GINGER Y FRED Ciclo Fellini 100 Años

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 1985 y 1987 son dos fechas particulares en la vida de Federico Fellini. El gran director de Rimini, con más de cuarenta años de carrera en el cine a sus espaldas, se dio cuenta de una manera triste e inevitable de que había envejecido. Ginger y Fred e Interview (el primero en 1985, el segundo en 1987) son la transposición, que solo él podría haber filmado, del estado de ánimo de un artista de casi setenta años que no se reconoce en la sociedad. El cineasta que hizo famoso el término Dolce Vita se encontró de repente frente a un mundo formado por televisores privados, equipos chinos infestando Cinecittà y anuncios hipersexualizados. Mientras Intervista es una sesión psicoanalítica, en la que Fellini rememora su pasado en forma de un nuevo alter ego (ya no Mastroianni, tan viejo como él, sino Sergio Rubini), Ginger y Fred relatan el paso entre la edad "de piedra" del espectáculo. y moderno.

En el período en el que Fellini inició su carrera artística estuvieron el circo (en el que se centró el cineasta en Los payasos), la variedad, la fotonovela (tratada en Lo Sceicco Bianco) y la radio (de la que el director fue además autor): en En fin, era un mundo en el que todos tenían que saber hacer algo o tener alguna dote, aunque solo fuera un doble de Lucio Dalla. En cambio, Ginger y Fred muestra un mundo de entretenimiento diferente, monopolizado por la televisión purgada de su función educativa y transformada en un gigantesco contenedor.

Pippo Botticella (Marcello Mastroianni) y Amelia Bonetti (Giulietta Masina) están convocadas para participar en el programa Ed Ecco A Voi, aunque prácticamente ya no saben bailar. Son viejos, magullados, cansados y no se han visto en muchos años. Ni siquiera los dejan intentar: no hay tiempo ni necesidad, por lo que en televisión no es necesario tener talento.

"Los artistas son importantes, sirven a la humanidad", dice un personaje durante la película. Pero Fellini sabe bien que, en 1985, los artistas ya no son los que él pretendía y esta condición estaba destinada a cambiar con los años: en retrospectiva, la profecía del director de Romaña se hizo realidad.

Por eso Ginger y Fred es una de las películas más importantes de la carrera de Fellini: es su única obra que realmente pretende hablar sobre el futuro. Tomemos los personajes, o más bien la humanidad que se mueve en esta película: muchos de ellos no tienen talento, son llamados en televisión para ser consumidos y luego descartados como le pasa a decenas de personas cada año (perfecto el ejemplo de una mujer que dice estar comprometido con un marciano).

El estilo de Fellini es inconfundible: la confusión, el ruido, el desorden. Cada vez que vemos una de sus obras nos asombra cómo logró rodar con ese ritmo frenético y con ese tono divertido y melancólico. También son espléndidos Giulietta Masina y Marcello Mastroianni, los únicos actores que podrían aparecer en este largometraje: el amigo más confiable del director y el amor de toda la vida. Ellos también se dan cuenta de que son viejos, en particular Marcello Mastroianni: el que fue uno de los hombres más bellos del mundo se sintió avergonzado de desvestirse frente a una mujer.

Ginger and Fred es una película, como siempre para Fellini, extremadamente personal y honesta, única y original a la par que profundamente innovadora. El maestro, en 1985, lo había adivinado todo: los artistas cambiaban y él, como gran artista que era, tenía mucho miedo del papel cada vez más marginal del arte en la sociedad contemporánea.

Título original

Ginger e Fred

Año

1985

Duración

127 min.

País

 Italia

Dirección

Federico Fellini

Guion

Federico Fellini, Tonino Guerra, Tullio Pinelli

Música

Nicola Piovani

Fotografía

Tonino Delli Colli, Ennio Guarnieri

Reparto

Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Franco Fabrizi, Friedrich von Ledebur, Salvatore Billa, Hermann Weiskopf, Gabriella Di Luzio, Moana Pozzi, Totò Mignone, Barbara Scoppa, Friedrich von Thun, Antoine Saint-John, Elena Cantarone

Sinopsis

Una pareja de bailarines que habían saltado a la fama gracias a su perfecta imitación de Ginger Rogers y Fred Astaire se reúnen años después en Roma para aparecer en un programa de televisión. El regreso de la pareja resultará bastante traumático para los dos. (FILMAFFINITY)

Premios

1986: Globos de Oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa

1986: BAFTA: Nominada a Mejor película de habla no inglesa

1985: 4 Premios David di Donatello, incl. mejor actor (Mastroianni). 13 nominaciones

