Dedicamos este ciclo a Fabian Bielinsky
(que aprobó entusiasta, sugiriendo algunos títulos que veremos)
Los Años 70' "Una década que aún hoy desprende una fuerza asombrosa" ( Jurgen Muller, CINE DE LOS 70' ) …Esto ocurre sobre todo en el cine de EEUU ;que en esa década experimentó una renovación insólita e impensable en ese país: una época de libertades inesperadas que no pocos percibieron como revolucionarias…
(Poster Ezequiel Garcia)
SALVAJES 70 por Cristian Bernard Generalmente cuando se habla de cine de autor los teóricos y críticos especializados suelen referirse a los maestros europeos o a algunos pocos directores norteamericanos como Ford o Welles. Las salas de cine arte dedican ciclos enteros a la Nouvelle Vague, a Kurosawa, al western, al film noir, al cine de medio oriente y al cine de animación checo sin embargo muy pocos consideran al cine norteamericano de los 70. Recién en los últimos años han aparecido algunos libros sobre el tema , pero si uno habla con directores y con amantes del cine siempre las películas de los 70 suelen venir a la memoria y ser motivo de largas y apasionadas charlas. Tipos como Hal Ashby , John Boorman, Michael Cimino, William Friedkin, Peter Bogdanovich , Paul Mazurski, John Schlesinger puede que no tengan una obra tan extensa, pareja y coherente como las de Godard ,Truffaut y Resnais pero sin duda algunas de sus películas son verdaderas obras maestras. Es por eso que en este ciclo se ha intentado proyectar aquellas películas no tan conocidas por el común del público. Puede llamar la atención que no figuren Taxi Driver, El padrino, Manhattan o incluso Tiburón pero la realidad es que estos films se difunden constantemente en televisión y nadie duda de sus valores artísticos. En cambio muy pocos conocen Deliverance, Joe, Next stop Greenwich Village o They shoot horses, don´t they . Sin duda el cine de los 70 fue una suerte de big bang de talento y provocación. Esta explosión de imagenes subversivas, de ideas renovadoras, de finales escépticos crease o no provino de Hollywood. Películas como All that jazz, Perros de paja, La naranja mecánica o Network salieron de la factoría hollywoodense y fueron la prueba cabal de la valentía y el talento que muchos directores supieron tener en esa década. Muchas son las teorías sobre el por que de tanto riesgo y muchas son las hipótesis sobre por que los directores perdieron la batalla en manos del marketing y la industria del pochoclo. Cuando uno ve las películas de los 70 no puede dejar de preguntarse ¿que fue lo que paso? Este ciclo no pretende responder esa pregunta . De cualquier manera poder ver estas películas en pantalla grande es una suerte de viaje en el tiempo. Gracias a Metrovisiòn y Jorge Russo (con su pasión por el cine) , es que podremos viajar a los 70 y descubrir que hubo un tiempo pasado que fue mucho mejor. Al menos para el cine norteamericano.
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Saludos, muchachos!Que buena idea, un ciclo de los ´70!! La mejor época del cinenorteamericano, sin duda, y sin duda también, mi favorita. Felicitaciones por la selección, y por la iniciativa. Creo que va a ser muy educativo, sobre todo para los mas jovencitos, que a veces mesorprenden con su ignorancia de películas básicas para la formación decualquier pichon de cineasta (o de cinefilo).Me permito sugerirles algunas otras películas (algunas de las cuales seguramente ya tenían en cuenta)... Les mando un abrazo.
Fabián Bielinsky
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Ciclo: 70' la década salvaje
junio 2006
Easy Rider (1969) ( Busco mi Destino) de Dennis HopperJoe (1970) de John Avildsen Midnight Cowboy (1969) (Perdidos en la Noche) de John Schlesinger The French Connection (1971) (Contacto en Francia) de William Friedkin Straw Dogs (1971) (Los Perros de paja) de Sam Peckinpah Deliverance (1972) (La violencia está en nosotros) de John Boorman
Julio 2006
KLUTE (El pasado me condena) (1971)de Alan J. Pakula NETWORK (Poder que mata) (1976) de Sidney Lumet THE SCARECROW (Espantapajaros) (1970) de Jerry Schatzberg LENNY (1974) de Bob Fosse THE DAY OF THE LOCUST (Como Plaga de Langosta) (1975) de John Schlesinger THEY SHOT HORSES, DON'T THEY? (Baile de Ilusiones) (1969) de Sydney Pollack FIVE EASY PIECES ( Mi Vida Es Mi Vida) (1970) de Bob Rafelson CATCH 22 (Trampa 22) (1970) de Mike Nichols
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EASY RIDER (1969)
(Busco Mi Destino)
"Antes este era un país agradable. No se qué es lo que le habrá pasado" . Libertad. Y la imposibilidad de ser libre en un país donde la gente tiene miedo de romper sus ataduras.El abogado George le explica a Billy (lento de entender, porque siempre esta fumado) las razones por las que el propietario del motel les ha cerrado la puerta en las narices a él y a su amigo Wyatt. Por qué la dueña de un local de provincias no les sirvió y, en vez de eso fueron expulsados por el populacho y su sheriff. "Te tienen miedo, tienen miedo de lo que representas". Una vida informal, al margen de la sociedad, en la que sólo cuenta la existencia la propia individualidad. Easy Rider es uno de los filme de culto de los años sesenta, un estado de ánimo vital que fascina en el celuloide.Fue unánimemente acogida por la generación hippy, obteniendo un considerable éxito de taquilla y ganando como mejor ópera prima en el festival de Cannes en 1969. Con una historia mínima, se convirtió en una de las películas seminales de la generación post 1968 en hollywood, una de las primeras en plasmar en la pantalla la "sociedad alternativa". Dos jóvenes , tras ganar dinero con drogas, deciden llevar a la práctica una vieja ambición. Ir al Mardi Grass , comprando un par de motos, atravesando el país por carreteras vacías e interminables, desde Los Angeles a New Orleáns, a través de paisajes soberbios, se encuentran con un montón de inusuales personajes .Conocen a un particular abogado en una cárcel, visitan comunas hippies, consumen drogas ( como todo el mundo sabe también en la filmación, desde el reparto hasta los técnicos), hasta se embarcan en un viaje psicodélico con un par de putas en un cementerio… Y así avanza esta road movie, sobre la juventud, las drogas, el irse y el evadirse ( con una banda sonora que se convirtió en un éxito, canciones de The Byrds, The Band, Steppenwolf ) hacia su estremecedor descenlace. La producción costó solo 400.000 dolares. Lo curioso es que muchas situaciones del filme , según Fonda ,surgieron realmente durante el rodaje, como la visita a una comuna en México, el encuentro con el granero y su familia y también (casi como les ocurre a sus héroes en la ficción) fueron insultados y amenazados con escopeta, por campesinos blancos del sur. " Sabíamos que ya no puede haber héroes, pero aún así hemos intentado vivir como tales. Esa nostalgia está en la película tanto como su desilusión" (Peter Fonda).
