The Conversation (1974)
LA CONVERSACIÓN
Dirección: Francis Ford Coppola
Gene Hackman
John Cazale Frederic Forrest Teri Garr Harrison Ford Robert Duvall
Fotografía: Bill Butler
Música: David Shire
El '74 fue el año del fin de la inocencia para los norteamericanos. A partir de las escuchas de Nixon ya nada sería igual. Ni la confianza, ni la privacidad. Nixon fue un paranoico que no solo grababa las conversaciones de la oposición sino las propias con sus asesores. A partir de que esto tomó estado público, todos podían ser espiados, grabados y filmados. El campo de batalla del espionaje ya no se daba exclusivamente en los márgenes de la inteligencia. Las víctimas del espionaje ya no eran solo agentes de los servicios secretos, sino cualquier ciudadano común. "La conversación" trata sobre un soldado de esta guerra. O mejor dicho un francotirador. Salvo que en vez de un rifle porta un micrófono. Harry Caul (Gene Hackman) es un típico heroe de Dostoievski sacado de "Memorias del subsuelo". Es un hombre gris , solitario y contenido, que solo se limita a hacer su trabajo: espiar personas. No pregunta porque ni para que . Es un verdugo que vive de prender un grabador y registrar conversaciones. En eso se puede decir que es el mejor. Harry es una leyenda en su gremio. Es capaz de poner un micrófono en una taza de café o captar lo que hablan dos personas en el medio de una muchedumbre. Es un as en lo suyo y por eso lo contratan. Hasta que un día comienza a tener dudas de los fines de un encargo. Su curiosidad lo lleva a pregunatarse para que y para quien, y a partir de ahí , como en todo drama Coppoleano, se desata la tragedia y un destino inevitable. "La Conversación" es una película sobre el uso perverso de la tecnología en una sociedad vigilada desde todos los angulos, cuadro a cuadro, segundo a segundo. Es hija de "Blow up" de Antonioni pero madre de películas como "El Custodio", o "Munich". Desde lo formal es fiel a su premisa. Cada plano no capta , sino que vigila la vida de Harry y a pesar de esto no es un film contemplativo sino que cada escena narra y estalla en dramatismo. Además , el trabajo de Hackman es magistral. Caul puede ser un personaje deleznable, sin embargo uno siente pena por ese pobre rulemán del sistema. El final, digno de la épica de Philip Dick, es uno de los momentos mas magistrales de la filmografía de Coppola. Otro aspecto a tener en cuenta a la hora de verla es el trabajo sonoro. Coppola es uno de los pocos o quizás el único director que cree en el sonido como un expresión artística per se. Junto a su mítico colaborador Walter Murch crean el estado mental de Harry . Pocas películas han logrado esto, por eso es una buena razón para verla y oírla.
Cabe señalar que la Conversación es producto de The directors Company, una productora cuyos dueños eran Friedkin , Bogdanovich y Coppola. Nadie le daba mucha vida a este proyecto de realizadores. Todos decían que era una conjunción de egos desmesurados. Y así fue. The Directors Company duro apenas tres películas que fueron "La Conversación", "Luna de papel" y "Daisy Miller". El único que no rodó una sola película en esta compañía fue Friedkin, que tras odiar "La Conversación" y luego del fracaso de "Daisy Miller" decidió marcharse con el proyecto de una gran película que provocó el cataclismo comercial de su carrera : "Sorcerer".-----------------------------------------------------------------
All the President's Men (1976) TODOS LOS HOMBRES DEL PRESIDENTE Dirección: Alan J. Pakula Fotografía: Gordon Willis.Montaje: Robert L. WolfeMúsica: David Shire. Antonio Vivaldi
Intérpretes: Dustin Hoffman, Robert Redford , Jack Warden, Martin Balsam, Hal Holbrook Jason Robards, Jane Alexander, Ned Beatty,F. Murray Abraham .
Jon Boorstin (asistente de dirección de Alan Pakula) habla de All the President's Men
"Yo no fui a una escuela de cine. La experiencia de hacer Todos los hombres del Presidente fue mi escuela de cine. Fui asistente del director Alan J. Pakula, así que estuve presente durante muchos de los momentos del rodaje. Cuando se estrenó tuvo un enorme éxito, atrajo a grandes audiencias y ganó el Oscar el mejor guión, dirección de arte, actor de reparto y sonido. Fue nominada, además, a la mejor edición, actriz de reparto, filme y director. Su factura es extraordinariamente elevada, pero en todos los demás aspectos es diferente al cine tradicional de Hollywood: viola todas las reglas de escritura de guión que enseño a mis estudiantes. Se vendió como la historia detectivesca más devastadora del siglo, aunque carece de todos los elementos propios de esa clase de relatos. Godard solía decir que todo lo necesario para hacer una película es una muchacha y un revólver; aquí no hay ninguno de los dos. Tampoco vemos a los villanos y las escenas son en su mayoría muy estáticas, con diálogos, como tampoco hay una amenaza específica, sino una paranoia general; los acontecimientos suceden fuera de cámara; los personajes comentan cosas confusas. No se menciona la vida privada de los individuos; no hay esposas, padres, novias. Así que, ¿cómo pudo ser un éxito?
"Creo que lo fue precisamente por esas limitaciones, pues ello le otorga una concentración temática extraordinaria. Su tema es nuestra necesidad de confrontar la verdad, sea desenterrándola o confesándola; cada escena vibra con esa nota. Sin embargo, esto no fue planeado. Yo estuve en cada sitio de rodaje y durante la edición y nunca escuché hablar de una idea regente. ¿Cómo ocurrió esto? Creo que pasó en el proceso de hacer la película. Todos los involucrados en ella podían decir qué funcionaba a medida que se avanzaba, pues la película nos decía qué quería ser. Así que encontró su tema por sí misma. Eso confirma mis sospechas de que hacer una buena película requiere alguna clase de milagro.
"Déjenme ser un poco más específico: lo más frecuente es que se trate de un director que conoce bien el tema de su película; así fue como sucedió en este caso. Todo empezó con un best seller, el libro de Bob Woodward y Carl Bernstein,que Robert Redford leyó antes de su publicación, y le gustó. Trataba de dos reporteros que derriban a un presidente. La idea inicial pretendía que el filme luciera como un documental en 16 milímetros y que Hal Ashby lo dirigiera, debido a su experiencia como realizador de documentales muy desenfadados. Pero Ashby era un hippie y aquí se trata de un periódico muy formal, como es el Washington Post. Por ello Redford contrató a Pakula, quien estudió en la Universidad de Yale, usa sacos deportivos y es la única persona que he visto en Hollywood llevando algo parecido a una corbata alrededor del cuello. La perspectiva de Pakula fue que aquella historia no podía contarse en la forma de un documental: todos conocían la anécdota, sabían cómo terminaba, así que requería un tono hiperreal. Pakula planteó que el diálogo debía ser exactamente real, los sets perfectos, y el estilo en lo mejor de Hollywood. Por ello contrató a quizás el mayor estilista de Hollywood, que había hecho El Padrino: el director de fotografìa Gordon Willis.
"Mientras, Redford trataba de convencer al estudio de producirla, pues estaban renuentes; había hecho un estudio de mercado previo y las cifras arrojaban que la gente estaba harta del tema. Así que la hicieron sólo por complacerlo y con la condición de que participara otra estrella tan famosa como Redford. Eso fue caro para Redford, pues tuvo que otorgar la mitad de su película a otro actor. Para hacer el guión contrataron a William Goldman, autor de Butch Cassidy and The Sundance Kid. El estudio percibía la historia como demasiado seca y aspiraban a encontrarle vitalidad gracias a su trabajo. Pero no era eso lo que deseaban Pakula y Redford, así que acabaron eliminando del guión el diálogo chispeante y volvieron a las notas originales de los reporteros. Goldman es un excelente guionista y tomó una decisión crucial: cuándo terminar la historia. Ello era complejo, pues el desenlace resultaba de sobra conocido y aquí significaba un desafío decidir dónde finalizar. Y Goldman se las arregló para contar las tribulaciones de los reporteros en su búsqueda de la verdad.
