: Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Cloris Leachman, Ellen Burstyn.











Ganadora de dos premios oscar 1972 :Mejor actor de reparto Ben Johnson y Mejor actriz de Reparto Cloris Leachman.
Nominada para seis premios oscar 1972: Mejor Película, Mejor Director, Mejor guión adaptado, Mejor fotografia, Mejor actor de reparto (Bridges) y Mejor actriz de Reparto (Burstyn).
THE LAST PICTURE SHOW
La época: los años 50; el ambiente: Anarene un pueblito perdido, polvoriento y ventoso de Texas con un viejo cine al final de la calle principal y una sala de juegos con dos mesas de billar y una máquina de discos; los personajes: un grupo de adolescentes insatisfechos que buscan su lugar en un universo en extinción y los adultos que arrastran sus frustraciones íntimas entre infidelidades conyugales y aventuras amorosas ; el estado de ánimo: el aburrimiento, la desolación y el hastío, solo la pantalla del cinematógrafo es el lugar donde encontrar refugio; el color: blanco y negro, como el del cine de aquella época.
"The Last Picture Show" trasunta amor por el cine; es una síntesis de ese clasicismo cinematográfico que Bogdanovich aprehendió en maratónicas sesiones de cinefilia (se enorgullecía de haber visto 5000 films antes de cumplir los 30 años de edad).
Una decisión singular en una época en que los nuevos directores abandonaban definitivamente las formas y fórmulas del viejo Hollywood. Como lo ha expresado tan bien José Luis Garci, "es el fin del cine; de un cine determinado; de una manera de hacer cine; la última sesión de una sucia sala -¡cuántos sueños forjados allí dentro! -, que ha de cerrar obligada por la terrible competencia de la televisión".
Bogdanovich adaptó eficazmente la novela de Larry Mc Murry dando con un clima melancólico que en ningún momento es proclive a la sensiblería. La magnífica fotografía en blanco y negro de Robert Surtees y el estilo con que fue filmada, planos generales, tomas largas y lentas, pocos movimientos de cámara, etc., determinan la imágen clásica del western, tributo a dos grandes como Ford y Hawks.


El reparto incluyó debutantes que harían historia, como Jeff Bridges, Cybill Shepperd, Randy Quaid o la siempre soberbia Ellen Burstyn, y grandes actores de reparto como Cloris Leachman y Ben Johnson (cada uno obtendría un Oscar). Todos tan genialmente dirigidos que logran componer unos personajes exactos, sobresalientes.

En 1998, "The Last Picture Show" fue incorporada al selecto grupo de películas consideradas algo así como un "tesoro nacional", dignas de conservarse en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Confirmaba así su status de obra maestra.

Peter Bogdanovich

Desde chico, Bogdanovich vio todo el cine. Principalmente el que daban por televisión y en los cines de barrio de la ciudad de los rascacielos en la que había nacido. Así fue que llegó a ser el programador de la filmoteca del MoMA antes de dedicarse de lleno a la crítica cinematográfica. Al fin, siguiendo el ejemplo de los realizadores franceses de la "nouvelle vague", se trasladó a Los Angeles con ganas de pasarse a la dirección. Pronto se ubicó como ayudante de Roger Corman, que impresionado por su talento le facilitó los medios para rodar su primer film. "Targets" (1968), protagonizado por Boris Karloff en su último gran papel para la pantalla grande, supuso un inesperado éxito de crítica. "The Last Picture Show" (1971), su segunda película, lo convirtió en el niño mimado de la industria cinematográfica norteamericana. "Que pasa Doctor" (1972), la tercera y uno de los grandes triunfos de taquilla de la época, confirmó el status de superestrellas de la pareja protagónica (Barbra Streissand y Ryan O'Neil) y convirtió a Bogdanovich en un director "clase A", con todos los recursos de la industria a su disposición. Al año siguiente, "Luna de Papel" lo mantuvo en la cima. "Daisy Miller" (1974), concebida como un vehículo para su mujer, Cybill Shepperd, fue destrozada por la crítica e ignorada por el público. Supuso el final de su carrera y el comienzo de una serie de fracasos. Como su adorado Orson Welles, a quien le realizara una entrevista/libro tan mítica como la que Truffaut le hiciera a Hitchcock, la reputación de Bogdanovich en Hollywood se reduce a esos tres años a principios de los setenta. Pero a diferencia de Welles, en Europa nunca lo tuvieron en cuenta, y desde entonces se ha dedicado principalmente a escribir. En la actualidad, con casi setenta años, suele analizar títulos y filmografías en el material extra que traen las buenas ediciones en DVD.