Directed by Dennis Hopper Writing: Peter Fonda, Dennis Hopper ,Terry Southern Produced by :Peter Fonda , William Hayward Cinematography by: László Kovács Cast: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson, George Hanson, Karen Black, Bridget Fonda. Original Music by Roger McGuinn (song "Ballad of Easy Rider") Non-Original Music by Hoyt Axton (song "The Pusher") Mars Bonfire (song "Born To Be Wild") Bob Dylan (song "It's Alright Ma {I'm Only Bleeding}") Jimi Hendrix (song "If 6 Was 9") John Keene (song "Something in the Air") Robbie Robertson (song "The Weight") (as Jaime Robbie Robertson)
(Poster Ezequiel García)
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¨JOE ¨(1970) de John G. Avildsen
"En busqueda de America" por Ryan Cracknell
En 1970 Norteamerica estaba en estado de flujo constante. Elmovimiento hippie estaba haciendo ruido mientras la vieja guardiaconservadora se quejaba y recordaba añorosa los buenos viejos tiempos del autocine y el twist. El director John Avildsen encara este periodode transición, de cambios en los valores morales con Joe, una durareflexión sobre el pasado y una colisión con el presente.Intolerante y recalcitrante miembro de la clase trabajadora, Joe (interpretado por Peter Boyle), ciertamente tiene algunas ideas claras("el 32 porciento de todos los liberales son maricones!"), y en suhomónimo film de culto, él descubre que el padre millonario (Dennis Patrick) de una drogadicta (Susan Sarandon, en su debutcinematográfico) ha asesinado a su novio traficante.Joe captura el espíritu, miedos, odios y prejuicios de la época comoquizás ninguna otra película de esos años lo logra.
Joe" un filme injustamente olvidado, brillantemente contado, sin pretensiones de obra maestra. Fue en su época otra de las películas obligatorias de la contracultura, filmada al año de Easy Rider, y en paralelo con el suceso de HAIR en el teatro. Parienta en algunos aspectos de TAXI DRIVER , fue realizada seis años antes que la obramaestra de Scorsese. Viéndola hoy, representa un fresco de lo que se vivía en aquellos años en NY y un reflejo de lo que vino después en elpaís del norte. J Russo
Directed by :John G. Avildsen Writing:Norman Wexler Cast: Peter Boyle ,Dennis Patrick ,Audrey Caire ,Susan Sarandon Produced by David Gil ,Yoram Globus Original Music by :Bobby Scott Cinematography by :John G. Avildsen
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de John Schlesinger
Midnight Cowboy (1969)
"PERDIDOS EN LA NOCHE"
Joe Bucki un guapo e ingenuo Cowboy tejano, se traslada a Nueva York convencido de que con su físico y su aspecto de cowboy podrá vivir como un solicitadísimo gigoló. Entre todas las relaciones superficiales que mantiene sólo encuentra un sincero afecto en un vagabundo contrahecho llamado Ratso Rizzo.Viviendo en el lado miserable de la sociedad, estos dos marginados desarrollan un inverosimil lazo que les ayudará a superar todos los reveses que la vida les tiene preparados...
The dream is over
por Sebastián Russo
Dos seres. Dos almas. Dos cuerpos perdidos en una maraña de apatía, pavimento, máquinas, violencia. Cuerpos sufrientes que intentan abrirse paso en una megalópolis. Un avanzar errabundo que configura una ciudad, en tanto ámbito infernal, vital pero sanguinario, dador de sangre, desde sus arterias siempre pobladas, siempre fluyentes, pero de sangre maldita, infectada. Ámbito de degradación, de cuerpos derruidos, de cuerpos en erosión. Donde las relaciones humanas son el único refugio, aunque precario, inestable.
En ese enjambre siniestro, una pareja. Dos hombres, de masculinidad estoicamente sostenida. Donde uno de ellos (el vaquero iluso, tan vulnerable como arraigado en su ridícula pose de toro semental texano) aparece como símbolo de una ingenuidad -social- en dilución, en amargo despabile; y el otro, como símbolo -por oposición- del consumismo triunfante, de lo burgués reificado patológicamente (rengo, carterista, y con la cabeza puesta en Miami, y hotel de lujos varios) En tal aglomeración homogeneizante de seres ahuecados, el mirarse al espejo, verse duplicado, sublimado, actuando desde los movimientos prefigurados que hollywood dispersó (...are you talking to me?), puede ser la única forma de desalienarse, o re-alienarse a través del tópico propuesto, de ser star, de ser otro, otro distinto a ese ser atormentado, a ese ser perdido, desamparado entre las fuerzas de la noche, de la ciudad.
Midnight Cowboy, podría unirse fatalmente a Joe, y a Taxi driver, para conformar una tríada trágica que da cuenta de un sueño colectivo, una utopía que llega a su fin, la de los 60, para adentrarnos en los salvajes 70, de despiadado individualismo. Sus imágenes parecen clamar con cínica sorna: "esto es lo que les espera, estúpidos proto comunistas: soledad, desolación, intolerancia... un mundo rudo, árido, sórdido, donde cada uno cuida su pellejo, su fucking pellejo. El sueño terminó, malditos malolientes, malditos maricas: las calles son selva, los autos armas, el otro tu enemigo... the dream is over..."