"Entre las grandes dotes de Pakula está el dominio del trabajo con los actores, y la película es una serie de encuentros de los reporteros entre sí y con personas que vemos una o dos veces. Pakula otorgó vida a cada uno de ellos, añadiendo un nuevo color a la idea de la búsqueda de la verdad a partir de cada personaje singular. Tampoco supimos que no habría escenas de relaciones entre personajes, pues se filmaron diálogos en que se mencionan las novias de los personajes, pero todo eso se descartó. Dustin Hoffman insistía en tener una escena con su novia, pero como Willis estaba tan seguro de que no estaría en la película, fue el único día en que dijo estar enfermo, y se ausentó al rodaje. Tenía razón. Gordon puso mucho de sí a la película, pues en ella sucede tan poco que el aspecto visual es decisivo en otorgarle una forma. Pueden notar que Gordon intentó invisibilizar la cámara, no usa zoom expresos, sino solapados con el movimiento de los personajes, estructura los planos de manera que el filme comienza con mucho estatismo y cobra ritmo hacia el final. Pakula quería una gran claridad en la imagen y Willis usó lentes para resolver la nitidez de los primeros planos y de las profundidades.
"Pero donde realmente se hizo la película fue en la edición. El editor había trabajado con Peckimpah, que utilizaba muchos ángulos de cámara e iba editando al ritmo del rodaje. Cuando vimos su trabajo la película lucía plana, y descubrimos que la había editado en el estilo de Peckimpah, que utilizaba muchos ángulos de cámara y prefería ocultar los cortes con sobreimpresiones, de modo que el sonido de una escena penetraba la siguiente, invisibilizando el corte. Pakula hizo la mayor parte de la película con un plano del reportero y el contraplano del entrevistado, y quería que cuando eligiese el corte éste fuera perceptible. El editor volvió atrás y añadió cuadros, lo que hizo más larga la película, pero ahora había cobrado vida, había tensión en las escenas.
"El paso final en Hollywood es probar la película. Muchos estaban nerviosos a causa del tema político. La mitad en los Estados Unidos es republicana y creían que a Nixon le habían tendido una trampa; entonces, el estudio temía perder la mitad de la audiencia. El test se hizo en un área de mayoría republicana. Para entonces, yo había visto Todos los hombres del Presidente unas cien veces; pero cuando la ves en público tienes una perspectiva diferente. De pronto, comprendí que carecía de todo lo que suelen tener las películas, así que supe que era un gran juego de azar. Yo estaba sentado junto a Pakula y le dije: "Esta es una película intelectual". Él me susurró al oído: "¡Shhh! No se lo digas a nadie."--------------------------------------------
Poster creación de Ezequiel García
Libro y Guión: Woody Allen
Woody Allen Diane Keaton
"SUEÑOS DE SEDUCTOR"
Play It Again, Sam (1972)
Tony Roberts Susan Anspach
Dirección: Herbert Ross
Fotografía: Owen Roizman
Música: temas de Max Steiner ("Casablanca"), Oscar Peterson , Billy Goldenberg.
Para nosotros es un film de Woody
por Ezequiel García
Hay dos films "malditos" u "ocultos" en la filmografía de Woody Allen, y ambos se proyectarán en este ciclo. El primero de ellos es el que nos compete, "Sueños de seductor" o, en su título original, "Tócala de nuevo, Sam" -no es preciso mencionar a que film remite la frase-, y fue dirigido por Herbert Ross en 1972, pero para nosotros es un film de Woody. Primero, porque está basado en una obra de teatro propia, que él mismo protagonizó en Broadway en 1968 junto a Diane Keaton y Tony Roberts (los tres repiten sus personajes en el film), y esa "fresca" química que se había producido entre ellos en escena la transportan a la pantalla (sobre todo Allen y Keaton: esa complicidad actoral llegaría más tarde a su apogeo en "El dormilón", "La última noche de Boris Grushenko", "Annie Hall" y "Manhattan").
Y también es un film de Woody porque tiene todos sus temas recurrentes (haciendo especial hincapié en la relación con las mujeres), porque el personaje que interpreta es su personaje inseguro de siempre, y porque rompe una vez más las barreras entre la ficción y la realidad, entre la imaginación y la vida diaria: "Se ha dicho que si hay un gran tema central en mis películas, tiene que ver con la diferencia entre la realidad y la fantasía. (...) Y creo que, al nivel más elemental, esto se reduce a que odio la realidad. Y por desgracia la realidad es el único lugar en el que podemos conseguir un buen churrasco para la cena.
Creo que esto viene de mi infancia. (...) Dejabas atrás tu casa modesta y todos tus problemas con el colegio y la familia y te ibas al cine, y allí la gente tenía áticos y teléfonos blancos y las mujeres eran encantadoras y a los hombres siempre se les ocurría una observación ingeniosa en el momento oportuno (...) Y aparece continuamente en mi obra la sensación de querer controlar la realidad, de ser capaz de escribir un argumento para la realidad y hacer que las cosas salgan como tu quieres."
"Play it again, Sam" es, además y sobre todo, un película sobre la cinefilia. El comienzo del film lo dice todo: Woody dentro de una sala de cine, atónito, embobado, ante los últimos 5 minutos de "Casablanca", que se muestran completos: ¿hace falta aclarar que es necesario haber visto "Casablanca" antes de asistir a la proyección de "Sueños de seductor"?
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"Johnny..." según Luis Buñuel (Mi Ultimo Suspiro):...Entre los libros que he leído, hay uno que me ha impresionado con la misma fuerza que un puñetazo. Es "Johnny cogió su Fusil" de Dalton Trumbo.
Un soldado ha perdido en la guerra casi todas las partes del cuerpo y se encuentra en la cama de un hospital con solamente su conciencia, intentando comunicarse con los que lo rodean, a quienes no ve, ni oye. Yo debía hacer la película.Dalton Trumbo que escribía el guión era uno de los guionistas más célebres de Hollywood...
1971 Ganadora Grand Prize of the Jury Cannes Film Festival
1971 Nominada Golden Palm Cannes Film Festival
Timothy Bottoms
Kathy Fields Jason Robards Donald Sutherland
Johnny Got His Gun (1971)
"Johnny Cogió Su Fusil"
Dirigida por: Dalton Trumbo
Guión y novela: Dalton Trumbo
Fotografía: Jules Brenner
Sobreviviendo a Mc Carthy
Dalton Trumbo (Montrose, Colorado 1905 - Los Angeles 1976) fue uno de los más grandes y aclamados guionistas de Hollywood. De formación "radical" y dentro de un cierto marxismo, buceó en la Norteamérica de ayer para buscar allí la explicación de las contradicciones del presente. Víctima de la terrible caza de brujas del senador Mc Carthy, se convirtió en el nombre más famoso de la lista de "los 10 de Hollywood". Creada por los propios estudios para identificar con nombre y apellido a aquellos que tenían prohibido trabajar para la industria por sus supuestas simpatías con el comunismo, figurar en esa lista supuso para Trumbo el despido, la carcel y el exilio en México. Desde allí siguió trabajando "en negro", y algunos de sus guiones de esos años fueron "Gun Crazy" (1950) y "La princesa que quería vivir" (1953). Cuando su guión para "The brave ones" -firmado por un inexistente Robert Rich- obtuvo el Oscar en 1957, corrieron insistentes rumores que hicieron pública la farsa, pero Trumbo seguía prohibido y no pudo recibirlo. En realidad, tras una década, la lista funcionaba como un recurso de los estudios para pagar bajos salarios a talentosos escritores, justamente porque seguían prohibidos.
En 1959, Otto Preminger y Kirk Douglas anunciaron respectivamente que Trumbo estaba trabajando en los guiones de "Exodo" y "Espartaco": la lista quedaba oficialmente olvidada. Después del duro silencio, en 1971 tuvo un nuevo debut al dirigir -a los 66 años- su primer filme, a partir de una novela suya de los años '30 que Buñuel ya había intentado llevar a la pantalla. "Johnny cogió su fusil", construída con la sabiduría de un experto en estructuras narrativas, gira en torno a un personaje al límite: un muchacho que el último día de la primera guerra mundial es herido por una granada y pierde piernas y brazos, ojos y orejas. El filme describe sus esfuerzos de comunicación, sus recuerdos, sus fantasías, sus sueños.