Peter Bogdanovich
Peter Bogdanovich

SALVAJES 70


por Cristian Bernard



Generalmente cuando se habla de cine de autor los teóricos y críticos especializados suelen referirse a los maestros europeos o a algunos pocos directores norteamericanos como Ford o Welles. Las salas de cine arte dedican ciclos enteros a la Nouvelle Vague, a Kurosawa, al western, al film noir, al cine de medio oriente y al cine de animación checo sin embargo muy pocos consideran al cine norteamericano de los 70.

Recién en los últimos años han aparecido algunos libros sobre el tema , pero si uno habla con directores y con amantes del cine siempre las películas de los 70 suelen venir a la memoria y ser motivo de largas y apasionadas charlas.

Tipos como Denis Hooper, Hal Ashby , John Boorman, Michael Cimino, William Friedkin, Peter Bogdanovich , Paul Mazurski, Jerry Schatzberg puede que no tengan una obra tan extensa, pareja y coherente como las de Godard ,Truffaut y Resnais pero sin duda algunas de sus películas son verdaderas obras maestras. Es por eso que en este ciclo se ha intentado proyectar aquellas películas no tan conocidas por el común del público. Puede llamar la atención que no figuren Taxi Driver, El padrino, Manhattan o incluso Tiburón pero la realidad es que estos films se difunden constantemente en televisión y nadie duda de sus valores artísticos. En cambio muy pocos conocen Deliverance, Rain People, o Panic in the Needle Park . Sin duda el cine de los 70 fue una suerte de big bang de talento y provocación. Esta explosión de imagenes subversivas, de ideas renovadoras, de finales escépticos crease o no provino de Hollywood. Películas como All that jazz, Perros de paja, La naranja mecánica o Network salieron de la factoría hollywoodense y fueron la prueba cabal de la valentía y el talento que muchos directores supieron tener en esa década. Muchas son las teorías sobre el por que de tanto riesgo y muchas son las hipótesis sobre por que los directores perdieron la batalla en manos del marketing y la industria del pochoclo.

Cuando uno ve las películas de los 70 no puede dejar de preguntarse ¿que fue lo que paso? Este ciclo no pretende responder esa pregunta . De cualquier manera poder ver estas películas en pantalla grande es una suerte de viaje en el tiempo. Gracias al Centro Cultural Caras y Caretas que nos invita a presentar este ciclo retornando a los 70 y descubrir que hubo un tiempo pasado que fue mucho mejor. Al menos para el cine norteamericano.





















El pasado revisionado desde los 70'





Domingo 16 octubre 2011


17:00 hs. Baile de Ilusiones (They Shoot Horses Don´t They?)


Dirección: Sydney Pollack


El novelista de serie negra Horace McCoy, escribió a mediados de los años 30 su obra más reconocida, They Shoot Horses, Don't They? (Acaso no matan a los caballos?), sobre uno de los episodios más oscuros de la historia de los Estados Unidos: la Gran Depresión de los años 30. El libro recibió muy buena acogida por la crítica, entre ellas las de Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir que la consideraron como una obra maestra del existencialismo en Norteamérica.
Año 1932. La soleada California recibe cantidades de personas de todos los rincones del país, con la intención de obtener algún trabajo y superar las difíciles condiciones de vida.
Muchos de ellos se entregarán a un martirio difícil de creer; por varios platos de comida caliente durante el día y con la intención de ganar 1500 dólares, se inscriben por parejas en una maratón de baile donde, se ven obligados a bailar y correr durante días y días, con breves períodos de descanso. Los que van cayendo deberán, como caballos en carrera, abandonar la pista. La última pareja que resista se llevará el premio.