Críticas

• "Se clasifica entre los mejores trabajos de Fellini"
  Vincent Canby: The New York Times 

"ROMA Fellini" Ciclo Fellini 100Años

 

Roma

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Dirección: Federico Fellini

Año: 

 1972

Film: 

 Color

Duración: 

 119 min

Argumento: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Guión: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Director de fotografía: Giuseppe Maccari (Technicolor)

Operador adjunto: Pietro Servo

Asistente de cámara: Roberto Aristarco, Michele Picciaredda

Música: Nino Rota

Director musical: Carlo Savina

Idea de escenografía: Federico Fellini

Escenografía: Danilo Donati

Vestuario: Danilo Donati

Estamos a comienzos de los años treinta. Un chico, huésped en un colegio de religiosos, se imagina la Roma descrita por sus profesores y por la retórica del régimen fascista. En 1939, con veinte años, parte hacia la capital y descubre su verdadero rostro. Los pequeños personajes de una pensión popular, las tabernas al aire libre, los niños por las calles. Luego se pasa a 1972, al tráfico de las calles, con Fellini que rueda una película en una ciudad atiborrada de turistas, entre los jóvenes que le reprochan su falta de interés por la política. Vuelve a la memoria la imagen de un pequeño teatro de espectáculos de variedades de pueblo, con el público que grita y huye tras una alarma aérea. Luego la escena se desplaza a la galería para la construcción del metro, cuando un hallazgo de restos arqueológicos interrumpe las obras. Los hippies de la Plaza de España y la fauna variopinta de los que iban allí, el recuerdo lejano de los burdeles de los años cuarenta. Hay también un desfile de modelos religioso, la "Fiesta de Noantri” en Trastevere, la confusión general, con la policía que aporrea y los motoristas entre los fragores de la noche.

Gian Luigi Rondi

Secuencias como la del autopista, de los prostíbulos, del desfile religioso son cine al estado puro, incontenible, ejemplar. Ese estilo que mezcla la crónica falsa con los recuerdos inventados alcanza, en diferentes ocasiones, la poesía. En otras, se impone una furia barroca que se combina, maliciosamente, con el gusto de lo cursi, de lo deformado, de lo horrible. Aunque en algunas partes podría apuntar a equilibrios más sosegados, siempre logra alcanzar los resultados esperados. En una representación espectacular que alterna las pesadillas de Bosch con los horrores negros de Goyas y los rasguños cortantes de Grosz.

"Il Tempo", 19 marzo 1972

Tullio Kezich

La infancia romañola, la llega del joven de provincias a la estación Termini, la pensión, las comilonas en las tabernas, el espectáculo de variedades, los prostíbulos son páginas de un virtuosismo estilístico e impetuoso que recuerda a Carlo Emilio Gadda. Pero en la vertiente moderna, Roma reserva grandes emociones como la secuencia horrorosa de la circunvalación y el final con los motoristas que van a tope entre las ruinas y los antiguos palacios. Tiene algunos defectos: la casualidad de su estructura, la fragilidad de sus conexiones, algún episodio más desenfocado y caricaturesco (el desfile religioso). Pero es otro fruto apasionante de la tenacidad de uno de los mayores maestros de hoy.

" Il mille film. Dieci anni al cinema 1967-1977", volume secondo, Il Formichiere, Milano, 1977

«En pocas palabras, la impresión que tenemos de esta ciudad es una sola: la ignorancia. En Roma vive un ignorante que no quiere que lo molesten y que es el producto más exacto de la Iglesia. Un ignorante que quiere mucho a las familias. Este tipo de hombre está tan metido en su posición seglar que cree que se debe y se puede vivir solo de esta manera. Un crío grotesco que tiene la satisfacción de ser castigado continuamente por el papa. [...] la mirada fija, soñoliente, renunciataria, oponente, no es curioso o no cree que la curiosidad sirva para algo. Puede ser que esta sea la mirada de la extrema decrepitud, de quien ha digerido de todo y ha sido, a su vez digerido, se ha convertido en excremento, agotamiento total de todas las experiencias y regreso a la tierra, abono. Esta atmósfera peculiar nace del hecho de que el papá romano y la mamá romana siempre tienen algo criador, huelen a pis, a tus pis de cuando eras pequeño. En realidad, el romano no felicita de manera remilgada a un niño: "Mira qué cara bonita, parece un culo", dice.»

Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino, 1980, p. 146

Dirección: Federico Fellini

Argumento: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Guión: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Director de fotografía: Giuseppe Maccari (Technicolor)

Música: Nino Rota

Director musical: Carlo Savina

Idea de escenografía: Federico Fellini

Escenografía: Danilo Donati

Vestuario: Danilo Donati

Montaje: Ruggero Mastroianni

Coreografía: Gino Landi

Cast

Marcello Mastroianni : intervistato

Anna Magnani : intervistato

Gore Vidal : intervistato

John Francis Lane : intervistato

Alberto Sordi : intervistato

Peter Gonzales : Fellini a diciott'anni

Fiona Florence : Dolores giovane prostituta

Marne Maitland : guida alla catacombe

Britta Barnes

Pia De Doses : la principessa

Roma, la ciudad eterna  

Fragmentos de una nota de Claudia Segovia

(...) Fellini contempla la Roma fascista desde Rimini, su ciudad natal, con la dulcificada mirada de la infancia, como posteriormente lo hará en Amarcod (1973). En la posguerra, su alter ego, un joven inmigrante del norte, llega a la estación Termini, a la Roma pobre, caótica y gritona, al submundo de pensiones familiares, de espectáculos de variedades y burdeles. Un mundo sepultado en la Roma presente de los años setenta del siglo XX, una ciudad cosmopolita que revive la grandeza del remoto pasado imperial, una ciudad eterna que inmortaliza las vidas cotidianas pasadas, las casas patricias y la Necrópolis, y sus principales monumentos, el Coliseo, el Castel Sant'Angelo, Villa Borghese, como los lugares míticos y, a la vez, trillados del turismo.

"Eso es lo bueno de Roma, es grande y nadie te conoce"

En un café añorado del Rimini de Fellini, un hombre hace esta afirmación a propósito de Roma. Nada más cierto para describir la otrora capital imperial, la actual gran ciudad republicana, el lugar ideal para confundirse con la masa, para pasar inadvertido o volverse el centro de todo. Los grandes personajes fellinianos se dan cita en la ciudad: las matronas familiares, las prostitutas voluptuosas, los decadentes artistas de variedades, los músicos callejeros, los jóvenes hippies, la burguesía y el clero. Mientras que Scola apuesta por un reparto más contemporáneo: parados, inmigrantes, mendigos, ludópatas, ancianos, homosexuales y lesbianas, los desheredados de la sociedad, como nuevos rostros del cine italiano.

Roma es la ciudad de la iglesia, del gobierno y de las películas"
Gore Vidal afirma ante Fellini que estos tres poderes son fabricantes de sueños. Nada más cierto en Roma. Fellini retrata la alianza entre la nobleza y la iglesia en un satírico e improbable desfile de moda eclesiástica, demostrando entre bambalinas la patética opulencia y el poder de esta conveniente alianza.

EL CASANOVA de FEDERICO FELLINI Ciclo Fellini 100 Años

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La película “Casanova”, también conocida como “Il Casanova di Federico Fellini”, rodada en 1976, y que en la Argentina fue conocida tan solo a principios de la democracia pues la dictadura cívico-militar había prohibido su estreno, fue lanzada en Italia en una versión restaurada en blue-ray y DVD con motivo del centenario del nacimiento del mago de Cinecittà. "Casanova" fue una de sus películas más controvertidas, que llevó al director al borde del divorcio con Giulietta Masina y al agotamiento nervioso, gracias a sus complicaciones de elenco y financieras, en tanto su lanzamiento parece oportuno en momentos en que las salas peninsulares permanecen clausuradas por el coronavirus.

Según la prensa italiana, el mundo decadente y conmovedor de “Casanova” vuelve restaurado con motivo del centenario del nacimiento del director y la iniciativa de sus distribuidores en formato hogareño pondrá en contacto con esa obra que en su momento no fue apreciada en su conjunto. De ese modo, el mundo de ensueño y surrealismo en que el creador sumió al famoso personaje del siglo XVIII será lanzado el martes 17 en el mercado itálico; según Fellini, fue una de las obras que mayor trabajo intelectual y físico le demandó.

“Algunas películas nacen bajo el signo de una profunda complicidad y total adhesión de quienes las dirigen, otras nacen bajo el signo de resistencia y reticencia. ‘Casanova’ pertenece a esta segunda categoría. Quizás la película necesitaba que el personaje tuviera actitudes de total desconfianza, de antipatía, quizás de necedad. La película no podía hacerse como cualquier otra", comentó una vez que la había finiquitado.