" Perdidos en la Noche" fue una de las primeras películas de un gran estudio a la que le endilgaron la clasificación X que, en Estados Unidos, supone una serie de restricciones a la hora de su exhibición, a pesar de ello, esta inolvidable película consiguió varios Oscars® ( Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión) además de varias nominaciones por sus trabajos a Dustin Hoffman y Jon Voight Producción: Jerome Hellman, Kenneth Utt Dirección: John Schlesinger Guión: Waldo Salt Fotografía: Adam Holender Música: John Barry -canción "Everybody's talkin'" por Nilsson ( Harry Nilsson ) Reparto: Jon Voight, Dustin Hoffman, Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, JohnMcGiver
--------------------------------------------------------------------------------"CONTACTO EN FRANCIA" 
The French Connection
Dirigida por William Friedkin
"Veo a dos narcos en la mesa del rincón." Esta mera suposición hecha por el detective "Popeye" Doyle (Gene Hackman) a su colega "Cloudy" Russo (Roy Scheider) en un bar de Brooklyn basta para lanzar a ambos policías a una entramada red de averiguaciones, corazonadas e intuiciones que provocan dudas en sus superiores. Pero "Popeye" persiste en creer que está detrás de algo grande. Y esta convicción lo hace perseguir a Pierre Nicoli por todo Brooklyn, en una de las mejores escenas de la película, y una de las mayores persecuciones que haya dado jamás el cine. Con ella, el director William Friedkin quería superar la famosa persecución de "Bullit": quince años después filmó otra (en "Vivir y morir en Los Ángeles") con la que se quiso superar a sí mismo. Como en las novelas de Paul Auster ó en los films de Woody Allen, la ciudad de Nueva York es una constante protagonista en "The French connection": Hackman se convierte en la sombra de Fernando Rey, y los subtes se transforman en trenes, los peatones en conductores, los perseguidores en perseguidos, entrecruzándose en bares, callejones, puentes, estaciones, hoteles, azoteas. Friedkin y el Director de Fotografía Owen Roizman cargan la cámara al hombro y la llevan a la calle, casi sin utilizar luz (Darius Khondji citó este trabajo como inspiración al iluminar "Pecados capitales" en 1995, por su "calidad realista, casi documental") y convierten la estética, el ritmo y la narración de "Contacto en Francia" en fuente de inspiración de todas las películas de acción que salieron de Hollywood posteriormente: desde "48 horas" hasta la saga de "Arma mortal", "Ronin" o inclusive "Spiderman". Los protagonistas estaban en su apogeo: para Hackman significó el lanzamiento de su carrera y luego de este trabajo se lo vería en "La aventura del Poseidón" y en "La conversación", de Coppola; Roy Scheider venía de participar en "Klute" y protagonizaría "Tiburón" (Steven Spielberg, 1975) y "All that jazz" (Bob Fosse, 1979), y Fernando Rey sería -al año siguiente- uno de los comensales de "El discreto encanto de la burguesía", de Buñuel. La película se llevó 5 Oscars de 1971 y dos años después el ecléctico Friedkin volvió a inspirar a generaciones con "El exorcista". Vale la pena mencionar también que "Contacto en Francia" posiblemente tenga el final más enigmático y misterioso de todos los films que componen este ciclo. Ezequiel García
Director:William Friedkin Actores:Gene Hackman,Fernando Rey, Roy Scheider,Tony Lo Bianco,Marcel Bozzuffi ,Frédéric de Pasquale. Productor:Philip D'Antoni Guión:Robin Moore ,Ernest Tidyman Fotografía:Owen Roizman Música:Don Ellis
Premios: 1972 Ganadora Oscar Academy Awards, USA Best Actor in a Leading Role Gene Hackman 1972 Ganadora Oscar Academy Awards, USA Best Director William Friedkin 1972 Ganadora Oscar Academy Awards, USA Best Film Editing Gerald B. Greenberg 1972 Ganadora Oscar Academy Awards, USA Best Picture Philip D'Antoni 1972 Ganadora Oscar Academy Awards, USA Best Writing, Screenplay Based on Material from Another Medium Ernest Tidyman 1972 Nominada Oscar Academy Awards, USA Best Actor in a Supporting Role Roy Scheider 1972 Nominada Oscar Academy Awards, USA Best Cinematography Owen Roizman 1972 Nominada Oscar Academy Awards, USA Best Sound Christopher Newman y Theodore Soderberg 1973 Ganadora BAFTA Film Award British Academy Awards Best Actor Gene Hackman 1973 Ganadora BAFTA Film Award British Academy Awards Best Film Editing Gerald B. Greenberg 1972 Ganadora David David di Donatello Awards Best Foreign Film Philip D'Antoni
(Poster Ezequiel Garcia)
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de Sam Peckinpah
Straw Dogs (1971)
"PERROS DE PAJA"
Thriller sobre la violencia y su incidencia como condicionador del comportamiento humano, empleando Sam Peckinpah, maestro en la utilización de los actos virulentos como forma de explotación psicológica o descripción contextual, una víctima vulnerable en su afán definidor sobre el trastoque de actitudes con fines de supervivencia. Es justificable el uso de la violencia en determinados momentos?, ¿el hombre sometido a una constante persecución tiene legitimidad para defenderse agresivamente?. ( Aloha Criticon) Sam Peckinpah, tras la frustrante controversia con los estudios (severamente mutilada), en el corte final de su obra maestra " La Pandilla Salvaje", tuvo la excelente ocasión de rodar en Europa de manera independiente y con total libertad "Los Perros De Paja", realizando su filme más violento y controvertido de su filmografía (en el momento de su estreno causó gran indignación por la crudeza de sus escenas, acusándola de fomentadora de violencia, pero en definitiva lo que hace Peckinpah es usarla como denuncia ). Sin duda es una película altamente provocativa e incómoda que tambièn expresa, como en los westerns de este director, la misma actitud profundamente pesimista ante la civilización. Intensa película de enfermiza atmósfera, muy controvertida por su excesiva violencia y significativa del mejor hacer de su destacado autor, que aquí adaptó con éxito el libro de Gordon M. Williams "The Siege of Trencher's Farm". Sinopsis: El joven y apocado matemático David Summer (D.Hoffman) se ha establecido con su mujer Amy (S.George) en una vieja granja de su pueblo natal Cornualles (Inglaterra), buscando paz y tranquilidad para su trabajo. En el pueblo acogen a los forasteros con desconfianza. Unos hombres contratados para reparar el tejado de la casa les demostraran de forma cada vez más insolente su desprecio. David convencido de su superioridad intelectual, intenta ignorarlo, al igual que la insatisfacción de su mujer, sensual y lasciva, que se aburre sintiéndose acosada por los trabajadores. Sin embargo, esto todavía agudiza más las tensiones, hasta que finalmente la situación se hace insostenible. (fragmentos de críticas de Jurgen Muller y Joshua Klein) Dirigida porSam Peckinpah guión Gordon Williams (novel)David Zelag Goodman Música original Jerry Fielding Fotografía John Coquillon Cast Dustin Hoffman David Sumner Susan George Amy Sumner Peter Vaughan Tom Hedden T.P. McKenna
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"En eso consiste el juego: en sobrevivir"
Directed by John Boorman
Deliverance
"LA VIOLENCIA ESTÁ EN NOSOTROS"(1972)
Tres nominaciones Oscar 1973, mejor pelicula, mejor montaje, mejor director.