Casi simultáneamente con el mayo francés del 68, Sydney Pollack llevó a cabo el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Mc Coy, y de esta forma poder hacer no solo una dura crítica a la sociedad de su país, en los convulsionados años de la guerra de Vietnam, sino también un ajuste de cuentas con el mundo del espectáculo (como también lo hace "Como Plaga De Langosta"), mostrando hasta qué punto de desesperación la gente puede dejarse humillar a cambio de fama y dinero, en este caso con la complicidad de los espectadores que acuden en masa para disfrutar de este grotesco show (algo similar a lo ocurrido en los últimos años con los programas de tv "Gran Hermano").
De esta forma todos seremos espectadores de las miserias humanas de una nación sumergida en una crisis tanto en lo existencial y como en lo socio económico.
Con un logrado clima claustrofóbico y opresivo, Pollack nos sumerge en el drama individual de cada personaje, sumándose cada historia a esta especie de tragedia colectiva. Logrando un filme coral de estupendas actuaciones como las de Gig Young (maestro de ceremonias), Jane Fonda, Michael Sarrazin , Bruce Dern y Susannah York.
Algo realmente que destaca en elfilme es el excelente trabajo de imagen que logró Pollack junto al director de fotografía Philip Lathrop, especialmente en las escenas en que la cámara se mueve ágilmente entre los concursantes.
El estreno del filme tuvo éxito mundial de público y crítica, recibiendo nueve candidaturas a los premios oscar, ganando Gig Young un merecido oscar por su papel como maestro de ceremonias . Jane Fonda y Susannah York serían también galardonadas con los premios NYFCC Award y BAFTA Film Award, respectivamente. "Baile de Ilusiones" (título con el que se estrenó en Argentina) confirma el talento de Pollack y el de una obra que perdura, sin lugar a dudas la más importante de su autor.


Reparto:
Jane Fonda, Michael Sarrazin, Susannah York, Gig Young,
Red Buttons, Bonnie Bedelia, Michael Conrad, Bruce Dern.

Dirección:
Sydney Pollack.

Novela:
Horace McCoy. (novel They Shoot Horses, Don't They?)

Guión:
James Poe and Robert E. Thompson


Fotografía:
Philip H. Lathrop.


Música:
Frank Eyton.




Selección de títulos: Jorge Russo (Netcinearte)
Colaboran: Cristian Bernard – Ricardo Watson

Copias originales restauradas en dvd o Blu Ray

Domingos de Octubre 2011

Centro Cultural Caras y Caretas

Venezuela 370

Entrada Libre y Gratuita


Programación:

El sexo en tiempos de la contracultura


Domingo 2


17:00 hs. Conocimiento Carnal (Carnal Knowledge)


Dirección: Mike Nichols

con: Jack Nicholson, Candice Bergen, Arthur Garfunkel, Ann Margret


Domingo 9.


17:00 hs Los Amantes de Venecia ( Blume In Love )


Dirección: Paul Mazursky

con: George Segall, Susan Anspach, Kriss Kristoferson

Marsha Mason, Shelley Winters.


El pasado revisionado desde los 70'


Domingo 16


17:00 hs. Baile de Ilusiones (They Shoot Horses Don´t They?)


Dirección: Sydney Pollack

con: Jane Fonda, Michael Sarrazin, Susannah York

Gig Young, Bruce Dern.


Domingo 30


17:00 hs. La Ultima Pelicula (The Last Picture Show)


Dirección: Peter Bogdanovich

con: Timothy Bottoms, Cybill Shepherd, Jeff Bridges

Ellen Burstyn, Cloris Leachman.





Blume In Love

Blume (George Segal) se da cuenta de lo enamorado que está de su esposa sólo cuando ella le plantee el divorcio tras una infidelidad. La patética e hilarante obsesión por recuperar su matrimonio da pie a una brillante comedia de Paul Mazursky, hoy injustamente olvidada. El director más europeo de los directores norteamericanos, devoto del cine arte del viejo continente y gran admirador de Fellini y Truffaut, vuelve a plantear aquí el derrotero de una clase media californiana desorientada tras la revolución cultural y los nuevos postulados sexuales. La Venecia de tarjeta postal que enmarca los flashbacks románticos de la pareja protagonista es un irónico guiño a las comedias rosas pero también la excusa para homenajear a su admirado Visconti y muy sutilmente al Hitchcok de "Vertigo". Cabe destacar las excelentes actuaciones de sus protagonistas George Segall y Susan Anspach, apoyados por una eficaz dirección de actores de Mazurzky como se puede contemplar en gran parte de su filmografía.