"El pasado (en blanco y negro) se mezcla con el presente real como con el imaginario, unidos entre sí a través de la voz fuera de campo, monólogo interior de un protagonista que no tiene palabra. Más que a la habilidad del autor, hay que ponderar la ternura con que está narrada esta historia atroz, y el crudo pesimismo de la polémica pacifista... El pacifismo de Trumbo es serio y genérico, encuentra su fuerza no en la búsqueda de la razón y causa de la guerra, que quedan en el fondo, sino en la descripción terrible de sus efectos últimos y más paralizantes". G. FOFI, M. MORANDINI, G. VOLPI (STORIA DEL CINEMA)
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Producida por Francis Ford Coppola
American Graffiti (1973)
(Locura de Verano)
Dirección: George Lucas
Con: Richard Dreyfuss Ron Howard Bo Hopkins Harrison Ford Cindy Williams
Candy Clark Charles Martin Smith
Guión: George Lucas, Gloria Katz, Willard Huyck
Fotografía: Jan D'Alquen, Ron Eveslage.
"No seas tan extravagante y trata de hacer algo humano. No hagas cosas abstractas. Lo único que haces es ciencia ficción. Todos piensan que eres un tipo seco, pero tu puedes ser cálido, divertido y hacer una película cálida y divertida". Estas fueron las palabras que Francis Ford Coppola tuvo para con su amigo y compañero de ruta George Lucas. Recordemos que Lucas venía del estrepitoso fracaso de THX 1138, y debido a esto Francis Coppola había tenido que devolver todo el dinero que la Warner le había dado para su proyecto de estudio independiente llamado American Zoetrope. Quizás por eso Coppola le diera este consejo a su amigo a la hora de encarar un nuevo proyecto, y la realidad es que Lucas lo escuchó y le hice caso.
"American Graffiti" es una película cargada de esperanza e inocencia y además es uno de los films más nostálgicos y calidos de los setenta.
La idea central gira en torno a un grupo de amigos y los ritos sexuales previos a la edad adulta. Estos rituales se centran en base al levante en automóviles al ritmo del rock and roll de la época. Para ello, Lucas ambienta la historia en plena década del sesenta, previo al desastre de Vietnam. Es un film coral y creo que también es la película que inaugura el genero universitario adolescente. Pero a diferencia de Porkys, Animal House o Fast Time at Ridgemont High, a "American Graffiti" le sobra profundidad. Además, sus personajes jamás caen en la caricatura ni en el trazo grueso. Lucas no necesita de chicas desnudas ni de humor escatológico para hablar de los jóvenes. Su tema central es el paso de la adolescencia a la adultez y la incertidumbre del futuro.
Son varias historias que trascurren en una noche bajo el hilo conductor de The Wolfman, un mítico disc-jockey radial al que nadie jamás vio la cara. Cabe aclarar que también es una de las primeras películas donde la banda de sonido está conformada por canciones de la época. El magistral diseño de sonido estuvo a cargo de Walter Murch, glorioso colaborador de Coppola en " La Conversación" y "Apocalipsis Now". En "American Graffiti" no hay un instante donde la música no suene. La banda es tan protagonista como cada uno de sus personajes. Otro aspecto notable son las actuaciones. La composición de Richard Dreyffus es uno de los mejores trabajos de su carrera. Su personaje desborda ternura, y la escena final de él en el avión sirve de prólogo a todas las películas sobre la guerra de Vietnam que hicieron muchos de sus colegas años después. Para terminar, me gustaría reproducir un pasaje del libro Easy Riders y Raging Bulls donde se cuenta como fue la noche del estreno de esta película:
"American Graffiti" se preestrenó el 28 de Enero de 1973 en el Northpoint Theatre de San Francisco. Aquella noche, Ned Tanet , el productor del film que nunca confió ni en Lucas ni en la película, concurrió a la función. Durante la proyección el público estallaba en carcajadas recuerda Marcia Lucas (ex esposa de Lucas). La gente siguió la película de principio a fin y cuando terminó se puso de pie y aplaudió. Francis, George y yo estábamos eufóricos. Estábamos en la última fila y de repente Tanen se puso de pie y en voz alta gritó "Esta película no puede estrenarse". Luego se dirigió a Coppola y le dijo "Estoy muy preocupado, tenemos que reunirnos, nos queda mucho por hacer". "De que estás hablando" preguntó Coppola "Tu has estado en la sala estas dos horas. ¿No has visto ni oído lo que todos acabamos de ver y oír?". "Este lugar esta lleno de amiguetes de George . Hemos tomado notas. Tendremos que ver si puede estrenarse" retrucó Tanent. "Que vas a ver si puede estrenarse?" rugió Coppola. "Lo que tendrías que hacer es arrodillarte y darle las gracias a George por salvarte el pellejo. Ese chico se ha matado haciendo esta película para ti. Lo menos que puedes hacer es darle las gracias". A continuación Coppola sacó una chequera y ofreció comprarle la película a Tanent, y en ese mismo instante decidió apadrinar a su amigo hasta el final y cueste lo que cueste".
"American Graffiti", el film que todos los estudios rechazaron y que Ned Tanet se negaba a estrenar, se estrenó el 1 de Agosto de 1973. Recaudó 55 millones de dólares con tan solo un costo de 775. 000 U$. Si George no le hubiera hecho caso a su amigo Francis cuando le dio el consejo de hacer un film mas humano, seguramente Luke Skywalker, Han Solo y Darth Vader jamás hubieran existido.
Cristian Bernard.
(Los dialogos entre Coppola y Ned Tanent son extractos del libro Easy Riders and Raging Bulls, la generación que cambió Hollywood, de Peter Biskind)
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"Verano del 42"
Summer of '42 ( 1971)
Dirección: Robert Mulligan
Con: Jennifer O'Neill Gary Grimes
Jerry Houser Oliver Conant
Guión: Herman Raucher
Música:
Michel Legrand
Fotografía: Robert Surtees
Ya habían pasado treinta años de la segunda guerra mundial y un poco menos de los alegres 50' y su "american way of life". Las modas, tendencias y costumbres ya no eran las mismas. Habían cambiado radicalmente, como los adolescentes, que tampoco eran los mismos. Fue entonces cuando algunos directores como Peter Bogdanovich, George Lucas o Robert Mulligan (quien años antes había impactado con "To Kill a Mockingbird" (Matar a un Ruiseñor, 1962), miraron hacia atrás con infinita nostalgia; hacia la infancia y adolescencia en aquellos tiempos que ya no volverían, y tocando un tema que Hollywood aún no se había atrevido a mostrar: el despertar sexual.
Según pasan los años, y al cabo de ver infinidad de películas, solo nos quedan en algún lugar de nosotros aquellas que en su momento nos pegaron por diferentes motivos. Y allí están todas. Algunas, obras maestras reconocidas; otras sin esa suerte, pero que para nosotros lo siguen siendo; y otras que simplemente cuando las vimos las disfrutamos de tal forma que pasan a ser nuestras películas, las que siempre quisiéramos volver a ver. Así está aquel verano, basado en un libro autobiográfico de Herman Raucher. "Verano del 42" es un filme cargado de nostalgia, de alguien que mira hacia atrás y cuenta una historia mínima, un verano de su adolescencia y lo que le ocurrió, un verano que jamás pudo olvidar.
Para mí, la virtud que tiene este mágico filme de Mulligan es que -como pocos- logra transmitir la importancia que para un adolescente tiene el primer encuentro, el primer sentimiento, la primera atracción sexual hacia otra persona. Momentos que alguna vez todos vivimos o deseamos y luego olvidamos: el primer difícil y doloroso paso a ser adultos.
Simplemente de eso se trata esta pequeña, bella e intrascendente historia, que combina el tono nostálgico (fotografíado magníficamente por el gran Robert Surtees), con logradas secuencias de humor ya antológicas, como las de los chicos en el cine, o intentando comprar el primer forro en una farmacia. Y aquí está la gran diferencia con otras obras de teenagers que le sucedieron a "Verano del 42" (salvo las excelentes "American Graffiti" y "The Last Picture Show"), que en general tendieron a un humor chabacano o a la sensiblería al abordar historias parecidas.