Si algún día desapareciera la civilización occidental y siglos mas tarde un grupo de arqueólogos desenterrara "La naranja mecánica", "Perros de paja" y "Deliverance", se podría decir que solo con estas tres películas bastaría para tener una prueba cabal de como fue el hombre y la sociedad durante el siglo XX. Además de la misma edad (nacieron por las misma fechas: 1971/72), las tres películas comparten temas en común. La alienación del hombre urbano, el placer por la violencia de la especie humana, un gran escepticismo en sus finales. Sin embargo, de las tres, "Deliverance" es las más desconocida y también la más poderosa. Despojada de todo manierismo, cruda, sencilla y brutalmente profunda, "Deliverance" es un film que puede verse hasta el cansancio. Como toda gran película, funciona a varios niveles. Por un lado es un fabula sobre la pequeñez del hombre frente a la brutalidad de la naturaleza; por otro un thriller que plantea un dilema moral; por último, para algunos, también encierra una suerte de metáfora sobre la intervención del ejercito norteamericano en Vietnam y sus consecuencias, a medida que los protagonistas masculinos se introducen en un territorio foráneo y se enfrentan a poderosas fuerzas que no pueden controlar. Basada en una novela de James Dickey, "Deliverance" es aterradora desde los primeros hasta los últimos minutos. La tragedia se intuye en la primer escena, en un duelo de banjos que funciona como presagio del desastre que está por venir. A partir de ahí veremos a cuatro modernos hombrecitos en una odisea hacia los tiempos de las cavernas. Cabe señalar que "Deliverance" posee tres secuencias que están entre lo mejor de la historia del cine. Además de esto, en lo formal es una verdadera obra maestra. Valiéndose de sus orígenes como documentalista, John Boorman nos interna en un territorio hostil donde la sordidez y la belleza se funden y confunden. "Deliverance" es un film violento pero la violencia no solo es física sino también emocional. Cada uno de sus personajes es una bomba de tiempo. El choque del río con cada uno de ellos puede ser fatal. Stanley Kubrick, un gran admirador de Boorman, consideraba a Deliverance una gran película. Sus imágenes pueden ser virulentas pero generan pensamiento, dudas, reflexión y hasta repulsión. Pensemos en el Hollywood actual y en su película más polémica: una charla sobre ella apenas dura un café. Con este título, John Boorman llegó al pico mas alto de una carrera que cuenta con otras obras maestras como Hell in the Pacific, Point Blank y Excalibur. Cristian Bernard.
"Reconozco mi fascinación por la película Deliverance, de John Boorman, en donde se produce también este fenómeno de extraer al protagonista de su ámbito natural para dejarlo más expuesto y desnudo, aislado, solo consigo mismo, de tal manera que el único mundo con el que él puede relacionarse de un modo natural es hacia adentro y no hacia fuera." Bielinsky vio Deliverance cuando se estrenó por acá a principios de los '70 como La violencia está en nosotros; "entonces tenía unos catorce años y enloquecí completamente"." Es una de mis películas preferidas, una obra maestra". (Fabian Bielinsky- Reportaje Pagina 12 -sept. 2005) Directed by John Boorman Writing credits James Dickey (novel) (screenplay) Cinematography by Vilmos Zsigmond (director of photography) Film Editing by Tom Priestley "Dueling Banjos" arranged and played by Eric Weissberg with Steve Mandel" Cast Jon Voight Burt Reynolds Ned Beatty Ronny Cox
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Klute (1971)
(EL PASADO ME CONDENA)
Directed by Alan J. Pakula
Los setenta pueden considerarse una década prodigiosa y la última estrictamente "adulta" del cine norteamericano. Sus obras más fascinantes extrajeron la magia de la contemplación de ese momento único en que llegaba a su fin el mayor fasto y esplendor de su historia. La derrota de Vietnam y el caso Watergate arrastraron a todo el país al caos, la desconfianza, la desilusión y la paranoia, y mientras el sueño se convertía en pesadilla, el cine industrial fue la disciplina que mejor supo captar esa sensación de decadencia generalizada, estancamiento anímico y pesimismo. Con "Klute", Alan Pakula instalaba en las pantallas el thriller paranoico, que a lo largo de la década tendría momentos de gloria en películas como "La conversación" (Coppola), "Los tres días del condor" (Pollack) o "Todos los hombres del presidente" (también de Pakula). Donald Sutherland interpretaba al detective privado del título, puesto a investigar la desaparición en Nueva York de un honrado padre de familia de Pensilvania. La puesta en escena no conservaba nada del pasado mítico de la ciudad, que era fotografiada por el gran Gordon Willis como una urbe dura, fría, grande, insensible y peligrosa. Una pista conduce al encuentro de Klute con Bree (Jane Fonda), una "call girl" cada vez más consciente de que uno de sus clientes desea algo más que