“Casanova” nació bajo el impulso del poderoso Dino De Laurentiis, que quería que se propusiera una película que fuera del gusto de los estadounidenses, un público al que el productor, que si bien había solventado “La strada” en 1954 trataba de conquistar con grandes producciones desde la década del 60. Sin embargo, el director y el productor no se ponían de acuerdo con el protagonista: Marlon Brando o Robert Redford sugiere De Laurentiis, Fellini piensa en Michael Caine, Jack Nicholson, Gian Maria Volonté y hasta Alberto Sordi, que se propone a sí mismo. La elección finalmente recayó en el canadiense Donald Sutherland, con quien Fellini se había cruzado dos veces: la primera en el set de una película –“El mundo de Alex”(1970)- en el que hizo un cameo de sí mismo, y un año antes de que Bernardo de Bertolucci rodase “Novecento” (1976). Además del talento indiscutible de Sutherland, también fue la apariencia, su altura de un metro y 92 centímetros -medio centímetro más que el mítico amante veneciano-, terminaron de convencer al director.

El compromiso, se dice, fue rápido, en los escalones del Grand Hotel de Roma; Sutherland tenía entonces 40 años, casi la misma edad que su personaje. El proyecto, sin embargo, nació bajo una mala estrella de producción: pasó de las manos de De Laurentiis a las de Andrea Rizzoli y su compañía Cineriz para terminar en las de Alberto Grimaldi, mientras que el tironeo por los enormes presupuestos –nunca se sabía cuánto iba a costar finalmente una película de Fellini- demoraban una y otra vez el rodaje. El director llegó al estudio para comenzar la película el 21 de julio de 1975: fue un proceso difícil, aparte de los nueve meses habituales que Fellini suele tomar para dar a luz una película; para “Casanova” la última claqueta sonará a principios de mayo.

Filmada completamente en el histórico estudio Cinecittà 5, donde Fellini tenía dos dormitorios, baño y cocina; donde comía, trabajaba y dormía, la película hizo que el director estuviera tan ocupado que cuando recibió la noticia de la victoria del Oscar para “Amarcord” no quiso abandonar su trabajo y envió al productor Franco Cristaldi a retirar el premio. Aunque la película está basada en la autobiografía “Historia de mi vida”, de Giaccomo Casanova, Fellini de inmediato decidió desviarse, alejarse de la página escrita y si por un lado respetaba el espíritu de la época, por otro tenía otra cosa en mente. En acuerdo con su guionista Bernardino Zapponi, quiso describir a un hombre que, más allá del cliché del “playboy” italiano, no es más que un inmaduro subdesarrollado, incapaz de amar verdaderamente.

Para interpretar a Casanova, Donald Sutherland había leído todo lo que se había escrito sobre el personaje, pero Fellini le pidió que olvidara todo porque no era la figura histórica la que le interesaba; de hecho, el título de la película, “Il Casanova de Federico Fellini” no respondió tanto al egocentrismo del director como al deseo de subrayar que esa interpretación fue el resultado de una lectura personal. De las muchas historias contenidas en las Memorias de Casanova, Fellini eligió finalmente cuatro, mientras que las otras fueron el resultado de su imaginación; para unir los episodios, en apariencia inconexos, se escucha la voz del protagonista, que los narra en primera persona y que fue doblada por el talentoso Gigi Proietti.

Título original

Il Casanova di Federico Fellini 

Año

1976

Duración

148 min.

País

 Italia

Dirección

Federico Fellini

Guion

Bernardino Zapponi

Música

Nino Rota

Fotografía

Giuseppe Rotunno

Reparto

Donald Sutherland, Tina Aumont, Cicely Brown, Carme Scarpita, Olimpia Carlisi, Margareth Clémenti, Clara Algranti, John Karlsen, Leda Lojodice, Mary Marquet, Silvana Fusacchia, Daniel Emilfork, Pietro Torrisi, Daniela Gatti

Productora

Produzioni Europee Associati (PEA)

Género

Drama | Siglo XVIII. Biográfico

Sinopsis

Giacomo Casanova, viejo bibliotecario del castillo del Dux, en Bohemia, recuerda su vida, repleta de historias de amor y de aventuras. Anciano, solo y desesperado, rememora los apasionantes viajes de su juventud por todas las capitales de Europa. (FILMAFFINITY)

Premios

1976: Oscar: Mejor vestuario. 2 nominaciones

1977: Premios BAFTA: Mejor diseño de producción y vestuario. 3 nominaciones

1976: Premios David di Donatello: Mejor música

Críticas

• "Hiriente, desesperado y procaz homenaje a la vida derramada"
  Luis Martínez: Diario El País 
  
• 
  
• "Particular y delirante visión de la vida de Casanova en una extraña y curiosa cinta, de impresionante banda sonora "
• Fernando Morales: Diario El País 
  
• 
  
• "Un trabajo memorable" 
  Jonathan Rosenbaum: Chicago Reader 
  
• 
  
• "El trabajo de Sutherland es la obra interpretativa más increíble desde Brando en 'Last Tango in Paris'" 
  Time Out