El éxito de este filme significó el lanzamiento de Jennifer o`Neill como la increíble Dorothy.
Había trabajado en "Rio Rojo" de Hawks, pero "Verano del 42" la convertiría en el mito sexual de toda una generación de espectadores. Posteriormente Luchino Visconti la eligió para su último filme "El Inocente".
Gary Grimes, el adolescente en cuestión, también quedaría inmortalizado por este filme como el tierno Hermie.
Mención aparte merece la maravillosa partitura de Michel Legrand, ganadora del Oscar y una de las melodías inmortales de la pantalla grande. Este fue otro filme muy querido por Fabian Bielinsky, quién también nos lo recomendó para el ciclo de los 70'.
Mención aparte merece la maravillosa partitura de Michel Legrand, ganadora del Oscar y una de las melodías inmortales de la pantalla grande. Este fue otro filme muy querido por Fabian Bielinsky, quién también nos lo recomendó para el ciclo de los 70'. Jorge Russo
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Jack Nicholson FayeDunaway
Chinatown (1974)
(BARRIO CHINO)
Dirección: Roman Polanski
John Huston Diane Ladd John Hillerman
Guión:
Robert Towne
Roman Polanski
Fotografía:
John A. Alonzo
Música:
Jerry Goldsmith
Agua que no has de beber
"-¿Nos hemos visto antes?
-Creo que lo hubiera recordado."
Con este diálogo se conocen Jack Nicholson y Faye Dunaway en "Chinatown". La presencia de ambos y la química que existe entre ellos cada vez que están juntos frente a la cámara se da pocas veces en el cine. El guionista Robert Towne (que se llevó un Oscar por este trabajo) confesó que escribió el personaje de J. J. Gittes pensando en Nicholson, adoptando sus modales y maneras de hablar. Ya habían trabajado juntos en "El último deber" de Hal Ashby (proyectada también en este ciclo) y, al igual que muchos otros de su generación (Hoffman, Voight, Sutherland, De Niro, Pacino), Nicholson estaba en una de sus mejores épocas, marcada por grandes actuaciones en varios films consecutivos: "Easy rider" (Hopper), "Mi vida es mi vida" (Rafelson), la mencionada de Ashby, "El pasajero" (Antonioni) y "Atrapado sin salida" (Forman).
Desde los hermosos títulos de inicio, acompañados de la genial música de Jerry Goldsmith, Roman Polanski recrea en "Chinatown" una estética que remite a los años '30 y '40, cumbre del cine policial negro: J. J. Gittes es un detective privado que suele trabajar en casos de infidelidad; uno de ellos lo lleva hasta un entretejido corrupto por el dominio del agua en la ciudad de Los Ángeles. El agua. Todo gira alrededor del agua. La vida y la muerte. El guión de "Chinatown" es un reloj: cada hecho, cada paso, cada descubrimiento lleva indefectiblemente al siguiente. Por momentos uno se pierde entre nombres, lugares, pasados y parentescos (quizás se deba ver el film varias veces para llegar la profundidad de su riqueza, de sus detalles), pero nos arrastra la mística, la fascinación que irradian las imágenes de los majestuosos desiertos californianos y de la desolada urbanidad de la ciudad, todo fotografiado en un maravilloso Scope por John Alonzo (ASC).
El tercer vértice actoral le corresponde a John Huston, quien da una grandeza monumental y poderosa a su personaje, y juega un papel fundamental en la última secuencia de la película, de un desgarrador dramatismo. La tensión aumenta (el uso de la cámara aquí se anticipa en veinte años a las estéticas cinematográficas que se impondrían al fin del siglo), y la frase final aparece como un alivio, casi a modo de resignación, y se ubica fácilmente entre las mejores líneas del cine policial de todos los tiempos.
Ezequiel García
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Elliott Gould
Sterling Hayden Nina Van Pallandt Mark Rydell
The Long Goodbye (1973)
" Un Adiós Peligroso"
Dirección: Robert Altman
Guión, Novela:Raymond Chandler (novel)Leigh Brackett
Fotografía:
Vilmos Zsigmond
Música:
John Williams
Atípico filme de Altman donde reinventa con ingenio a Raymond Chandler en una original versión libre de su última gran novela, con un planteamiento que contrasta con la imagen mitificada que el cine clásico le dio al universo chandleriano. Resitua la historia de 1953 a 1973, criticando sutilmente los desfasados valores de Phillip Marlowe.
Elliott Gould brinda una de sus mejores interpretaciones como el estrafalario y pícaro Phillip Marlowe. Con Nina Van Pallandt y Sterling Hayden como coprotagonistas, y escrita por Leigh Brackett (El Sueño Eterno), "Un Largo Adiós" es un glorioso tributo a Hollywood con un final tan controvertido como provocador.
El detective privado de Los Ángeles Philip Marlowe (Gould)( en este caso un Marlowe desaseado y desprolijo), se enfrenta al caso más extraño de su vida cuando descubre que el aparente suicidio de un amigo es un doble asesinato, en el que están implicados una atractiva rubia, un gángster transtornado y una valija repleta de dinero procedente del tráfico de drogas. Pero en esa búsqueda de la verdad, Marlowe acaba perdiéndose en un laberinto de sexo y engaños sólo para descubrir que, en Los Ángeles, si el amor es peligroso... la amistad es mortal.
Destacan la brillante partitura de John Williams y la fotografía del maestro Vilmos Zsigmond.
...Altman se asegura que buena parte de la acción ocurra casi sin darnos cuenta en las esquinas de la pantalla, y destaca pequeños momentos de impacto visual y auditivo en el tapiz soleado de la sordidez de Los Angeles...
... Arnold Schwarzenneger tiene un cameo en el papel de un secuaz menor.
(1001 películas...)
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Robert De Niro John Cazale John Savage
Christopher Walken Meryl Streep
" EL FRANCOTIRADOR "
The Deer Hunter (1978)
Dirigida por Michael Cimino
Fotografía por
Vilmos Zsigmond
"El Francotirador" por Cristian Bernard
Hubo un tiempo en que las películas que ganaban el Oscar eran verdaderamente buenas, conmovían y daban que pensar; en que duraban tres horas y aún así parecían cortas. Sin lugar a dudas una de esas películas fue "El Francotirador". "El Francotirador" es una película de guerra, pero por sobre todas las cosas es una historia de amor. O mejor dicho, una historia de amigos que se prometen amor y fidelidad eterna. A pesar de ser una de las películas mas violentas de la década, es también una obra llena de vida y melancolía. Todo en ella es real. La secuencia del casamiento, criticado por muchos de extensa, es una de las escenas más bellas de la historia del cine. Da la sensación de que uno fue invitado a esa ceremonia, que no se "ve" sino que se "vive". Uno entiende a cada uno de esos personajes, sus miedos, sus angustias, sus limitaciones. Es una escena magistral que Cimino usa para contarnos el lazo afectivo que hay entre ellos. Son personajes que parecen sacados de una canción de Springsteen. Obreros, pobres, hijo de inmigrantes rusos que sudan en las fabricas de acero. Sin ellos no hay Fords, ni Chevys. Todos ellos creen en su país y en el sueño americano, y necesitan de esa guerra para reafirmar su identidad.
Una vez llegados a Vietnam vivirán la guerra con el mismo azar que en un casino de horror y muerte. Quemarán al enemigo pero también serán torturados, caerán en un río y sus vidas se paralizarán para siempre. A su regreso, algunos apenas podrán asomar la cabeza hacia un mundo que sigue igual que cuando se fueron. Otros quedarán de por vida adictos al horror que experimentaron en aquellos días. Sin lugar a dudas el Vietnam de Cimino no tiene nada que ver con la selva plagada de peligros de "Pelotón", o el río Conradiano de "Apocalipis Now", Tampoco con las batallas urbanas de "Nacido para matar". De hecho, la escena emblemática de guerra de "El Francotirador" es la tan polémica de la ruleta rusa. Salvo el final, luego de eso no veremos bombas ni escucharemos más disparos en toda la película.