tener un orgasmo por teléfono. Pakula logró crear un escenario de peligro permanente y una atmósfera extraordinariamente opresiva, con el espectador colocado siempre en una posición de voyeur, invasiva y hostil: el mismo ángulo visual del psicópata asesino que perseguía a Bree. Jane Fonda, miembro de la realeza de Hollywood por parte de su padre y de la alta sociedad neoyorquina por parte de su madre, fue modelo ingenua y tapa de varias revistas de moda antes de escaparse a Europa y casarse con Roger Vadim, que hizo de ella un sex symbol en "Barbarella" (1968). Al año siguiente recibió su primera nominación al Oscar por "Baile de Ilusiones" (They shoot horses, don't they?), una desesperada crónica de la era de la depresión. Lo obtuvo en 1971 por "Klute". Su habilidad para elegir papeles que abrazaban el feminismo y la política hicieron de ella la mejor actriz norteamericana de su generación, pese a que aprovechó su fama para comprometerse en la lucha contra el intervencionismo norteamericano en Vietnam, y esta militancia, como los viajes que realizara a Hanoi, la mantuvieron alejada de los sets. "Casa de Muñecas" (1973), "Julia" (1977), "Regreso sin gloria" (1978, su segundo Oscar, que veremos dentro de este ciclo) y "Síndrome de China" (1979) son algunos de los mejores títulos de esta extraordinaria actriz que decidió cancelar su carrera en aras del aerobic, un matrimonio con Ted Turner y otras yerbas. Ricardo Watson
Productor:Alan J. PakulaGuión:Andy LewisDave LewisFotografía: Gordon WillisMúsica:Michael Small
Actores:Jane FondaDonald SutherlandCharles CioffiRoy ScheiderDorothy TristanRita Gam
1972 Ganadora Oscar Academy Awards, USA Best Actress in a Leading Role Jane Fonda
1972
Nominada
Oscar
Academy Awards, USA
Best Writing, Story and Screenplay Based on Factual Material or Material Not Previously Published or Produced
Andy Lewis y David P. Lewis
1972 Ganadora Golden Globe Golden Globes, USA Best Motion Picture Actress - Drama Jane Fonda
1972 Ganadora NSFC Award National Society of Film Critics Awards, USA Best Actress Jane Fonda
1971 Ganadora NYFCC Award New York Film Critics Circle Awards
Best Actress Jane Fonda
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Network (1976)
PODER QUE MATA
"¡Están empezando a creerse las ilusiones que les mostramos –le enrostra Howard a sus espectadores-; están empezando a creer que la TV es la realidad y sus vidas son las irreales! ¿Por qué si no hacen cualquier cosa que les diga?: se visten como en la TV, comen como en la TV, crían a sus hijos como en la TV! ¡Son una multitud de locos, una masa de dementes! Por el amor de Dios, Ustedes, la gente, son los reales. Nosotros somos la ilusión" (Howard Beale) Ni siquiera el "profeta loco" encarnado por Peter Finch, pudo haber previsto que 30 años después de su estreno, "Network" iba a conservar incólume (incluso acrecentar) su feroz denuncia sobre el mundo de la televisión. Deslumbrante sátira sobre la manipulación, el conformismo y la tiranía del rating. La genialidad del guión de Paddy Chayefsky radica en que lo que empieza como un tranquilo drama (un borracho a punto de perder su trabajo en un canal de noticias) termina por transformarse en un espectáculo enloquecedor y desbocado, y a la vez una advertencia premonitoria y desafiante. A Howard Beale (Peter Finch), presentador de una importante cadena de noticias, se le ha pasado el cuarto de hora. Antes de despedirlo, su jefe (William Holden) le organiza una despedida televisiva. Howard anuncia ante las cámaras que se ha quedado "sin tonterías para decir", y el bajo rating no le deja otra salida que el suicidio. Lo hará en vivo y en directo, y allí mismo fija una fecha. La audiencia se dispara y una de las programadoras del canal (Faye Dunaway) lo piensa dos veces y vuelve a poner a Howard en el aire, pero esta vez convertido en el "profeta loco" de su muerte anunciada. A nadie le importa lo que Howard diga o haga por televisión, mientras las cifras del rating sigan subiendo y subiendo. Pero gradualmente irá cambiando el tono de su discurso, y se verán amenazados los intereses privados de la industria. Sydney Lumet impuso un formidable debate de alcance nacional sobre la persecución y manipulación implacable del espectador que está pendiente del hecho televisivo. Contó con un fantástico reparto, que dio vida a una galería de personajes decepcionados, deshumanizados y enloquecidos por la imagen y los índices de crecimiento. Como señalara el crítico español Eduardo de Muro, "Faye Dunaway, vitalista y convencida que estaba ante el papel de su vida; Peter Finch (primera y última vez que el Oscar principal fue concedido a un muerto), glorioso en su misión de mesías para un pueblo fácilmente manejable; y William Holden, que lleva sobre su rostro la profunda decepción que le está produciendo el espectáculo de una forma de vivir –el "american way of life"- vacía de contenido y profundamente perturbadora". Ricardo Watson.