Mazursky y el sexo en la contracultura


Uno de los autores más influyentes en la renovacion de la comedia especialmente de la sex comedy fue Paul Mazursky quien (casi siempre como director, guionista, productor o actor) aporto una mirada irónica crítica a las relaciones entre hombres y mujeres urbanos norteamericanos representados en los de New York, por cierto la ciudad menos norteamericana del país. Con un estilo simple y directo, lo hace sin tapujos, no se pierde en disquisiciones filosóficas ni en especulaciones confusas, ni mucho menos en pirotecnia superflua. Lo suyo es hablar de la gente y los ambientes que conoce sin desviarse nunca...(...) Ya con su primer largometraje BOB CAROL TED Y ALICE rompió con los convencionalismos políticamente correctos de la sacrosanta institución del matrimonio.El filme hablaba de dos matrimonios de mediana edad que para estar "a la page" , experimentan con el intercambio de parejas en aras de la libertad sexual...(...) El filme representa un nuevo punto de partida para la comedia costumbrista surgida del New Hollywood, la que refleja la naciente nueva moral, como demostró su gran éxito de taquilla. Mazurski refleja las dudas pero también los efectos posibles de la aceptación sin problemas de un nuevo hedonismo en el hogar conyugal. (Angel Comas "Los Fabulosos años del New Hollywood")



Reparto:

George Segal , Susan Anspach, Kris Kristofferson,


Marsha Mason, Shelley Winters.



Dirección: Paul Mazursky



Fotografía: Bruce Surtees






El sexo en tiempos de la contracultura


















CONOCIMIENTO CARNAL

Si hubo un director que impulsó un cambio substancial sobre el absurdo postulado moralista que durante décadas limitó la libertad de expresión en Hollywood, éste fue Mike Nichols. Su excelente opera prima “¿Quién le teme a Virginia Woolf?” (1966) dinamitó el código Hays de autocensura que pesaba sobre la industria al escandalizar a un público estadounidense para nada acostumbrado a diálogos tan audaces y sinceros. Menos si éstos eran pronunciados por la pareja protagónica más cotizada de la década, Elizabeth Taylor y Richard Burton, en sí mismos sinónimo de escándalo.

Antes de esta primera incursión en el cine Nichols ya había dirigido exitosas comedias teatrales en Broadway y brillado como un gran director de actores. Su segundo gran filme, “El Graduado” (1967) fue otro éxito rotundo y un original estilo de comedia donde el sexo restaba lugar al romanticismo, dejando atrás a las ingenuas beach comedies y los filmes de Doris Day de los 50’s y comienzos de los 60’s.

Después de realizar la sátira belicista “Trampa 22” (1970) Nichols volvió a incursionar en las relaciones afectivas en “Conocimiento Carnal” (1971). La historia cuenta la vida de dos compañeros de la universidad a lo largo de 25 años, mostrando los contrastes entre las actitudes de cada uno frente a las mujeres. Entre las primeras incursiones por el sexo y la búsqueda de la mujer ideal, participamos de los encuentros y desencuentros amorosos de Jack Nicholson (más sexual) y Art Garfunkel (más espiritual) con un desfile de mujeres, y sus consecuencias a través de los años. La propuesta provenía del mordaz escritor e historietista Jules Feiffer, quien ridiculizaba así a los intelectuales o burgueses que vivían frívolamente para el sexo.

Citemos fragmentos de la crítica que en el momento de su estreno realizara Homero Alsina Thevenet:

“Las feministas de ahora suelen quejarse que el hombre y la sociedad contemporánea consideran solo a la mujer como un objeto sexual, así que podrán realizar media docena de congresos para analizar las variantes planteadas por el libretista Jules Feiffer y el director Mike Nichols en este filme.

No hay en él sustancia más importante que la relación hombre y mujer, tal como surge de la experiencia de los dos amigos Jonathan y Sandy, desde que comparten un cuarto en la universidad hasta años después, cuando rememoran lo que tuvieron y lo que dejaron de tener... (...) Entre esas mujeres y otras incidentales, el filme propone un adecuado inventario de la conducta erótica en el hombre norteamericano, quizás no tan completo como el que escribieron sabios investigadores de este siglo, pero sí tan amplio como para justificar el título y para encontrar eco inmediato en los hombres y mujeres de su público. Y aunque el resultado abunda en incidentes cómicos, también es dramático y crítico, con una percepción y una agudeza muy peculiares...(...)

El filme es una prueba realmente difícil, porque debe impedir la monotonía de sus diálogos encadenados, casi siempre entre dos únicos personajes. En esto Nichols es un maestro. Pone diálogos de fondo a los títulos iniciales, los llena de pausas y de miradas, los esfuma en puntos suspensivos. Los alterna por momentos con una imagen muda tan poética como esa patinadora sobre hielo o tan reflexiva como ese primer plano de Bobbie, que medita sobre sí misma para entender hasta donde ha llegado. Aun más notable es su manejo de interpretes...”.


http://youtu.be/sWVknWuUJHE

Reparto

Ciclo 70´s La década Salvaje

(ciclo realizado en Sept /Oct 2011 en el Centro Cultural Caras y Caretas)