Para muchos críticos, esta escena supuso una mirada maniquea al conflicto, ya que se victimiza a los norteamericanos en vez de mostrarlos como los victimarios que verdaderamente fueron. Es probable que Cimino se haya equivocado en reducir toda la guerra a esa escena, pero quiso utilizarla como metáfora: Vietnam fue el suicidio de toda aquella generación que fue enviada a sus confines. Pero el gran tema del Francotirador es la redención, ya que aquel cazador de ciervos (tal el título original del filme) que disfrutaba cazando y matando, luego de haber vivido en carne propia el horror de la guerra ya no podrá disparar más. Esa es la gran transformación. Esa es la poesía. A Cimino no le importa la política sino el hombre, sus hombres y los cambios de comportamiento de todos ellos tras la experiencia de Vietnam. Por lo tanto se podría decir que es un humanista.
Luego del estreno de "El Francotirador" Cimino fue considerado el nuevo dios, el Orson Welles de la década , la nueva promesa dorada de Hollywood. Todo esto era verdad. Cimino es un gran director, quizás uno de los grandes con peor suerte de la historia del cine. "El Francotirador" tiene cinco escenas magistrales, que para el cine de hoy es una proeza. Como olvidar a De Niro corriendo desnudo después del casamiento; como olvidar a De Niro, Walken, Cazale, Savage y Dzunza cantando ¨Can´t take my eyes off you¨. Finalmente, me animo a decir que la última escena también es inolvidable. Medirla como patriotera es carecer de visión y pecar de etnocentrismo cultural. Si ellos cantan "God bless America" es porque seguramente lo sienten así; al fin y al cabo no son ni argentinos ni yugoslavos, sino norteamericanos. Ellos creen en su país y fueron a la guerra por esa creencia, sin preguntar o esperar nada a cambio. Cimino los mira de lejos, Los observa a la distancia y ese canto patriota se transforma en una plegaria a Dios, en un pedido de ayuda. Pero lo que Cimino hizo durante toda la película fue contarnos que no hay Dios, que los hombres están librados a su crueldad, a lo peor de ellos. Y ahí es donde esa última escena se vuelve desoladora al ver a esos hombres huérfanos, deseando algo que nunca existió.
Pocos años después, Michael Cimino realizo una de las películas más desmesuradas y hermosas del cine norteamericano: "Las puertas del cielo". Y allí viene el fin de su carrera, las culpas de haber quebrado un estudio y de todas esas acusaciones de las que jamás se repondría. Años después pudo hacer otro film interesante y polémico, llamado "Manhattan Sur". Y por momentos vuelve a asomar lo mejor de el. Ojalá que algún día regrese. No tengo la menor duda que nos dará una gran sorpresa.
"El Francotirador" y la polémica por Ricardo Watson
En diciembre de 1978, en medio del breve interregno demócrata que supuso la administración Carter, el estreno de "El Francotirador" desató una controversia de alcances internacionales. Ciertos sectores consideraron intolerable que una película que tenía como telón de fondo al conflicto de Vietnam no realizara la más mínima autocrítica sobre la responsabilidad histórica que habían tenido los Estados Unidos en esa guerra. Peor aún, sus protagonistas encarnaban a corajudos guerreros caucásicos que debían vérselas con los más bestiales y sanguinarios aldeanos y soldados orientales. Estas acusaciones de incorrección política y racismo fueron rematadas por otras que -provenientes de sectores de derecha- lamentaban la falta de patriotismo de Cimino. En el festival de Berlín se produjo una situación inédita: tras una escalada de protestas, todos los países del bloque del este retiraron a sus delegados y películas en competición, por considerar que "El Francotirador" no contribuía al mutuo entendimiento entre los pueblos del mundo.
Finalmente, conocidas las nominaciones a los premios Oscars, Jane Fonda (por entonces la actriz más radicalizada de Hollywood) acusó al director Michael Cimino de haberse inventado todo el asunto de la ruleta rusa (un tema clave del film, pero ausente en el conflicto "real") con la intención de manipular la sensibilidad de los espectadores.
Veintiocho años más tarde, uno no puede dejar de pensar que algo de razón hay en todas estas acusaciones. Y sin embargo, la película de Cimino se mantiene como uno de los testimonios cinematográficos esenciales del cine norteamericano de todos los tiempos. Y en esta afirmación no cuentan solamente los aspectos formales (como podría ser el caso del cine de Leni Riefenstahl, por ejemplo), sino justamente los filosóficos. Cimino no habrá imbuido a su obra de planteos políticos, pero toda ella es un pronunciamiento moral: la guerra, más que un asunto de políticos sanguinarios y militares delirantes, anida en el corazón del hombre; el gusto por la violencia no tiene su razón de ser en las entidades políticas sino en la naturaleza desorbitada del hombre. "El Francotirador" no es una película "de guerra", sino una desasosegadora crónica del desarraigo y la destrucción; de cómo las vidas y los sueños de tres hombres (y por extensión de toda una comunidad) estallan en pedazos por culpa de la guerra.
La película
Cimino divide claramente su obra en tres partes: el casamiento, la guerra, sus consecuencias. Desde el principio asistimos a un encadenamiento de ritos. Algunos puramente viriles (el trabajo en la fábrica; el billar y las cervezas entre amigos; la partida de caza), otros vinculados a milenarias tradiciones rusas, propias de la comunidad ortodoxa a la que pertenecen los protagonistas. En ese festejo -que a la vez es una despedida a los que volverán como héroes- abundan los símbolos que anuncian la inminente tragedia. Cuando ésta se desata, la cámara de Cimino se vuelve intolerable. El desprecio por la vida, el miedo y la locura se suceden plano a plano, convirtiendo a este fragmento en un alucinante cuadro de El Bosco. Tras el frenesí de la primera hora y la conmovedora secuencia central, llegan la calma y la reflexión, solo alterada en la anteúltima escena. El final, con los sobrevivientes entonando el himno norteamericano, es cualquier cosa menos un gesto de triunfo. Vista en perspectiva, esa escena no solo manifiesta el desorden emocional de sus protagonistas, sino que opera como una adecuada plegaria fúnebre para poner punto final –lo dijimos al inicio de este ciclo- a la última década de cine adulto norteamericano.
Robert de Niro, primero como el héroe mitológico puesto a prueba por la guerra, y luego como el hombre al que se le ha derrumbado el universo y no puede reencontrarse consigo mismo, brinda una interpretación antológica. Lo mismo vale para Meryl Streep, en un contenido papel secundario que está entre lo mejor de su extensísima filmografía. O Christopher Walken, que fascinó a todos con la expresividad de su mirada. Un apartado especial merece John Cazale: antes de morir a los 43 años, este notable intérprete participó en solo cinco películas; cinco superclásicos de los setenta como lo son "El Padrino" (primera y segunda parte), "La Conversación", "Tarde de perros" y "El Francotirador". Cuando Cimino lo convocó para que diera vida a Stanley, el amigo que no tiene valor para alistarse como voluntario, Cazale le confió que le quedaban pocos meses de vida. El director ocultó este hecho a la Universal y filmó primero todas sus escenas. Cuando quedó en evidencia la gravedad de su estado, hubo presiones del estudio para reemplazarlo. Pero Meryl Streep anunció que también ella se iba si su novio era despedido. John Cazale murió en marzo de 1978, nueve meses antes del estreno de la película.
Por último, si bien la película es muy pareja en su aspecto técnico, sobresalen la fotografía de Vilmos Zsigmond y la partitura de Stanley Myers, infinitamente triste.