GANADORA DE LOS OSCARS MEJOR ACTOR PETER FINCH MEJOR ACTRIZ FAYE DUNAWAY MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA BEATRICE STRAIGHT MEJOR GUION PADDY CHAYEVSKY
Dirigida por Sidney Lumet Créditos del guión Paddy Chayefsky (written by) Cast (in credits order)verified as complete Faye Dunaway .... Diana Christensen William Holden .... Max Schumacher Peter Finch .... Howard Beale Robert Duvall .... Frank Hackett Wesley Addy .... Nelson Chaney Ned Beatty .... Arthur Jensen Música original por Elliot Lawrence Fotografía por Owen Roizman
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Directed byJerry Schatzberg
En 1971, el realizador Jerry Schatzberg (prestigioso profesional de la fotografía con trabajos en 'Vogue' y 'McCall's') debutaba con un filme que daría que hablar por su audacia, al tocar un tema tan incómodo como el de las drogas en la era pos- Woodstock, "Pánico en el Parque" (Panic in Needle Park), también sería el lanzamiento de Al Pacino al estrellato. Luego, en 1973, sorprendió con "Espantapájaros" (Scarecrow), otro filme muy particular, que se llevó (compartida) la gran Palma de Oro del Festival De Cannes. Un filme chiquito, especie de road movie, en la que Schatzberg afirma nuevamente la constante de su cine, quizás la estructura medular de su obra: la obsesión por la soledad, la constatación de lo insufrible e insoportable que resulta vivir en solitario, la necesidad de recurrir a un tipo de relación humana, aunque sea ínfima, para poder sobrevivir. Lo mismo ocurría en otro de sus filmes, " Confesiones de una Modelo". Las películas protagonizadas por una dupla masculina fueron una moda de esos años, iniciada por Fonda y Hooper en "Busco mi destino". También Voight y Hoffman deambulando por Nueva York en "Midnight Cowboy", y unos pocos años después los Newman y Redford de Butch Cassidy o El Golpe. Se puede decir que "Espantapájaros" sigue siendo una rareza, y que pese a contar con dos excelentes actores como Gene Hackman y Al Pacino, fue olvidada con el paso de los años. Viéndola hoy no se pueden dejar de admirar las actuaciones de estos dos monstruos del Hollywood de los 70', que atravesando todo el país lograban emocionar en medio de algunas situaciones hilarantes. Es destacable el extraordinario marco que aporta la fotografía del gran Vilmos Zsigmond, y la cuidada realización de Schatzberg. Sinopsis: Mark, un presidiario recién salido de la cárcel, maduro, camorrista y pendenciero, encuentra en la ruta, mientras hace "dedo", a Lionel, un vagabundo sin destino, mucho más joven que él, al que ofrece la posibilidad de unirse como socio en el negocio de lavado de automóviles, y con el que aspira a poner fin a su carrera de habitante perpetuo de todo tipo de prisiones. Lionel acepta y, a partir de ese momento, ambos inician su particular periplo viajando sin dinero como autostopistas o como "polizones" en furgones de carga de los trenes, etc. Al encontrarse Mark con su hermana Coley conocerá a una atractiva amiga de ésta. En un bar de ruta vivirán una pelea (en una desopilante escena) terminando por poco tiempo en una prisión . Retornan al camino en busca de Annie la ex novia de Lionel (de la que "huyó" tras dejarla embarazada) ilusionado en conocer a un hijo del que no conoce nombre ni sexo...
DIRECTOR Jerry Schatzberg GUIÓN Garry Michael White MUSICA Fred Myrow FOTOGRAFÍA Vilmos Zsigmond
REPARTO Gene Hackman.... Max Millan Al Pacino.... Francis Lionel 'Lion' Delbuchi Dorothy Tristan.... Coley Ann Wedgeworth.... Frenchy Richard Lynch.... Jack Riley Eileen Brennan.... Darlene
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Lenny (1974)
Directed byBob Fosse
El universo Fosse
Bob Fosse filmó solo cinco películas. Al ver una o dos de ellas, se convierte instantáneamente en uno de tus directorespreferidos. “Lenny” es la que filmó entre “Cabaret” y “All that jazz”, y con eso está todo dicho.En estas líneas estaría demás aclarar quien fue Lenny Bruce; para eso está este film, y la historia misma.
En 1980, para el disco “Shot of love”, Bob Dylan escribió: (...) Lenny Bruce, como los que lo mataron, se ha ido.Decían que estaba enfermo porque no jugaba de acuerdo a las reglas. Les mostró a los hombres astutos de su tiempo que sólo eran tontos.Lo estamparon y etiquetaron como lo hacen con las camisas y los pantalones.Libró una batalla en un terreno donde cada victoria duele. En el sobrio comienzo de “Lenny”, donde los títulos aparecen sobre fondo negro, Fosse incorpora el eje fundamental sobre el que va a girar la historia: la voz y los textos de Lenny Bruce, interpretado por Dustin Hoffman, quizás el actor paradigmático de los primeros 70s estadounidenses (como lo demuestra la fabulosa seguidilla de protagónicos: “El graduado” / “Perdidos en la noche” / “Pequeño gran hombre” / “Perros de paja” / “Papillon” / “Lenny” / “Todos los hombres del presidente” / “Maratón de la muerte”).
El relato parte, como “Citizen Kane”, del recuerdo de quienes compartieron la vida con Lenny Bruce. Pero Fosse aplica una teatralidad, basada seguramente en sus numerosas y prestigiosas puestas para Broadway, que no desentona con el discurso cinematográfico: al contrario, lo dispara mucho más allá del mero retrato biográfico. Es notable como él y su DF Bruce Surtees enmarcan -en un soberbio blanco y negro- la inmensa galería de personajes que asisten a los clubs nocturnos, restaurantes y bares donde se presenta Lenny. Recuerda a ciertos acercamientos de cámara de John Cassavetes, ó incluso a algunas de las maravillosas fotografías de Robert Frank incluidas en “The americans”. Y la puesta (la apuesta) es aquí fundamental: como posteriormente haría Scorsese en “Toro salvaje” (1980), cuando filmaba a De Niro dentro del ring mismo, excepto en los combates perdidos (registrados desde abajo), la única oportunidad en que Fosse no está con Lenny sobre el escenario (o cercano a él) es en el peor monólogo, cuando Bruce está tan “puesto” que casi no logra hablar: allí lo registra desde bien lejos, con la cámara estática en un único plano, sin que podamos siquiera notar sus gestos. Dos detalles obvios que sirven para seguir sumergiéndose en el “universo Fosse”: el alterado montaje de “Lenny” llegaría a su perfección en “All that jazz”. Y en ambos films el plano final es el mismo. Ezequiel García 2006
Director:Bob Fosse
Actores:Dustin Hoffman,Valerie Perrine,Jan Miner,Stanley Man,Rashel Novikoff,Gary Morton.