Créditos del guión
Michael Cimino
Deric Washburn
Louis Garfinkle
Quinn K. Redeker
Deric Washburn
Música original por
Stanley Myers
Premios oscar:
Academy Awards, USA
Best Actor in a Supporting Role Christopher Walken
Best Director Michael Cimino
Best Film Editing Peter Zinner
Best Picture
Barry Spikings
Michael Deeley
Michael Cimino ,John Peverall
Best Sound Richard Portman ,William L. McCaughey Aaron Rochin ,
C. Darin Knight
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Jane Fonda Jon Voight Bruce Dern
"REGRESO SIN GLORIA"
Coming Home (1978)
Dirección: Hal Ashby
Fotografía: Haskell Wexler
Regreso sin gloria
A mediados de los setenta, los principales estudios de Hollywood no estaban demasiado interesados en ofrecerle a Jane Fonda papeles interesantes. Su radicalismo político era como una espina clavada en el corazón de una industria tan conservadora. Y a la propia Jane le parecía una pérdida de tiempo pasarse tres meses filmando una película cuando ese mismo tiempo lo podía emplear protestando contra la guerra, viajando a Saigón o brindando conferencias. Durante un encuentro con estudiantes, Fonda tuvo la posibilidad de escuchar y conocer personalmente a Ron Kovic, un ex marine que había regresado parapléjico de Vietnam (en 1989, Tom Cruise encarnó a este veterano en "Nacido el 4 de Julio"). "Perdí mi cuerpo pero adquirí mi cabeza", le confió Ron Kovic. Dejó de ser un guerrero y se convirtió en un ser humano, decodificó Jane. Ahí había material para una buena película contestataria.
El esquema narrativo es un clásico triángulo amoroso. 1968. Sally (Jane Fonda) está casada con Bob (Bruce Dern), un marine chauvinista que está a punto de entrar en combate. Al mundo de cuartel en el que viven no llegan los horrores de la guerra, y la ingenua Sally desarrolla su existencia amparada por la coraza protectora del machismo circundante. Cuando Bob parte a Vietnam, Sally debe abandonar la residencia de oficiales y se anota como enfermera en un hospital del ejército. Allí se reencuentra con Luke (John Voight), un antiguo compañero de escuela, que está paralítico, resentido y frustrado. El vínculo que establecen, gradualmente devuelve la esperanza a él y le cambia los parámetros de vida a ella. Con estos tres personajes, Hal Ashby logró registrar minuciosamente la toma de consciencia de la burguesía norteamericana sobre los devastadores efectos sociales de una guerra lejana y brutal.
Al igual que "El Francotirador" o "Apocalipsis now", "Regreso sin gloria" es un alegato contra la sinrazón de la violencia. Pero si las dos primeras se constituyen en hitos a la hora de iconografiar la guerra en la jungla, Ashby renunció a presentar directamente el conflicto en la pantalla. La película traslada el escenario de la jungla a la ciudad norteamericana. El título original ("volviendo a casa") es una cruel ironía. La tierra a la que se quería regresar como un héroe victorioso es una ilusión. Volver es una catástrofe, y no solo por las heridas sufridas. Volver es resignarse a ser condecorado por un heroísmo que no fue o asumir que la guerra patriótica es una gran mentira. Cuando Bob regresa a su hogar se enfrenta a un estado de cosas mucho más terrible que una esposa adúltera.
Uno de los aspectos que más le interesó desarrollar a Jane Fonda fue el carácter de las relaciones que su personaje establece con el marido y el amante. Y basta una sola escena para preguntarse quien es más "hombre", si el militar machista o el parapléjico postrado. Amén de redefinir la sexualidad y la sensualidad masculina, la película destruyó el tabú de la imposibilidad de un minusválido por alcanzar el orgasmo (en la pantalla y fuera de ella).
Además de todo esto, "Regreso sin gloria" es una película con excelentes actuaciones. John Voight y Jane Fonda se llevaron a casa los Globos de oro y los Oscars. Voight obtuvo además el premio de interpretación en Cannes.
Guión: Nancy Dowd (Libro), Waldo Salt, Robert C. Jones , Rudy Wurlitzer.
Reparto:
Jane Fonda
....
Sally Hyde
Jon Voight
....
Luke Martin
Bruce Dern
....
Capt. Bob Hyde
Penelope Milford
....
Vi Munson
Robert Carradine
....
Bill Munson
Robert Ginty
....
Sgt. Dink Mobley
Música:
Temas por
The Beatles, Janis Joplin, Bob Dylan, Aretha Franklin,Jimi Hendrix, Jefferson AirplaneRolling Stones,Simon and Garfunkel ,Steppenwolf ,Richie Havens,Buffalo Springfield.
Premios:
Academy Awards, USA
Year
Result
Award
Category/Recipient(s)
1979
Won
Oscar
Best Actor in a Leading RoleJon Voight
Best Actress in a Leading RoleJane Fonda
Best Writing, Screenplay Written Directly for the ScreenNancy Dowd Waldo Salt Robert C. Jones
Nominated
Oscar
Best Actor in a Supporting RoleBruce Dern
Best Actress in a Supporting RolePenelope Milford
Best DirectorHal Ashby
Best Film EditingDon Zimmerman
Best PictureJerome Hellman
Cannes Film Festival
Year
Result
Award
Category/Recipient(s)
1978
Won
Best Actor
Jon Voight
Nominated
Golden Palm
Hal Ashby
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"EL ÚLTIMO DEBER"
The Last Detail (1973)
de Hal Ashby
Cinematography by
Michael Chapman
Dos suboficiales de la marina estadounidense tienen la misión de trasladar a un joven soldado a la prisión naval de Portsmouth. Uno de los suboficiales, Buddusky (Jack Nicholson), un hombre experto de agrio carácter y marcado desafío existencial, ante la inocencia y falta de culpabilidad del reo (Randy Quaid) decide proponerle a su compañero guardián (Otis Young) que demoren la llegada para hacer que el chico pase bien sus últimos días tomando unas cervezas y conociendo el sexo.
Con una triste gradación, esta "road movie" despliega una comedia de tintes dramáticos muy bien realizada por Hal Ashby, que confiere un vivo equilibrio de ternura, melancolía, desazón, sinceridad y humor además de un competente estudio de sus personajes. Con Jack Nicholson, Randy Quaid, Otis Young.
Hal Ashby
Fueron los 70's los años de un director extraño y talentoso como Hal Ashby. En sus comienzos fue un prestigioso editor, colaborador de Norman Jewison hasta rodar, gracias a un reemplazo, su primer filme "The Landlord" (1970) . Filmó clásicos como Harold and Maude (1971) (película de culto escrita por el maravilloso Colin Higgins), The Last Detail (1973) una pequeña obra maestra que veremos en esta función, Shampoo (1975) una divertida sátira en tiempos de Richard Nixon, Esta tierra es mi tierra (1976) una excelente biografía sobre Woody Guthrie, Coming Home (1976), que hablaba del fracaso de Vietnam en cuerpo y alma, y Desde el jardín (1979), su última gran película y tambièn la ùltima del gran Peter Sellers.
En los 80, el nuevo clima ultra-conservador del paìs afectò su cine continuando con obras de desigual calidad. Es un director injustamente olvidado, que marcò el estilo de futuros cineastas. Wes Anderson y Zach Braff declararon ser grandes admiradores de Ashby, especialmente de su filme "Harold and Maude". Sean Penn le dedicò su primer filme. Nosotros, con la revisiòn de tres de sus obras, le hacemos un pequeño homenaje en los Salvajes 70's.
Directed by
Hal Ashby
Writing credits
Darryl Ponicsan
(novel The Last Detail)
Robert Towne
(screenplay)
Cast (in credits order)verified as complete
Jack Nicholson
....
Billy "Bad Ass" Buddusky
Otis Young
....
'Mule' Mulhall
Randy Quaid
....
Larry Meadows
Clifton James
....
M.A.A.
Carol Kane
....
Young Whore
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Hair(1979)
The American Tribal Love-Rock Musical
Dirección: Milos Forman
John Savage Treat Williams Beverly D'Angelo Nicholas Ray
Fotografía:Miroslav Ondrícek
Libro: Gerome Ragni y James Rado Guión: Michael Weller
Música: Galt MacDermot
Coreografía : Twyla Tharp
HAIR Si evocamos los 70', no podemos dejar de lado una de las obras emblemáticas de la generación del flower power: la mítica HAIR . En 1967 el off Broadway sorprendería al mundo con esta ópera rock que iba a convertirse en el testamento de la cultura hippie, mostrando con total libertad las comunidades, las drogas, la psicodelia, el amor libre y -sobre todo- el no a la guerra, el no a Vietnam. De esta manera se expresaba la contracultura, haciendo temblar al establishment con el desnudo de todo el elenco al finalizar el primer acto, provocando un escándalo en todas las ciudades del mundo en la que se la representó (incluida Buenos Aires, en una de sus mejores versiones).
La obra también fue acusada judicialmente por desprecio a la bandera norteamericana y por el uso de lenguaje obsceno, llegando el caso hasta el tribunal supremo. Con el pasar de los años, dos de sus canciones se convertirían en himnos populares ( "Deja que entre el sol" y "Acuario").
Varios años después, Milos Forman logró adaptar eficazmente el musical con este filme fresco y emocionante, que quizás por haberse realizado tan tardíamente, no tuvo la trascendencia obtenida por la opera rock en teatro.
(Crítica diario "Clarin" 5 de Diciembre de 1980)
ESE MÁGICO DELIRIO
"HAIR" FUE RECREADO EN FORMA DESLUMBRANTE POR MILOS FORMAN...LOGRANDO UN ESPECTÁCULO DE EXCEPCIONAL CALIDAD.
..."Hair"es una muy afortunada creación de Gerome Ragni, James Rado y Galt Mc Dermont, que a través de una vital, audaz concepción musical, exalta la intrínseca libertad del " hippismo" y condena la sangrienta aventura de Vietnam... ...Doce años después de su estreno teatral, el gran talento de Milos Forman dio una respuesta deslumbrante, siendo su versión de HAIR uno de sus mejores trabajos para el cine. Con minuciocidad y lucidez Forman utilizó la esencia de la pieza, no traicionó ninguno de sus personajes, respetó las canciones, pero también "aggiornó" el mensaje de fondo. ...El director checo comprendió con clara inteligencia que HAIR tiene una raíz de enorme valor, más importante que el culto al pelo largo, la música rock y la marihuana.Por eso cuando el Hair teatral era un recuerdo, adquiere tanta actualidad como "Regreso sin Gloria" o "Apocalipsis Now".
Con un reparto excelente destacándose: Treat Williams como Berger gran personaje del filme, John Savage como Claude el flamante soldado, Annie Golden, Beverly Dangelo y el veterano director Nicholas Ray que falleció poco después de este trabajo.Elemento decisivo fue la coreografía de Twyla Tharp de brillante desempeño. La notable fotografía de Miroslav Ondricek otorga toda la fuerza y toda la magia a esta versión de HAIR.
---------------------------------------------------------------"BARRIO BOHEMIO"
Next Stop, Greenwich Village (1976)
Dirección: Paul Mazursky En los años 50', el Greenwich Village seguía siendo el sitio clave de pintores, escritores, músicos y -sobre todo- la parada obligada para aquellos que soñaban convertirse en grandes actores. En el barrio bohemio neoyorquino convergían distintos caracteres que compartían penas, alegría, sexo, tertulias y escenarios. Entre esta colorida fauna se formó una nueva generación de actores que -con Marlon Brando y James Dean a la cabeza- revolucionarían al teatro y al cine. Veinte años más tarde, en esta pequeña, divertida y nostálgica joya, Paul Mazurzky recuerda sus épocas como estudiante de teatro en el Greenwich. Una de las virtudes de su filme es la humanidad con que están cargados los personajes, principalmente Larry, el joven judío que un día se marcha de Brooklyn. Liberado de sus sobreprotectores padres (un gran papel para Shelley Winters), y con la meta de ser un gran actor dramático, encontrará en el nuevo barrio una nueva "familia" y el escenario donde realizar sus imitaciones de Brando o Edward Robinson, saltar por las calles y tomar un café en "Cappucino". Jenny Baker, que dio vida a Larry, fue saludado como un nuevo Pacino o Hoffman, ganando al año siguiente un Tony en los escenarios de Broadway. Lementablemente, murió al poco tiempo, con solo 36 años. "Greenwich Village" también supuso el debut de Christopher Walken, que dos años más tarde se convertiría en la sensación de "El Francotirador".
A mediados de los setenta, Paul Mazursky era considerado uno de los principales realizadores norteamericanos, a pesar de que su cine tenía cierto "sabor" europeo (era un gran admirador y amigo de Federico Fellini). Olvidándose de los "grandes temas" de su país, prefirió incidir en el cotidiano costumbrismo de los estadounidenses. Tras su divertido estudio de las relaciones sexuales en "Bob y Carol y Ted y Alice" (1969) y su algo felliniana "Alex en el país de las maravillas" (1970), no podemos dejar de mencionar su mirada sobre la tercera edad en "Harry y Tonto" (1974) y la magnífica comedia dramática "Una mujer descasada" (1978). 
Dirección: Paul Mazursky Guión: Paul Mazursky
Fotografía: Arthur J. Ornitz
Música:
Bill Conti
Con:Lenny Baker, Shelley Winters, Ellen Greene, Lois Smith, Christopher Walken,Jeff Goldblum.-------------------------------------------------------------------------------
"Everyone has the right to make an ass out of themselves.You can´t let the world judge you too much" Maude
Harold and Maude
(ENSÉÑAME A VIVIR) Directed by Hal Ashby
Ruth Gordon Bud CortWriting credits Colin HigginsCinematography by
John A. AlonzoCuando "Harold y Maude" llegó en 1971 a las pantallas estadounidenses, esta inusual historia de amor entre un veinteañero y una octogenaria fue inicialmente un fracaso; solo a raíz de su segundo pase emprendió una marcha triunfal por los programas cinematográficos. En una visión retrospectiva, es un hecho que tiene poco de sorprendente; una comedia levemente anárquica, en la que instituciones como la policía, el ejército y la iglesia son objeto de burla, y en la que la riqueza material no aparece como un objetivo deseable, sino como la causa de un vacío espiritual total, no podía encajar en la línea principal de una sociedad que acababa de elegir como presidente al ultra conservador republicano Richard Nixon. Por el contrario, la película gustó a quienes en todo el mundo, con la juventud en primer término, sentían la asfixia de las convenciones tradicionales. La balada de Cat Stevens, tan repetida a lo largo del filme, señalaba el tema: "Si quieres ser libre, sé libre".
Bud Cort es Harold, un "joven rico con tristeza", deprimido y hastiado de la vida, que a los 20 años solo desea que su madre le preste un poco de atención. Ruth Gordon es Maude, una excéntrica y disparatada anciana, pacifista, amante de la vida y próxima a cumplir las ocho décadas de existencia, que ha decidido vivir la vida al extremo. La relación platónica que se establece entre ambos da lugar a una sátira social y a una comedia negrísima, que invierte el canon conceptual de los 60, en los que el inconformismo, la rebeldía y el ataque a las instituciones solo pueden provenir de la juventud.
"Harold y Maud", un "clásico instantáneo", fue clave en las épocas del desaparecido Cine Arte y en los ciclos de la Cinemateca en la Hebraica (en Buenos Aires hubo incluso una exitosa versión teatral, la excelente "Solo 80" con Hedy Crilla). Hal Ashby se benefició de la química que se estableció entre una de las parejas más insólitas de la pantalla: Bud Cort, que venía de trabajar con Altman en "El volar es para los pájaros" y "M*A*S*H", y Ruth Gordon, guionista del Hollywood clásico que pocos años antes había conquistado un Oscar de interpretación como la vecina bruja de Mía Farrow en "El bebe de Rosemary". 
Directed by
Hal Ashby
Produced by
Colin HigginsCharles B. Mulvehill
Written by
Colin Higgins
Starring
Ruth GordonBud CortVivian PicklesEric ChristmasCyril CusackEllen GeerG. Wood
Music by
Cat Stevens
Distributed by
Paramount
Release date
December 20, 1971 (USA)
Running time
91 min.Sitio de fans no oficial :
http://www.geocities.com/rainforest/5862/harold.htm
------------------------------------------------------------------------The Honeymoon Killers ( 1970) "LOS ASESINOS DE LA LUNA DE MIEL"de
Leonard Kastle
Arturo Ripstein realizó una nueva versión de esta historia: la magnífica "Profundo Carmesí". Pero este clásico de culto de los serial killers es también una joya oculta, que merece la pena descubrir . Difícil de conseguir ya que no existen copias en nuestro país y poco se la ha visto en Tv.