Productor:Marvin Worth
Guión:Julian Barry
Fotografía:Bruce Surtees
Música:Ralph Burns
Premios: 
1975 Nominado Oscar
Best Actor in a Leading Role
Dustin Hoffman
1975
Nominada Oscar
Best Actress in a Leading Role
Valerie Perrine
1975
Nominado Oscar
Best Cinematography
Bruce Surtees
1975
NominadaOscar
Best Director
Bob Fosse
1975
NominadaOscar
Best Picture
Marvin Worth
1975
Nominada
Oscar
Best Writing, Screenplay Adapted From Other Material
Julian Barry
1976
Ganadora
BAFTA Film Award
British Academy Awards
Best Newcomer
Valerie Perrine
1975
Ganadora
Best Actress
Cannes Film Festival
Best Movie
Valerie Perrine
1975
Nominada
Golden Palm
Cannes Film Festival
Best Movie
Bob Fosse
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The Day of the Locust (1975) (Como Plaga De Langosta)
Dirigida por John Schlesinger
En 1975, el director británico John Schlesinger decidió llevar al cine la última novela de Nathanel West, publicada unos meses antes de su muerte en 1940. La fama, el prestigio y los premios conseguidos con sus últimas cinco películas (como Billy Liar, Darling , Far from the Madding Crowd , Midnight Cowboy y Sunday Bloody Sunday dirigidas entre 1963 y 1971) lo habían colocado en una posición privilegiada. Solo entonces, secundado por el guionista Waldo Salt (el mismo de "Perdidos en la noche"), decidió sumergirse en las oscuridades del "sueño americano" y explorar la decadencia del Hollywood glamoroso de finales de los años 30. Con una producción costosa y un importante elenco, se lanzó a rodar el que sería uno de sus mejores filmes y de las mejores radiografías crepusculares que se hayan hecho sobre Hollywood y el éxito fácil. Lo que realmente le interesaba a Schlesinger era mostrar el otro lado de esa ciudad de triunfadores: los que esperan, los que pierden, los que se aferran a los sueños caídos... es decir, las langostas del título, que pacientemente esperan a que llegue su día. Y detrás de ellos los mitos, los símbolos y los desgarramientos de una zona del mundo donde vivir equivalía a transfigurarse en un pedazo de celuloide. Hasta que un día, las langostas despiertan de su sueño individual, se agrupan en un enjambre y devoran todo a su paso. En la novela de West, Hollywood es una metáfora de los Estados Unidos, y el "pueblo elegido" por Dios, se derrumba moralmente en un desenlace planteado en términos apocalípticos. Schlesinger dirige su profunda mirada a una memorable galería de personajes. En palabras del crítico Roger Ebert, "en líneas generales gente común y corriente, pero con un atributo tan fuera de proporción, que al fin toda su personalidad se ve perturbada. Lo tenemos a Homero Simpson ( Donald Sutherland), sexualmente reprimido al punto de la parálisis; a Faye (Karen Black), tan encandilada por la idea del amor que proyecta la pantalla que no puede comprender la noción de amor en la vida real; a Harry ( Burgess Meredith), el padre de Faye, un actor olvidado devenido vendedor ambulante, que se autoparodia en un triste acto de vodevil. Y finalmente Tom (William Atherton), el narrador de la historia, cuya "normalidad" y civilidad están muy fuera de lugar en un mundo que se dirige a la anarquía. Gran director de actores (sus intérpretes recibieron habitualmente premios), Schlesinger obtuvo magníficas actuaciones de todo su elenco. Donald Sutherland compuso a un personaje pasivo, patético e inolvidable. Karen Black, justo antes de componer a la última "rubia" hitchcockiana, dio vida a una ilusa y manipuladora aspirante a estrella. Burgess Meredith se aseguró una nominación al Oscar como actor de reparto y -aunque fugaz-, la figura de Geraldine Page no pasó desapercibida. Mención aparte merece William Castle, director de cuantiosos films de serie B, aquí interpretándose a si mismo. Otro de los grandes logros de "Como Plaga De Langosta" se debe al exquisito tratamiento de su imagen, que más allá del arte, vestuario y decorados, se debe a la espléndida fotografía del gran Conrad Hall (ganador del oscar por " Butch Cassidy" y "Belleza Americana" , el mismo de "A sangre fría", "La leyenda del indomable", "Infierno en el Pacífico" y "Camino a la perdición" entre otras) en uno de los trabajos más importantes de su carrera. En el momento de su estreno, la película fue un importante fracaso de taquilla. Maldito Hollywood… ¡nunca la fábrica de sueños miró con buenos ojos a quienes la criticaron! R.Watson Dirigida por John Schlesinger Créditos del guión Nathanael West (novel) Waldo Salt (screenplay) Fotografía por Conrad L. Hall (as Conrad Hall) Cast overview, first billed only: Donald Sutherland .... Homer Simpson Karen Black .... Faye Greener Burgess Meredith .... Harry Greener William Atherton .... Tod Hackett Geraldine Page .... Big Sister William Castle .... Director (as William C. Castle) Dick Powell Jr. .... Dick Powell Bo Hopkins .... Earle Shoop -----------------------------------------------------------------------------------------
They Shoot Horses, Don't They? (1969) (Baile De Ilusiones)
Directed by Sydney Pollack
El novelista de serie negra Horace McCoy, escribió a mediados de los años 30 su obra más reconocida, They Shoot Horses, Don't They? (Acaso no matan a los caballos?), sobre uno de los episodios más oscuros de la historia de los Estados Unidos: la Gran Depresión de los años 30. El libro recibió muy buena acogida por la crítica, entre ellas las de Jean Paul Sartre y Simone de Beauvoir que la consideraron como una obra maestra del existencialismo en Norteamérica. Año 1932. La soleada California recibe cantidades de personas de todos los rincones del país, con la intención de obtener algún trabajo y superar las difíciles condiciones de vida. Muchos de ellos se entregarán a un martirio difícil de creer; por varios platos de comida caliente durante el día y con la intención de ganar 1500 dólares, se inscriben por parejas en una maratón de baile donde, se ven obligados a bailar y correr durante días y días, con breves períodos de descanso. Los que van cayendo deberán, como caballos en carrera, abandonar la pista. La última pareja que resista se llevará el premio. Casi simultáneamente con el mayo francés del 68, Sydney Pollack llevó a cabo el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Mc Coy, y de esta forma poder hacer no solo una dura crítica a la sociedad de su país, en los convulsionados años de la guerra de Vietnam, sino también un ajuste de cuentas con el mundo del espectáculo (como también lo hace "Como Plaga De Langosta"), mostrando hasta qué punto de desesperación la gente puede dejarse humillar a cambio de fama y dinero, en este caso con la complicidad de los espectadores que acuden en masa para disfrutar de este grotesco show (algo similar a lo ocurrido en los últimos años con los programas de tv "Gran Hermano"). De esta forma todos seremos espectadores de las miserias humanas de una nación sumergida en una crisis tanto en lo existencial y como en lo socio económico. Con un logrado clima claustrofóbico y opresivo, Pollack nos sumerge en el drama individual de cada personaje, sumándose cada historia a esta especie de tragedia colectiva. Logrando un filme coral de estupendas actuaciones como las de Gig Young (maestro de ceremonias), Jane Fonda, Michael Sarrazin , Bruce Dern y Susannah York. Algo realmente que destaca en el filme es el excelente trabajo de imagen que logró Pollack junto al director de fotografía Philip Lathrop, especialmente en las escenas en que la cámara se mueve ágilmente entre los concursantes. El estreno del filme tuvo éxito mundial de público y crítica, recibiendo nueve candidaturas a los premios oscar, ganando Gig Young un merecido oscar por su papel como maestro de ceremonias . Jane Fonda y Susannah York serían también galardonadas con los premios NYFCC Award y BAFTA Film Award, respectivamente. "Baile de Ilusiones" (título con el que se estrenó en Argentina) confirma el talento de Pollack y el de una obra que perdura, sin lugar a dudas la más importante de su autor.
Directed by Sydney Pollack Writing credits Horace McCoy (novel They Shoot Horses, Don't They?) James Poe and Robert E. Thompson Cinematography by Philip H. Lathrop Non-Original Music by Frank Eyton (song "Body and Soul") Jay Gorney (song "Brother, Can You Spare a Dime?") Johnny Green (songs, "Out of Nowhere", "Coquette", "Easy Come, Easy Go", "Body and Soul") Cast (in credits order) Jane Fonda .... Gloria Beatty Michael Sarrazin .... Robert Syverton Susannah York .... Alice Gig Young .... Rocky Red Buttons .... Sailor Bonnie Bedelia .... Ruby Michael Conrad .... Rollo Bruce Dern .... James ----------------------------------------------------------------------------------
Five Easy Pieces (1970)
( Mi vida es mi vida) 
Dirigida por Bob Rafelson
Bobby Duprea no miente y no se miente. Su personaje es fiel a sí mismo y Rafaelson lo demuestra como nadie hasta el último fotograma de la película. A diferencia de casi todo el cine de esa década, su protagonista no muere, no se inmola, ni es asesinado, sino que esta vez se sale con la suya. A mi entender, es uno de los pocos "finales felices" de la década, pero no por esto deja de ser melancólico y desolador. Porque la libertad tiene un precio y seguramente Bobby Duprea la ira a pagar cuando ya no lo veamos, en ese momento en que el proyector se apaga y los personajes se diluyen de nuestras retinas para seguir buscando sus destinos.
Cabe aclarar que Bob Rafaelson, junto a Bert Schneider, fueron los fundadores de la BBS, usina creadora del mejor cine de los setenta. Gracias a sus dotes como productores, nacieron obras como "Busco mi destino", "Five Easy Pieces", "La última película" y el documental ganador del Oscar "Hearts and Minds".
Cristian Bernard
Créditos del guión (in alphabetical order) Carole Eastman also story (as Adrien Joyce) Bob Rafelson story
Cast (in credits order)
Non-Original Music by Tammy Wynette (song "Stand By Your Man") (as T. Wynette) Johann Sebastian Bach Frédéric Chopin Wolfgang Amadeus Mozart
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Catch-22 (1970)
TRAMPA 22
Dirigida por Mike Nichols
En 1961, el novelista estadounidense Joseph Heller escribió el que sería el libro de cabecera de los movimientos pacifistas de la década del sesenta: "Trampa 22". Una novela antibelicista que constituye un modelo de humor negro y absurdo dentro de la literatura estadounidense. Heller realizó sesenta misiones aéreas en Europa piloteando un bombardero B-25 entre 1943 y 1944. Estas experiencias le proporcionaron el material para su personaje del aviador Yossarian, héroe (antihéroe, tal vez) de esta feroz sátira antimilitarista. La historia se desarrolla durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, y se centra en una escuadrilla de bombarderos estadounidense. El coronel Cathcart, jefe de la escuadrilla, quiere ser ascendido a general. Y no encuentra mejor manera que enviar a sus hombres a realizar las misiones más peligrosas. Con una lógica siniestra, Yossarian, un piloto subordinado de Cathcart que intenta ser eximido del servicio alegando enfermedad mental, recibe por respuesta que sólo los locos aceptan misiones aéreas y que su disgusto demuestra que está sano y que, por tanto, es apto para volar.
En 1970, luego del suceso de ¿Quién Teme a Virginia Wolf? (1967) y El Graduado (1968) (ambas oscarizadas), Mike Nichols dirigió de forma extraordinaria la adaptación cinematográfica de la novela de culto de Heller, que por el estilo en el que está escrito, parecía imposible de llevar al cine. Fue posible gracias a la colaboración del actor y guionista Buck Henry, que pudo trasladar los complicados diálogos de Heller donde se pone de manifiesto su preocupación por los malentendidos y el desgaste de las palabras. Su empeño desde que escribió "Trampa 22" fue demostrar que el discurso público (militar, diplomático, filosófico, religioso o político) es decepcionante y poco fiable.
El estreno del filme se produciría tras la exitosa sátira antibelicista "Mash", durante los últimos años de la guerra en Vietnam. Tanto el tono satírico general del filme, como el clima surreal de algunas secuencias (los delírios oníricos del protagonista en su agonia) y otras francamente desopilantes, convirtieron a "Trampa 22" en uno de los filmes más interesantes sobre la guerra gestados en aquellos años.
El extraordinario reparto masculino lo integraron Alan Arkin, Jon Voight, Martin Balsam, Orson Welles, Anthony Perkins, Bob Balaban, Buck Henry, Martin Sheen y Marcel Dalio.
Fotografía por David Watkin guión Joseph Heller(novel) Buck Henry(screenplay) Cast Alan Arkin .... Martin Balsam .... Richard Benjamin .... Art Garfunkel .... Jack Gilford .... Buck Henry .... Bob Newhart .... Anthony Perkins
.... Paula Prentiss .... Martin Sheen .... Jon Voight Orson Welles ....