Este es el primer y único trabajo cinematográfico de su director Leonard Kastle,quién realizó este original e interesante filme,con escasos recursos. El uso del blanco y negro, y el hecho de haber sido rodada en los escenarios reales donde acontecieron los hechos, le dieron el tono adecuado de extremo realismo, que exigía la historia. (Originalmente la iba a dirigir Martin Scorsese pero por diferencias creativas fue reemplazado por Donald Volkman, finalmente fue elegido Kastle.)
También fue el primer y recordado trabajo de su protagonista femenina Shirley Stoler , quien años más tarde haría otra magnifíca interpretación como la desagradable gorda nazi de "Pascualino Siete Bellezas" de Lina Wertmuller.Intervino en otros filmes como "Klute", "Buscando a Susan desesperadamente", "El francotirador" o "Malcolm X" .A Tony Lo Bianco, su compañero asesino, lo hemos visto en "Contacto en Francia" y es recordado por su participación en "Serpico" y "Nixon".
La historia Basada en un famoso caso que estremeció a los EE.UU a fines de los años 40 , época que daría comienzo a la enferma relación de una singular pareja formada por Martha una enfermera obesa, solterona, y físicamente poco agraciada y Raymond un expresidiario de ascendencia latina, típico latin lover. El objetivo común de los dos será escoger juntos a sus víctimas, mujeres solteras y viudas, a las que Ray seducirá hasta despojarlas de su dinero y posteriormente asesinarlas sin ningún tipo de remordimiento, encontrando de esta forma, una muy redituable fuente de trabajo...Martha y Raymond, pasarían a la historia como uno de los pocos casos de asesinos seriales que trabajan en pareja, aquellos que de manera conjunta realizan el homicidio codependientemente, debido a su imposibilidad para cometer los crímenes solos.
THE HONEYMOON KILLERS Dirección: Leonard Kastle , Donald Volkman (sin crédito en pantalla), Guión :Leonard Kastle; Producción: Warren Steibel; Fotografía: Oliver Wood; Música: Partituras originales de Gustav Mahler; Edición: Richard Brophy, Stanley Warnow; Con: Shirley Stoler (Martha Beck), Tony Lo Bianco (Raymond Fernández), Mary Jane Higby (Janet Fay), Doris Roberts (Bunny), Kip McArdle (Delphine Downing), Marilyn Chris (Myrtle Young) Estados Unidos, 1970, 115 min
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Electra Glide in Blue("ASFALTO VIOLENTO") (1973)
de James William Guercio
Pude ver Electra Glide gracias a Fabián Bielinski. Me acuerdo que apenas se enteró del ciclo que Jorge Russo estaba armando, nos envió una lista con películas de los 70 que a su parecer eran fundamentales. Muchas de esas películas ya las había visto, pero muchas otras ni siquiera las había oído nombrar. Esa lista de películas son un regalo que Fabián nos hizo, son un cofre de piedras preciosas. Y "Electra Glide in blue" es una de las joyas de este tesoro. Electra Glide compitió en la sección oficial de Cannes junto a films como Scarecrow (Espantapájaros), La maman et la putain (La mamá y la puta), Ana y los lobos, entre otras. Luego de la proyección el jurado y la crítica la catalogaron por unanimidad de fascista y reaccionaria. Quizás esta sea una de las razones por las que se la condenó al infierno del olvido, y en consecuencia hoy no solo no se la considera, sino que se ignora su existencia.
Su director James William Guercio era un renombrado productor de rock (Zappa , el primer Chicago) que estaba mas cerca de la contracultura que del establishment. En su primer y última obra decidió contar una fábula sobre la América profunda, pero eligió narrarla del lado de los malos de la época. En esa década todos preferían contar historias desde el punto de vista de los rebeldes, de los jóvenes antisistema (a excepción de Joe, Taxi Driver y Contacto en Francia ). En muchos de estos casos era una elección honesta ( Easy Rider ) pero en muchos otros fue puro oportunismo. La del setenta fue la década donde los directores tuvieron libertad absoluta. Pero también el momento donde a los estudios les convenía producir películas con gente de pelo largo. Guercio, en vez de hacerse el hippie, tuvo los huevos de elegir a un policía como protagonista para ver la época y el choque cultural a través de sus ojos.
Seguramente muchos la condenaron por dos escenas: una en donde el protagonista practica tiro contra una imagen icónica de la cultura de los sesenta. Esta escena es genial porque Johnny le dispara a lo que le tiene miedo, a lo nuevo, al cambio, a la libertad, a todo lo que él no puede llegar a ser. La segunda, que seguramente crispó los nervios del jurado de Cannes, es a mí entender una clara referencia a ese monstruo travestido que fue el clan Manson. Aquí se da una paradoja, ya que son los del poster lo que disparan contra él y este es para mí el mensaje de la película. Los libres, los rebeldes, los pacifistas deciden tomar las mismas armas que el sistema, por lo tanto pierden su razón de ser y por ende la sustancia de su utopía. "Electra Glide in blue" es otra vez una película sobre el fin de una era, y cada fotograma expresa lo mismo que nos cantaba Lennon en una sola canción : the dream is over. Cristian Bernard
Dirigida por James William Guercio
Fotografía : Conrad L. Hall
Con
Robert Blake Wintergreen
Billy Green Bush - Zipper
Mitch Ryan Poole
Peter Cetera - Zemco
Jeannine Riley - Jolene
Guión :Robert Boris Musica original: James William Guercio
Awards:
Cannes Film Festival 1973 Nominated Golden Palm
James William Guercio
Golden Globes, USA 1974 Nominated Golden Globe
Best Motion Picture Actor - Drama Robert Blake 
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Ciclo "70's: La Dècada Salvaje" II Parte Dedicamos este ciclo a Fabian Bielinsky (que aprobó entusiasta, sugiriendo algunos títulos que veremos)
Los geniales años 70 fueron una época extraordinaria de rebelión, de cuestionamientos a las ideas vigentes: activismo político, hedonismo, protestas, revolución sexual y musical, liberación de la mujer, derechos humanos, etc. Las reglas sociales y culturales establecidas fueron derribadas o reinventadas. Y en el cine norteamericano una nueva generación de cineastas, haciendo caso omiso a las fórmulas de los viejos estudios, renovaron con sus libres temáticas el cine "mainstream", trabajando para una nueva clase de audiencia, ávida por conocer nuevas historias.(Poster 70' La Década Salvaje creación de Ezequiel García)Septiembre
Los 50' en los 70'LA ÚLTIMA PELÍCULA The Last Picture Show (1971)
Peter Bogdanovich
Rarezas (directores de un solo filme):ASFALTO VIOLENTO Electra Glide in Blue (1973)
James William Guercio LOS ASESINOS DE LA LUNA DE MIEL The Honeymoon Killers (1970)
Leonard Kastle
Filmes de culto: Humor y conflictos generacionales BARRIO BOHEMIO
Next Stop, Greenwich Village (1976)Paul MazurskyENSEÑAME A VIVIR Harold and Maude (1971)
Hal Ashby
De soldados y de hippies...EL ULTIMO DEBER The Last Detail (1973)
Hal Ashby
HAIR Hair (1979)
Milos Forman
Vietnam en dos miradas:
REGRESO SIN GLORIA Coming Home (1978)
Hal AshbyEL FRANCOTIRADOR The Deer Hunter (1978) Michael Cimino------------------------------------------------------------------------------------------------
LA ÚLTIMA PELÍCULAThe Last Picture Show (1971) Peter Bogdanovich Iniciamos esta segunda parte del ciclo con uno de los filmes que causó sensación en 1971. El brillante escritor, crítico de cine y realizador Peter Bogdanovich, dio a conocer su segundo largometraje, que destacó por un estilo opuesto a los filmes que hacían furor en aquel momento, en una especie de homenaje a los clásicos dramas de posguerra.
Ha permanecido como una de las obras maestras del cine norteamericano de los 70, y sin duda es la mejor obra realizada hasta hoy por Bogdanovich. Espléndido melodrama rural ambientado en un lejano pueblo tejano, fresco dramático de la América profunda de los años 50 que trataba temas como, el paso del tiempo, la necesidad (y dificultad) de amar, el "descubrimiento" del sexo, el peso de una vida sujeta a un entorno inexorable... Filme coral, con un reparto excelente de debutantes y novatos: Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Cloris Leachman, Ellen Burstyn.
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